Die 10 besten Vocal Jazz-Alben, die man auf Vinyl besitzen sollte

Billie Holiday: Lady In Satin

Das letzte Album von Billie Holiday, das zu ihren Lebzeiten veröffentlicht wurde, Lady In Satin (1958), erhielt bei seiner Erstveröffentlichung gemischte Kritiken. Holiday's Stimme hatte sich verändert und war geschwächt, die Jahre des Alkohol-/Drogenmissbrauchs und der missbräuchlichen Beziehungen hatten ihren Teil an ihrem Geist und Körper getan. Doch in diesen Songs steckt eine üppige Zärtlichkeit. Die Arrangements mit Ray Ellis und seinem Orchester sind prachtvoll auf diesem Set von Songs, die sie zuvor nie aufgenommen hatte. Der Eröffnungstrack des Albums ist herzzerreißend mit den Texten: „Ich bin ein Narr, dich zu wollen / Ich bin ein Narr, dich zu wollen / eine Liebe zu wollen, die nicht wahr sein kann / eine Liebe, die auch für andere da ist.“ Holiday hatte das Talent, die Zuhörer die Emotion eines Songs tief fühlen zu lassen. Hören Sie sich „I Get Along Without You Very Well“ an, und jeder, der jemals nach einem Ex-Partner verlangt hat, kann sofort mit Holiday in Verbindung treten, während sie darüber singt, weiterzumachen, bis sie an alte Zeiten erinnert wird. Die melancholischen Themen, die falsche Person zu lieben, in der Liebe zu verlieren oder auf vergangene Liebhaber zurückzublicken, machen dieses Album zum Go-to für regnerische Tage allein unter einer gemütlichen Decke.

Frank Sinatra & Antônio Carlos Jobim: Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim

Weil er Frank Sinatra ist, stellen Sie sich wahrscheinlich das Bild des Rat Packs, Vegas und dieser kitschigen Spätkarriere-Filme vor. Aber Gelegenheitszuhörer vergessen, dass Sinatra auch ein Künstler war, dem die Songs, deren Klang und wie er sie sang, etwas bedeuteten. Als Bossa Nova (eine Fusion aus sanftem Jazz und Samba) in den 60er Jahren zum Trend wurde, sprang er nicht einfach auf den Zug auf, sondern rekrutierte Antônio Carlos Jobim, einen Pionier des Genres, für eine aufrichtige Zusammenarbeit, die zu Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), einem Grammy-nominierten Album, führte. Bei einem Set von größtenteils Jobim-Kompositionen klang Sinatra so geschmeidig und sanft wie nie; seine Interpretationen und Darbietungen treffen Sie direkt ins Herz mit Bedeutung und stiller Emotion. Der obligatorische Bossa-Standard „The Girl from Ipanema“ ist absichtlich und luftig. Das Orchester schnurrt und Jobims Gitarre wiegt sanft. Weitere Favoriten sind seine Version von „Corcovado“, die hier als „Quiet Nights of Quiet Stars“ bekannt ist, und „Once I Loved (O Amor em Paz).“ Durch zarte Strummings und gelegentliche Jobim-Hintergrundgesänge ist Sinatra zugleich anspruchsvoll und sensibel, entspannt und zärtlich.

Betty Carter: Betty Carter

Wiederveröffentlicht auf CD unter dem Namen At the Village Vanguard in den frühen 90er Jahren, war Betty Carter (1970) Betty Carters erste Live-Veröffentlichung (danke an das Master einer früheren Live-Session, das gestohlen wurde). Es hat den Vorteil gegenüber diesem anderen Set (das später 1975 als Finally veröffentlicht wurde), weil sie es schafft, mit dem Publikum zu interagieren und ihrer charakteristischen improvisatorischen Phrasierung und Scatting eine rohe Unmittelbarkeit verleihen, die es seems, als wären Sie im Publikum. Carter war eine kreative Kraft – sie malte Meisterwerke mit Worten, beugte und verdrehte sie nach Belieben, und sie scheute sich nicht, das Tempo mitten im Song zu erhöhen oder zu senken und forderte die Musiker heraus, mitzuhalten oder auszuscheiden. Das Album beginnt mit „By The Bend Of The River“ und sie gibt dem Publikum auf ihrer mitgeschriebenen Nummer „Ego“ einen frechen Wink. Sie zerlegt bekannte Stücke von Rodgers, Hammerstein und Hart und formt sie in ihre eigenen Kreationen um, sowohl langsame als auch explosive Stücke. Als Jazzinnovatorin ist dieses Album ein hervorragendes Beispiel dafür, wie Carter ihr Handwerk formt und weiterentwickelt. Keine Vinyl-Neuausgaben seit 1970, also machen Sie sich auf die Suche in den Plattenkisten.

Jon Hendricks: A Good Git-Together

Jon Hendricks machte zunächst als ein Drittel der einflussreichen Vokalgruppe Lambert, Hendricks and Ross von sich reden, bekannt für die Popularisierung von Vocalese, bei dem Worte zu bekannten Instrumentalstücken gesungen werden, sogar zu zuvor improvisierten Soli. Als erfahrener Scatsänger und Liedermacher nutzte Hendricks oft Worte, um clevere Geschichten zu erzählen oder einfach zu beschreiben, wie sich das Solo anfühlte, ein scattender Shel Silverstein, wenn Sie so wollen. Auf seinem ersten Solo-Studioalbum, A Good Git-Together (1959), arbeitet Hendricks mit Pony Poindexter (Alt-Saxophon), Wes und Monk Montgomery (Gitarre und Bass) sowie ursprünglich nicht genannten Cannonball- und Nat Adderley (Alt-Saxophon und Kornett) zusammen. Das Ergebnis ist wie eine großartige Party mit einigen von Hendricks’ selbstgeschriebenen Songs wie dem Titelstück über die Gruppe von Musikern, die zusammen spielen, dem hochfliegenden, scatzufüllenden „Minor Catastrophe“ und überraschend klaren Vocalversionen der Standards „Social Call“ und „Out of the Past.“ Mit Vocalese und Scat durchgängig sowie großartigen Solos von Montgomery und Poindexter ist A Good Git-Together durchaus einen Besuch wert.

Sarah Vaughan and Her Trio: At Mister Kelly’s

Sarah Vaughan hatte eine dieser Stimmen, die man den ganzen Tag lang hören möchte. Sie konnte bis zu tiefen Frauenbariton-Höhen und hoch zu Sopran hüpfen. Vaughan wird von einem Trio (Jimmy Jones, Klavier, Richard Davis, Bass, Roy Haynes, Schlagzeug) in diesem intimen Live-Set von 1957 At Mister Kelly’s unterstützt, das in einem Jazzclub in Chicago aufgenommen wurde. Sie glüht bei mittleren Temponummern und Balladen. Sie lacht mit dem Publikum, während die Musiker den Ton auf „Willow Weep For Me“ ausloten und improvisiert dann gegen Ende, nachdem jemand etwas umgeschmissen hat. Aber jeder ist so entspannt, dass es nicht stört und sie machen weiter. Es wird schnippisch bei „Just One of Those Things“, verspielt bei „Honeysuckle Rose“ und herzzerreißend bei „Just A Gigolo.“ Mein persönlicher Favorit ist der Schluss „How High The Moon“, bei dem die tatsächlichen Texte über Bord geworfen werden mit Zeilen wie „Ella Fitzgerald singt diesen Song wirklich wirklich verrückt… so singt sie ihn, also werde ich versuchen, ihn so für Sie zu singen.“ Es ist genau das, wie ein später Abend in einem kleinen Jazzclub klingen sollte.

Jimmy Scott: The Source

Jimmy Scott sang in einem hohen Tenor-/Alto-Bereich (aufgrund des Kallmann-Syndroms, das verhinderte, dass seine Stimme reifte), der jeder Silbe jede Traurigkeit und Sehnsucht entlockte. Er begann seine Karriere in den 40er Jahren mit Lionel Hamptons Band, bevor er leider einen Vertrag bei Herman Lubinsky unterschrieb, der ihn unfair an einen lebenslangen Vertrag band und dazu führte, dass zwei Alben für andere Labels zurückgezogen wurden (Falling In Love Is Wonderful (1963) und The Source in 1970). Ein frustrierter Scott zog sich schließlich ganz aus der Musikbranche zurück, bevor er in den frühen 90er Jahren ein Comeback in seiner späten Karriere erlebte (Fire Walk With Me Soundtrack, jemand?). 2015 wieder auf Vinyl veröffentlicht, ist The Source auf der Torch-Song-Seite des Jazz, mit langsamen, abstrakten Orchestergitarren, die von Scott noch langsamer gemacht werden, der es liebte, Noten zurückzuhalten, als hinge sein Leben davon ab—seine fesselnde Stimme durchdringt Ihre Seele. Es gibt Gänsehautversionen von „On Broadway“, „Unchained Melody“, und „Sometimes I Feel Like A Motherless Child“, die Ihnen das Herz brechen werden. Begleitet von Musikern wie Ron Carter (Bass) und Junior Mance (Klavier) ist The Source ein unterschätztes Meisterwerk.

Mark Murphy: Midnight Mood

Wenn Sie die Augen schließen und sich vorstellen, wie ein hipper männlicher Jazzsänger klingen sollte, würde Ihr Verstand unweigerlich Mark Murphy hören. Der Mann strahlte Coolness aus und hatte das Talent, das zu untermauern. Als produktiver Künstler begann er seine Karriere in den späten 50ern, nahm Alben in den USA und Europa bis ins 21. Jahrhundert auf, die Pop-Standards, Swing, Blues, Bop, Vocalese und Poetrie Jazz abdeckten. Murphy nahm Midnight Mood (1968) Ende 67 in Deutschland mit einem Oktett auf, das von einer der großartigen internationalen Jazzbands, der Kenny Clarke/Francy Boland Big Band, gebildet wurde. Eröffnet a cappella mit dem Duke Ellington/Ben Webster Stück „Jump for Joy“, hat Murphy das Selbstbewusstsein, sich ohne Begleitung als hörenswert zu erklären, aber dann springt die Band ein und er wird scatsüchtig. Das Album entwickelt sich von der Leichtigkeit eines frühen Abends zu dunklerer, spätabendlicher „auf die Getränke starren“ Kost wie Murphys Originalnummer „Hopeless“ und seine tief empfundene Version von „I Get Along Without You Very Well.“ Midnight Mood ist ein Übergangsalbum für Murphy, während er sich von seinen traditionellen Crooner-Anfängen entfernt und mehr rhythmische Variationen etabliert, und einen ganz eigenen Stil entwickelt.

Dinah Washington: Dinah Jams

Wahrscheinlich heute mehr bekannt für ihre sanften Pop-/Jazz-Standards, wie auf ihrem klassischen What A Diff’rence A Day Makes! (1959), fühlte sich Dinah Washington wohl mit Jump, Blues, R&B, Pop und Jazz; ihre bluesigen Vocals passten zu jedem Stil, den sie wollte. Sanfter Jazz ist alles gut und schön, aber wenn Sie Washington hören möchten, die die Hitze bringt, ist Dinah Jams (1955) das Album für Sie. Aufgenommen im Sommer 1954, zeigt Dinah Jams, dass Washington vor einem Live-Publikum in Los Angeles mit einer fantastischen Gruppe von Musikern einschließlich Clifford Brown (Trompete), Clark Terry (Trompete) und Max Roach (Schlagzeug) auftritt. Es ist im Grunde eine locker organisierte Jam-Session eines Albums, das mit einer fast 10-minütigen Version von „Lover Come Back To Me“ eröffnet und dann durch eine glühende Medley von „Alone Together“, „Summertime“ und „Come Rain or Come Shine“ weitergeht. Das Highlight des Albums muss der Schluss sein, „You Go To My Head“, der als traditionelle Ballade beginnt, aber dann das Tempo beschleunigt und in einen erweiterten instrumentalen Abschnitt übergeht, bevor Washington zurückkommt, um das Ende mitzuschreien. Pur Feuer.

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman

Es ist schwer vorstellbar, John Coltrane als unterstützenden Begleiter eines Sängers zu sehen, und das liegt daran, dass es wirklich nur ein Album gibt, auf dem er mit einem zusammenarbeitete, John Coltrane and Johnny Hartman (1963). Coltrane kam von einigen schlechten Kritiken für seine Experimentierfreudigkeit im modalen und freien Jazz und es wurde ihm geraten, mit einem Sänger aufzunehmen. Johnny Hartman war ein zu Unrecht unterschätzter Balladensänger, der in den Bands von Earl Hines und Dizzy Gillespie gesungen hatte und kroonte, als wäre seine Stimme aus reichem, tiefem Butter gemacht, aber als Solo-Künstler nie ganz in den Mainstream durchdrang. Hartmans sanfter Bariton, ein gedämpfter Bass (Jimmy Garrison), zart gespieltes Schlagzeug (Elvin Jones), einfühlsames Klavier (McCoy Tyner) und zurückhaltendes Tenorsaxophon von Coltrane nehmen uns mit auf eine Reise vom anfänglichen Funken der Liebe und Hingabe („They Say It’s Wonderful“ und „My One and Only Love“) über Desillusionierung („Lush Life“) bis hin zu nostalgischen Erinnerungen (“Autumn Serenade”). Eine Verbindung von zwei Meistern, Coltrane ist erstaunlich in seiner Fähigkeit, dieselben sehnsüchtigen Sentiments mit seinem Saxophon so auszudrücken, wie Hartman es mühelos mit Texten kann.

Anita O’Day: Anita Sings the Most

Wenn jemand nach mutigen Jazzsängern fragt, denke ich nur an Anita O’Day. Eine große Persönlichkeit und Scat-Expertin, O’Day definierte das Bild von dem, was ein weiblicher Jazzsänger sein sollte, neu. In der Bigband-Ära buckte sie den Trend zu Abendkleidern und trug Jacken und Röcke. Sie tanzte, improvisierte und forderte die Musiker heraus, mit ihr mitzuhalten, anstatt nur dazustehen und an der Melodie festzuhalten. Ihr Widerstand gegen Konformität und ihre Sucht bedeuteten, dass sie nicht als Popstar durchdrang, aber die Jazzwelt nahm sie in den 50er und 60er Jahren auf. Anita Sings the Most (auch bekannt als Anita Sings for Oscar) ist ein frühes Verve-Album, das 1957 veröffentlicht wurde und eines ihrer besten ist. Unterstützt von dem Oscar Peterson Quartett, swingt O’Days rauchige Stimme zwischen schnellen Nummern und meisterhafter Ballade. Peterson am Klavier ist ein Wirbelwind bei der Eröffnung „’S Wonderful / They Can't Take That Away From Me“, insbesondere bei „Them There Eyes“, aber O’Day hält mit ihrem einfachen Scat-Stil mutig mit. O’Day hat vielleicht gelernt, wie man sich in der Bigband durchsetzt, aber ihre Phrasierung glänzt wirklich, wenn sie von kleinen Jazz-Combos unterstützt wird.