Ein Booker T. & The M.G.'s Leitfaden

Hören Sie auf zu lesen und schauen Sie sich diese brennende Live-Version von „Green Onions“ an. In viereinhalb Minuten fesseln Booker T. & die M.G.’s, die ikonische Memphis-Soul-Kombo, ein ehrfürchtiges Publikum während eines Norwegen-Auftritts der Stax/Volt Revue Tour 1967.

Das erstaunte Gesicht der Frau bei der 1:35-Marke sagt alles. Und die Performance rechtfertigt diese Art von hypnotischer Reaktion: Bandleader Booker T. Jones verziert sein charakteristisches Orgelriff mit Schnellfeuer-Salven, die wie ein kurzschließendes Modem klingen; Schlagzeuger Al Jackson Jr. webt hektische Fills in seinen eleganten Ride-Becken-Rhythmus; und Steve Croppers jammern führende Riffs und bluesige Doppelton-Biegungen erheben sich über das felsenfeste rhythmische Fundament des Bassisten Donald „Duck“ Dunn (der auch den Begriff „Bass-Gesicht“ mit ruckartigen Verrenkungen um die 2:10-Marke neu definiert). Hier, wie immer, ist jeder Musiker perfekt aufeinander abgestimmt – eine wesentliche Balance.

Und „Balance“ ist ein zentrales Thema der Geschichte der M.G.’s. Als Hausband von Stax Records in den 1960er-Jahren diente das Instrumentalquartett immer dem Lied, nie dem Solisten – es dehnte sich aus, wenn die Stimmung es verlangte, aber niemals auf Kosten von Melodie oder Groove. Und als multirassische Band in einer Ära des grassierenden Rassismus und der Ungleichheit – sie wurde vor dem Civil Rights Act, Voting Rights Act und Fair Housing Act gegründet – hatte ihre Teamarbeit eine tiefere soziale Resonanz.

Diese bahnbrechende Partnerschaft geschah im Grunde zufällig. „Green Onions“, ihre Debütsingle aus dem Jahr 1962, entstand aus einer völlig anderen Stax-Studio-Session, als die Gruppe während der Pausen auf Jones' Orgelprogression jammte. Sie landeten mit einem Crossover-Hit auf den Pop- und R&B-Charts von Billboard – und führten zu einem vollständigen LP mit demselben Namen.

Die ursprüngliche Besetzung (Jones, Cropper, Jackson Jr. und Bassist Lewie Steinberg) blieb bis 1965 unverändert, als Dunn die Bassaufgaben übernahm. Und obwohl sie niemals wieder ein so schmackhaftes Riff wie „Green Onions“ hervorbrachten, entwickelten sie sich im Laufe des Jahrzehnts zu einer strafferen, abenteuerlicheren Band – fügten ihrem mühelosen Southern-Soul-Ansatz Mainstream-Rock- und Funk-Elemente hinzu. (Das heißt, wenn sie nicht gerade Stax-Größen wie Wilson Pickett, Bill Withers, Otis Redding und Albert King begleiteten.)

Für einen M.G.’s Appetizer jenseits von „Green Onions“, lassen Sie uns fünf der essenziellen Alben der Band erkunden.

Green Onions (1962)

Die M.G.’s eröffnen weise ihr Debüt-LP mit einem Knock-out-Punch – sobald Sie dieses fettige Blues-Groove von „Green Onions“ in Ihren Knochen spüren, werden Sie diesen Jungs überallhin folgen. Aber es ist ein schwer zu toppender Akt. Keiner der anderen 11 Songs erreicht die Brillanz dieses Openers, und die Filler-Wiederholung von „Mo' Onions“ lässt das Album leicht zusammengewürfelt wirken. Dennoch ist die telepathische Interaktion der Band durchweg atemberaubend, insbesondere bei ihrer Version von Dave „Baby“ Cortez‘ Hit „Rinky Dink“ von 1962, mit Jones‘ Karneval-Orgelwirbel, der sich von Croppers stakkatoartigem Splittern widerspiegelt.

And Now! (1966)

Die M.G.’s erreichen ihren Höhepunkt auf dem dritten Album, das erste mit Dunn in der Besetzung. Sein melodischer Stil vertieft automatisch den Groove, einschließlich jazziger Walking-Basslines beim traditionellen „Jericho“ und dem reißenden Original „Soul Jam“. Sie flirten sogar mit Funk in Versionen von Allen Toussaints „Working in the Coal Mine“ und dem T-Bones „No Matter What Shape (Your Stomach's In)“. Sie hatten ihre Schreibfähigkeiten noch nicht wirklich gezeigt, aber es spricht Bände, dass das göttliche Klavierstück „My Sweet Potato“, ein selbst geschriebener Track, „Green Onions“ in einem lebensmittelthemenbezogenen Showdown Konkurrenz macht.

Hip Hug-Her (1967)

Die Vierergruppe begann in den späten 1960er-Jahren, mehr Eigentum an ihrem Material zu übernehmen, beginnend mit Hip Hug-Her. Ihr fünftes Album, das sechs Originalstücke enthält, ist klanglich schwerer und abwechslungsreicher als ihre bisherigen Werke: „Soul Sanction“ webt einen funky Kuhglocken-Groove ein, wobei Cropper im Breakdown ein rauchiges, „Ticket to Ride“-ähnliches Gitarrenriff hinzufügt; mit seinem klingelnden 12-Saiten-Riff und den sehnsüchtigen Melodien klingt das passend betitelte „Carnaby St.“ als könnte es aus einem Byrds-Album derselben Ära stammen. Ein rein klanglicher Rausch tritt bei „Pigmy“ auf, bei dem Jones' riesige Hammond mit der Kraft von Deep Purple über einem schicken Bossa-Nova-Blues donnert.

McLemore Avenue (1970)

„Ich fand es unglaublich mutig von den Beatles, ihr Format fallen zu lassen und sich musikalisch so weiterzuentwickeln, wie sie es [auf 1969er Abbey Road] taten“, sagte Jones dem A.V. Club im Jahr 2009. „So weit zu gehen und sich neu zu erfinden, obwohl sie das nicht nötig hatten. Sie waren die Top-Band der Welt, aber sie haben sich trotzdem neu erfunden. Die Musik war einfach unglaublich, also fühlte ich, dass ich ihr Tribut zollen musste.“

Er und die M.G.’s taten genau das, um die 1970er-Jahre einzuläuten, indem sie das spätere Meisterwerk der Fab Four in einem Soul-Rock-Instrumentalformat neu interpretierten. Es ist nicht der radikale künstlerische Sprung, der es auf dem Papier scheinen mag: Die Beatles waren große Fans des Stax-Rosters (und hatten sogar überlegt, Revolver im Memphis-Studio aufzunehmen); Billy Prestons eigene dröhnende Hammond war bereits ein wesentlicher Bestandteil von Abbey Road; und Dunns artikuliertes Bassspiel ist ein verwandter Geist zu Paul McCartneys eigenem Spiel. Aber die M.G.’s hinterlassen ihren Stempel auf diesen sakrosankten Stücken – von dem kirchenartigen Orgelsound beim atmosphärischen „Sun King“ bis zu Croppers teuflischen Soli beim „windows-down“-Jam bei „Polythene Pam“.

Melting Pot (1971)

Die M.G.’s setzten ihre Karriere in verschiedenen Formationen über die Jahrzehnte hinweg fort, wobei Jones und Cropper das Erbe bis heute weitertragen. Aber Melting Pot, die letzte Studiovereinigung der vier Mitglieder der klassischen Ära, markierte das Ende ihrer Hauptlaufbahn. Sie verabschiedeten sich auf einem legitimen Höhepunkt, indem sie sich in freieres, funkigeres Terrain wagten, das sich fast vollständig von der erhabenen Legende ihrer „Green Onion“-Tage losgelöst anfühlt. „Chicken Pox“ schwelgt in tief frittiertem Funk; der Titeltrack entfaltet sich zu einer achtminütigen Groove-Orgie, beleuchtet von Jackson Jr.’s kolossalem Schlagzeug und Croppers twangy Licks; und „Sunny Monday“, mit seinen filigranen Gitarrenriffs, grandiosen Streichern und klassisch angehauchten Klavierstücken, erinnert sowohl an Love als auch an Procol Harum.