Als Sideman von McCoy Tyner in den mittleren 1970er Jahren zog dieser Saxophonist regelmäßig Vergleiche mit seinem Vorgänger Sonny Fortune und dem verstorbenen John Coltrane nach sich. Sein eigenes Bridge Into The New Age von 1974 für Prestige setzte die Tradition des Letzteren in hervorragender Form fort und bleibt eine respektierte Aufnahme ihrer Zeit. Doch bis zum Ende des Jahrzehnts hatte Azar Lawrence wie viele seiner Kollegen in Funk und Disco gewechselt und spielte auf Platten von Le Pamplemousse und seiner eigenen kurzlebigen Band Chameleon. Sein Comeback in die Jazzwelt auf dieser Seite des Jahrtausends war eine Hommage an Trane, etwas, das bis 2016 mit Frontiers mit Al McLean fortgesetzt wurde. So behält sein neuestes Werk Elementals das spirituelle Idiom des Jazz im Vordergrund, obwohl es kaum als retro angesehen werden kann. Begleitet von einem Quartett, zu dem auch der Boogie-Sitzungsprofi aus den 80ern Munyungo Jackson und der Schlagzeuger Marvin Smith aus der Leno-Ära von The Tonight Show gehören, erkundet Lawrence östliche Wege in „Solar Winds“ und „African Chant“, bevor er für „Koko“ in die USA zurückkehrt. Eine treue Hommage an Coltranes Interpretation des Standards von 1962, „It’s Easy To Remember“, gleitet mit Klasse und Anmut dahin.

Mit allem Respekt gegenüber Oktetten, Nonetten und sämtlichen ambitionierten Big Bands gibt es etwas äußerst Befriedigendes im Erleben eines hochqualitativen Trios in Aktion. Sicher, die Unannehmlichkeit, eine Armada von Musikern für selbst das dienstbarste Konzert zusammenzustellen, kann sowohl bei den Gealterten als auch naiven Staunen hervorrufen. Aber wenn ein Trio auf höchstem Niveau spielt, wie es Theo Hills Gruppe hier offensichtlich tut, sollte man aufpassen. Ein vertrautes Gesicht in der New Yorker Szene, der Pianist bringt in den verschiedenen Etablissements der Stadt die Arbeit. Begleitet von dem Bassisten Rashaan Carter und dem Schlagzeuger Rudy Royston bewegt er sich geschmeidig durch eine Reihe von Originalen und Coverversionen, die mit Kunstfertigkeit voller Leben sind. Er ehrt Jaki Byard mit der unermüdlichen Interpretation von „Cyclic Episode“ und kanalisiert Jan Hammer vor Miami Vice mit einem Fusion-Flair für „Thorn Of A White Rose“. An anderer Stelle geht Hill für „Retrograde“ elektrisch, eine freifließende Feier, die durch die Rhythmusgruppe verstärkt wird und mit einem Titel, der auf eine Improvisationstechnik anspielt, aufwartet.

Während eines kürzlichen, einmonatigen Aufenthalts im West Village-Haus, das den Namen seines Plattenlabels trägt, präsentierte Robert Glasper einen ziemlich umfassenden Überblick über seine Bandbreite. Von kompakten Trio-Setups bis hin zu festen Abenden, die Miles Davis und Mulgrew Miller feierten, wechselte der Bandleader alle paar Tage zwischen den Modi, als ob er Stärke demonstrieren würde. Zum Ende der Reihe brachte der Pianist die großen Geschütze heraus, R+R=NOW. Eine Küsten-zu-Küsten-Kollaboration mit so modernen Giganten wie Terrace Martin und Christian Scott aTunde Adjuah, diese Ansammlung von Meistern, die jeder für sich und regelmäßig die Spitze selbst übernehmen könnten. Gemeinsam feiern Collagically Speaking die aggregierte Stärke der Gruppe. Glasper bedient die Tasten und spielt bei „Change Of Tone“, während Brainfeeder-Alumnus Taylor McFerrin — Sohn der Gesangsl legendären Bobby McFerrin — und Martin die Synthesizer-Aufgaben bei den meisten Stücken teilen, was kosmische Freude wie „By Design“ hervorbringt. Selbst bei so viel Raum, das von diesen drei eingenommen wird, leistet die Rhythmusgruppe von Derrick Hodge und Justin Tyson weit mehr als nur den Takt zu halten. Und Scott macht natürlich sein Ding auf der Trompete und knallt besonders bei „The Night In Question“ drauf los.

Eine Solo-Bassperformance erhellt nicht einen Club auf die gleiche Weise, wie es beispielsweise ein Pianist in einer Ecke könnte. Trotz ihrer inhärenten Tiefe existiert die instrumentelle Erfahrung meist als raffinierte Stütze, bewundert für ihre unverständliche Robustheit und Flexibilität. Obwohl der Kontra-Bass in den Händen des Veteranen Barre Phillips nicht geliebt wird für seine einsamen Eigenschaften, wird er dennoch zu einem Objekt der verfeinerten Bewunderung. Präsentiert als drei benannte Stücke, die jeweils in Viertel und Fünftel aufgeteilt sind, demonstriert End To End Jahrzehnte von Treue und pflichtbewusster Industrie, ein dramatischer Abschluss eines Werks, das mit 1968s Journal Violone offiziell begonnen wurde. Was die verstörend fesselnden Abschnitte jeder Anzahl auszeichnet, ist mehr auf Phillips' Entscheidungen zurückzuführen als auf alles, was für Außenstehende offensichtlich ist. Dem hypothetischen Kuriositäten ihrer Umgebung folgend fühlen sich die Zwillinge „Inner Door, Pt. 4“ und „Quest, Pt. 4“ wie eine notwendige Stütze an, wiederholende Phrasen bieten Halt und Spannung. In den Ruhephasen wird sein Atmen als ein ambientes Element in dem etherealsten Sinne des Wortes präsent.

Chicago beherbergt derzeit eine der klanglich vielfältigsten Hip-Hop-Szenen des Landes, mit sensiblen Straßenpoeten und atrap-podestartigen Schrecken, die sowohl in ihren Gemeinschaften als auch darüber hinaus Aufmerksamkeit fordern und beanspruchen. Unter denen, die in ersterem gedeihen, folgt Noname auf das kritische gelobte Mixtape Telefone von 2016 mit einem weiteren Chapbook, das einem Beat folgt. Mehr Q-Tip als Ken Nordine, vermischt ihr Word Jazz persönliche Erzählungen mit eindringlichen Beobachtungen, ihr einfühlsamer Blick oft auf den eigenen Hinterhof gerichtet. „Blaxploitation“ legt die Heuchelei ihrer Stadt offen, nennt South Side und Wicker, bevor sie ihre Anklage auf nationaler Ebene verbreitert. Sie dringt in die Feinheiten der Sexualität von zwanzigjährigen ein auf dem Titeltrack und bietet eine scharfsinnige Perspektive auf das Geben und Nehmen in zwischenmenschlichen Beziehungen. Sich mit Sterblichkeit und geringem Ruhm auf „Don’t Forget About Me“ auseinandersetzend und ein halb-sekulares Credo zu „Regal“ rezitierend, zwingt sie die Zuhörer zum Mitdenken, während die Instrumentation sie festhält. Was Noname und Co-Produzent Phoelix hier musikalisch erreicht haben, übersteigt das Temperament der Neo-Soul-Vorlage und ergibt etwas, das besonders attuned an die gemeinsamen Sensibilitäten von erfahrenen Jazz-Liebhabern und lyrischen Rap-Fans ist.

Von Kendrick Lamars To Pimp A Butterfly bis zu den im Orbit befindlichen Brainfeeder-Alben kann der Einfluss der West Coast Get Down auf den zeitgenössischen Jazz nicht überbewertet werden. Kamasi Washingtons Dreifach-Disc-Trumpf The Epic hat nicht nur ihn und seine Gruppe herausragender Instrumentalisten zu einigen der heißesten Namen des Genres in diesem Jahrzehnt gemacht, sondern auch das Gespräch über diese Musik von der Vergangenheitsform in die Gegenwartsform radikal verschoben. Nach ein paar Jahren, in denen er um den Globus in der seismischen Nachwirkung des expansiven Albums tourte, hielt sein großer Rückkehr in diesem Sommer die gleiche Energie aufrecht. Ein Doppelalbum mit einer clever im Verpackung versteckten dritten Platte, Heaven And Earth erfüllt den Maximalismus, auf den im Titel angespielt wird. Inspiriert sowohl von das Kosmische als auch von das Klassische erweitert seine neueste Sammlung das Universum seiner Schöpfung. Die Unverschämtheit, mit einem Cover des Bruce-Lee-Themenlieds „Fists Of Fury“ zu beginnen, verbirgt den echten cineastischen Umfang dieser Aufnahmen, der in voluminösen Stücken wie „One Of One“ und „Vi Lua Vi Sol“ sichtbar wird. Chöre oohen und aaahen, während orchestrale Pracht weiter Pomp zur aufwendigen Abschlusszeremonie von „Will You Sing“ hinzufügt.

Im schmerzerfüllten Eröffnungsstück „Vibrations“ scheint etwas Teuflisches im Spiel zu sein. Diese Zusammenstellung unwahrscheinlicher Verbündeter überbrückt den existenziellen Abstand zwischen Krautrock und Hip-Hop durch die Linse des Free Jazz. Wenn der Beat in „Cyclical / Physical“ einsetzt, wird die Ausdehnung dieses Etwas deutlich, MC Dälek droppt poetische und tiefgründige Zeilen über einen akribischen, metallischen Sturm. Der Saxophonist Mats Gustafsson, den sich Noise-Fans vielleicht von einem überwältigenden 2005er Roskilde-Auftritt zusammen mit Sonic Youth und Merzbow erinnern können, macht sich auf dem folgenden gleichnamigen Track deutlicher bemerkbar, während er allmählich gegen den Kopf des Rappers ankämpft, der sich im Rhythmus der Mitstreiter von Fire! Schlagzeuger Andreas Werliin bewegt. Irgendwie orchestriert von Faust-Mitbegründer Hans Joachim Irmler ist Anguish das überraschendste Jazz-Hybrid der Jahres und, retrospektiv betrachtet, das effektivste. Während Hard Rock und Indie-Rap diesen Tanz bereits zuvor getanzt haben, bringt dieses waghalsige Vorhaben schelmische Ergebnisse, da jeder Beitrag kompromisslos repräsentiert ist. Däleks von New Jersey geprägte Stimme und Gustafssons überirdisches Spiel beherrschen oft, aber selbst reflektierende instrumentale Stücke wie „Brushes For Leah“ bieten keine Ruhe vor der existenziellen Angst, die bei dieser Angelegenheit einhergeht, ein Genre-Thriller, geboren aus gebrochenen Genres.

Ein Kraftzentrum über verschiedene Musikstile hinweg hat Houston immer wieder als Hochburg für Jazz-Talente dienlich gemacht. In der Tradition zeitgenössischer Spieler wie Chris Dave und Robert Glasper bringt die Stadt wieder einen Pianisten hervor: James Francies. Ein Zugewanderter aus New York mit Verbindungen zu The Roots und Chance The Rapper leitet sein erstes vollständiges Set im zarten Alter von 23 Jahren. Abgesehen von der jugendlichen Energie, die in seinen 11 Stücken deutlich wird, zeigt Flight Skills jenseits der Jahre über die rund einstündige Dauer, vielleicht teilweise aufgrund der Beteiligung des Produzenten Derrick Hodge. Mit Einflüssen von Hip-Hop und R&B, die gut von einer Crew, die teilweise aus Mit-Houstonians zusammengesetzt ist, umgesetzt werden, wird etwas explizit in der Mitte des hektischen „Crib“ formuliert, Francies' Debüt vereint akustische und elektronische Elemente und bleibt dabei durch und durch modern. Die fast psychedelische Ruhe von „Dark Purple“ steht im Kontrast zur aufregend hügeligen Fahrt von „Sway“, obwohl beide Stücke dem Gesamtaesthetic des Albums entsprechen. Eine einzige Coverversion, „Ain’t Nobody“, manifestiert sich flüssiger als Chaka Khans brillantes, aber datiertes Elektro-Original.

Der Kabarett kann manchmal sich selbst sabotieren, seine Intimität ist voller kleiner Stolpersteine und Mängel. In solchen Räumen lässt ein Sänger und ein Pianist allein wenig Platz für Fehler, kaum eine Nische oder Ecke, um Mängel zu verbergen. Gleichzeitig verleiht das Potenzial für Ehrlichkeit den Vorgängen eine Aufregung, die ein Niveau imperfekter Exzellenz präsentiert, nach dem man streben sollte. Und da wir über Cécile McLorin Salvant und Sullivan Fortner sprechen, zwei absolute Juwelen im urbanen Rough, tritt das letztgenannte Szenario in Kraft. Auf The Window, ihrem warmen Duodate, festigt die Gewinnerin des 2010 Thelonious Monk International Jazz Competition ihren Status als die beste Vokal-Jazz-Interpretin ihrer Generation. Unauslöschliche Standards und Showmelodien wie Stephen Sondheims „Somewhere“ vermischen sich mit francophonen Favoriten und Broadway-Kuriositäten. In dieser dritten Kategorie bringt „The Gentleman Is A Dope“ vor der Schwere von Ella Fitzgeralds „Trouble Is A Man“ witzige Erleichterung. Ob idiosynkratisch oder erwartet, ihre Auswahl erwacht mit verheerender Schönheit, Wilder und Zerbrechlichkeit zum Leben. Die Handvoll, die vor einem applaudierenden Publikum aufgenommen wurde, knistert ebenso wie die ohne.

Der junge, in Minneapolis geborene und dritte Generation Jazzmusiker beginnt sein Album nicht unähnlich einem Beat Tape, sein „River Song“ klingt wie der beste Dilla. Aber die allmähliche Entstehung des Tracks als tiefer kosmischer Soul, gehoben von dem ehemaligen Chance The Rapper-Sänger J Hoard, fängt perfekt Javier Santiago’s kompositorisches Brillanz am Klavier und den Tasten ein. Genau wie das mythische Wesen seines titelgebenden Ursprungs, erhebt sich Phoenix mit feuriger Macht, das leuchtende, rote Produkt eines studierenden Praktizierenden. Ein überaus ausdrucksvolles Stück, das etwa so lange dauert wie die meisten Adult Swim-Shows, vibriert der Titeltrack auf höherer Frequenz, das Fender Rhodes ist eine zustandslose Freude für Windcontroller und Saxophon, um weiter zu beleben. Die anfängliche Kostbarkeit von „Gaia’s Warning“ glättet sich bald und lässt sich luxuriös treiben, während „Abyss: Light“ seine Dringlichkeit zwischen Sprüngen und Sprüngen betont. Leftfield-Hip-Hop offenbart sich erneut zwischen den verrückten perkussiven Streichen von „Tomorrow“, ein Zeugnis seiner Zeit als engagierter Beatsmith. Mit dem Albumabschluss der berauschenden und heilsamen Ausfahrt „Alive“ wird deutlich, dass wir es mit jemandem zu tun haben, der zum Ruhm fähig ist.