Nina Simone: Die Stimme eines Volkes

Im RCA-Studio sitzend, um Nina Simone Sings The Blues im Dezember 1966 und Januar 1967 aufzunehmen, befand sich Simone in ihrer besten Form. Im Gegensatz zu ihren vorherigen Alben bei den kleineren Labels Bethlehem Records, Colpix und Phillips bedeutete die Größe von RCA und der Künstler Harry Belafonte, dass Simones Musik und Botschaft ihr größtes, vielfältigstes Publikum bis zu diesem Zeitpunkt erreichen würden.

Produziert von Danny Davis, einem A&R-Manager, mit dem Simone zum ersten Mal zusammenarbeitete, wurde Sings The Blues als Simones erstes Konzeptalbum angepriesen. Um die intime Atmosphäre ihrer Live-Shows nachzubilden, versammelte Davis eine Elitegruppe von Künstlern aus New York: den Gitarristen Eric Gale, den Schlagzeuger Bernard Purdie, den Organisten Ernie Hayes, den Bassisten Bob Bushnell, den Mundharmonikaspieler und Saxophonisten Buddy Lucas sowie Simones häufigen Gitarristen Rudy Stevenson. Teil Juke Joint, Teil Jazzclub, Teil Harlem-Salon, Sings The Blues zeigte Simone in Bestform – Pop politisch und Protest sexy machend.

Doch sie war nicht immer so. Geboren als Eunice Waymon im Jahr 1933, wuchs Simone im segregierten Tryon, N.C. auf. Mit 3 Jahren spielte sie die Lieblingsgospelhymnen ihrer Mutter für den Kirchenchor auf dem Klavier; und mit 8 zog ihr Talent so viel Aufmerksamkeit auf sich, dass der weiße Arbeitgeber ihrer Mutter anbot, ihre klassischen Musikstunden für ein Jahr zu bezahlen. Entschlossen, eine herausragende klassische Pianistin zu werden, trainierte Simone ein Jahr am Juilliard, suchte dann das Curtis Institute of Music in Philadelphia auf und wurde abgelehnt – eine herzzerreißende Ablehnung, die zu einer Reihe von Neugestaltungen führte – sie gab sich den Namen Nina Simone, trat in Nachtclubs in Atlantic City auf und integrierte Jazzstandards in ihr Repertoire.

Sie sollte ihren einzigen Top-40-Hit mit „I Loves You, Porgy“ aus der Oper Porgy and Bess im Jahr 1959 aus ihrem Debütalbum Little Girl Blue haben. Um ihre Musikkarriere voranzutreiben, zog Simone zurück nach New York, wo sie Teil einer Gruppe sozial engagierter Künstler wurde, sich der Bürgerrechtsbewegung anschloss und für ihre Protesthymne „Mississippi Goddam“ berühmt wurde, ein Lied, das sie als Antwort auf die Ermordung des Bürgerrechtsführers Medgar Evers in Mississippi und die Ermordung von vier afroamerikanischen Mädchen bei einem Kirchenanschlag in Birmingham, Ala., im Jahr 1963 komponierte.

In ihrer späten Karriere reflektierte Simone: "Ich hoffe, der Tag kommt, an dem ich mehr Liebeslieder singen kann, wenn der Drang, Protestlieder zu singen, nicht mehr so dringend ist. Aber für jetzt macht es mir nichts aus." Und obwohl diese Spannung Simones Karriere heimsuchte, hat *Sings The Blues* keinen solchen Kampf. Im Gegensatz dazu waren alle Simones früheren Alben, einschließlich The High Priestess of Soul, das Phillips Records ein paar Wochen vor diesem Album schnell veröffentlicht hatte, eine eklektische Mischung aus Protest-, Jazz-, Folk-, Gospel- und R&B-Songs. Davis ermutigte Simone, ein musikalisches Thema zu finden, was Sings The Blues zu ihrem einheitlichsten Album machte. Im Gegensatz zu ihren männlichen Zeitgenossen wie Bob Dylan oder den Beatles, die den mythischen Klang des afroamerikanischen Bluesmusikers Robert Johnson suchten, fand Simone Inspiration im verführerischen, selbstbewussten Stil von Ma Rainey und Bessie Smith, den oft vergessenen Bluesfrauen, die die amerikanische Popmusik in den 1920er Jahren dominierten.

Simone übernimmt das Steuer in „Do I Move You?“ und „In The Dark“, ihre dunkle Stimme transportiert uns in ein verbotenes Boudoir, einen privaten Tanzclub oder beides. Bei Songs, die typischerweise Verlust und Trauer beschwören, wie Buddy Johnsons Standard „Since I Fell For You“, schwelgt Simone in Lust. “Buck”, ein von ihrem Ehemann und Manager Andrew Stroud geschriebenes Lied, zeigt uns Simones vorletzte Frechheit. Aber es ist ihre verschmitzte Phrasierung und das langsame Tempo durch „I Want A Little Sugar In My Bowl“, das sie sowohl zeitlos als auch neu machte und die Bluesfrauen von früher heraufbeschwor, während sie die Energie einer neuen Generation amerikanischer Frauen einfing, die am Rande der sexuellen Befreiung standen.

Doch in Simones Händen war selbst der Blues verhandelbar.

In dem gospel-inspirierten „Real Real“ vereint Simone Traditionen und erinnert an das Sprichwort des Jazzkritikers Albert Murray, dass dieselbe Person, die am Samstagabend im Bluesclub spielt, am Sonntagmorgen dieselben Akkorde in der Kirche spielt. „The House Of The Rising Sun“, das Volkslied, das sie zum ersten Mal für das Colpix Records-Album At The Village Gate von 1962 aufnahm, ist weitaus lebhafter und gewagter als ihre ursprüngliche Version und spiegelt wider, wie sich Simones musikalisches und politisches Selbstbewusstsein innerhalb weniger Jahre dramatisch verändert hatte.

In „My Man’s Gone Now“ besucht Simone unerwartet Porgy and Bess erneut und produziert einen der fesselndsten Momente des Albums. Es war so fesselnd, dass Davis sich gezwungen fühlte, in den ursprünglichen Notizen des Albums zu schreiben: „Miss Simone war von den vorherigen Aufnahmen körperlich und emotional erschöpft, aber sie setzte sich ans Klavier und begann zu spielen und dieses bewegende Stück aus ‚Porgy and Bess‘ zu singen . . . Von irgendwo her rief sie die Ausdauer hervor, um mit noch mehr Intensität und einem Geist eine seltene, perfekte Aufführung zu liefern, die nicht verbessert werden konnte.”

Doch außerhalb der Studiotüren brannte die Nation. Zwei Monate bevor sie mit den Aufnahmen begann, gründeten Huey Newton und Bobby Seale die Black Panther Party in Oakland; zwei Monate nach der Veröffentlichung des Albums brachen in Buffalo, Detroit und Newark Rassenunruhen aus. Simone passte ihre Politik, wie ihren Klang, an die Zeiten an und Lieder wie „Blues For Mama“ und „Backlash Blues“ überbrückten die verschiedenen sozialen Bewegungen – Frauenbefreiung, Black Power und die Anti-Kriegsbewegung der späten 1960er Jahre – mit denen Simone sympathisierte.

Gemeinsam mit der Jazzsängerin und Aktivistin Abbey Lincoln geschrieben, war “Blues For Mama” eines der wenigen Lieder der Ära, die den Standpunkt weiblicher Opfer von häuslicher Gewalt über den ihrer männlichen Täter priorisierten. Die explizite Zurückweisung und klare Überarbeitung der ambivalenteren Darstellungen häuslicher Gewalt in den frühen Blues-Songs wie Rainys „Sweet Rough Man“, Smiths „T’Aint Nobody’s Business“ und sogar Billie Holidays Jazzstandard „My Man“ stellte dieses Stück weit über seine Zeit und sollte sowohl für seinen funky Sound als auch für seine avantgardistische feministische Botschaft geehrt werden.

Simones spielerischste und eindringlichste Erwiderung war “Backlash Blues”, ein Gedicht, das ihr von dem Schriftsteller Langston Hughes übergeben wurde. Geschrieben im Jahr 1967, kritisierten Hughes’ Texte den anhaltenden amerikanischen Rassismus und die unverhältnismäßige Einberufung junger afroamerikanischer Männer zum Kampf in Vietnam durch die Regierung. Bei Beibehaltung des typischen 12-Takt-Blues-Verses von Hughes’ Original fügt Simone einen leidenschaftlichen Shuffle-Rhythmus hinzu – reminiscent, aber in einem viel langsameren Tempo gespielt als der typische Boogie-Woogie-Shuffle.

Die Protestnote von Simone ist jedoch am lautesten, wenn sie tatsächlich Hughes’ Zeilen umschreibt. In dem Gedicht wartet Hughes bis zum Ende, um seine Meinung zu ändern und den Blues an die Regierung, Rassisten und den alten "Mister Backlash" zurückzugeben. Simone hingegen verwandelt diese Rache in einen Refrain und beendet jeden Refrain mit den Worten: „Mister Backlash, ich werde Sie mit den Backlash-Blues verlassen.“ Hier wird der Blues zu einer eigenen Form von Rassengerechtigkeit, die mit jedem Schrei mehr Macht erhält.