Die 10 besten Rolling Stones Alben, die man auf Vinyl besitzen sollte

  

England’s Newest Hit Makers (1964)

Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman und Charlie Watts traten mit ihrem amerikanischen Debütalbum von 1964, England’s Newest Hit Makers (in Großbritannien als The Rolling Stones bekannt), auf die Bühne. Das Album besteht größtenteils aus Coverversionen und beginnt mit dem Eröffnungstrack „Not Fade Away“, einem Cover von Buddy Holly, das sehr an Bo Diddley erinnert, der ein früher Held der Band war. Dieses eine Lied fasst die Stones ziemlich gut zusammen; mit der Steigerung des Bo Diddley Beats auf diesem Cover erkennen sie scharfsinnig an, dass sie eine Gruppe von weißen Jugendlichen sind, die schwarze Musik nachahmen, und auf dem Rest des Albums beweisen sie ihre Aufrichtigkeit, indem sie anderen Blues-, Rock- und R&B-Helden wie Willie Dixon („I Just Want To Make Love To You“), Muddy Waters („I’m a King Bee“), Chuck Berry („Carol“) und Rufus Thomas („Walking the Dog“) Tribut zollen. Jagger und Richards hatten sich zu diesem Zeitpunkt noch nicht als starkes Songwriting-Team etabliert (nur drei der zwölf Tracks sind Eigenkompositionen), aber „Tell Me“ ist ein Pop-Rock-Höhepunkt. Die ungeschliffene rohe Energie des Albums sowie ihr einzigartiges Bad-Boy-Image gewannen die Fans und waren der Beginn einer langen (LANGE) Musikkarriere.

  

Aftermath (1966)

Sie können mit der UK- oder US-Version von 1966's Aftermath nichts falsch machen, da dieses Album mit beiden Tracklisten begeistert. Aber der Kürze halber werde ich nur über die US-Version sprechen. Vollständig in Hollywood aufgenommen, ist Aftermath die voll ausgeformten Stones. Nicht mehr auf Coverversionen angewiesen, die ihre Songs umrahmen, sind Mick und Keith ein selbstbewusstes Songwriting-Team und füllen zum ersten Mal ein ganzes Album mit ihren Eigenkompositionen. Ihr Fokus auf Arrangements sowie Brians Experimente mit Instrumenten wie Sitar, Marimba und Dulzian verleihen der Musik größere Komplexität. Blues- und frühe Rockeinflüsse sind weiterhin vorhanden, aber es gibt auch Pop und alles andere, was in den 60er Jahren passierte. „Paint It Black“ eröffnet das Album mit dem vertrauten Riff auf der Sitar, gefolgt von einem druckvollen Lied über Depression und Isolation. Die Überlegenheit in einer Beziehung wird auf „Under My Thumb“ gefeiert, das die ganze Zeit über Marimba enthält und ihm eine psychedelische Note verleiht. Die Dulzian wird im englischen Folk von „Lady Jane“ und im zarten Popsong „I’m Waiting“ verwendet. Diese Vielseitigkeit bedeutete, dass die Stones nicht mehr nur eine Blues-Rock-Band waren, sondern eine Kraft in der Popmusik.

  

Beggars Banquet (1968)

Nachdem sie die letzten Jahre mit barocker Pop- und Psychadelia geflirtet hatten, wurde Beggars Banquet als Rückkehr zu ihren Bluesrock-Wurzeln in einem späten Jahrzehnt gefeiert, das zivile Unruhen in den USA und die Morde an MLK und Kennedy erlebt hatte. Mit der zunehmenden Instabilität des Gründungsmitglieds Brian Jones übernahm Keith das Ruder und integrierte einen härteren Klang, der zu ihrem bevorzugten Original-Cover-Art eines schmutzigen Badezimmermauerbildes passt. Der Album-Eröffnungstrack „Sympathy for the Devil“, mit seinen aufregenden Congas und provokanten Texten (hey, ein Rock’n’Roll-Lied, das wirklich vom Teufel handelt), setzt einen aggressiven Ton, gefolgt von akustischem Blues („No Expectations“) und Bluegrass („Dear Doctor“). Aber wenn Sie glauben, dass Sie aus diesem Album herauskommen, ohne Rockmusik zu hören, denken Sie noch einmal nach, denn „Jigsaw Puzzle“ und das politische Lied „Street Fighting Man“ werden Sie mit Texten wie „hey, ich denke, es ist an der Zeit für eine Palastrevolution/aber wo ich lebe, ist das Spiel, das zu spielen ist, eine Kompromisslösung“ umhauen. Beggars Banquet begann eine vier-Alben-Runde, die die meisten Fans als das goldene Zeitalter der Band bezeichnen, in dem sie Anspruch auf den Titel „größte Rock’n’Roll-Band“ erhoben.

  

Let It Bleed (1969)

Veröffentlicht Ende 1969, sah Let It Bleed die Stones, die ein Jahrzehnt abschlossen, in dem Swinging London und der Sommer der Liebe nun eine ferne Erinnerung waren und der Vietnam-Krieg im Fernsehen zu sehen war. Das Album setzt fort, was sie mit Beggars Banquet begonnen haben, und triefend vor Sex und Blut. Rock’n’Roll-Schwung kombiniert sich mit Country-Blues in Geschichten, die schmutzig und dunkel sind. Der unheimliche Album-Eröffnungstrack „Gimme Shelter“ stellt sich eine Welt vor, die sich zuschnürt und in einen der größten Rocksongs aller Zeiten (Merry Claytons Gesang darauf ist den Preis allein wert) übergeht, dann geht es weiter mit einem Abschied von einer Liebe im brillanten Cover von Robert Johnson „Love in Vain“. Dann trinken sie sich durch Bars („Country Honk“) und machen anspielende Andeutungen in „Live With Me“ und „Let It Bleed“. „Midnight Rambler“ droht mit bevorstehender Gewalt (diese Tempoerhöhungen erhöhen die Spannung) und der epische Album-Schlusstrack „You Can’t Always Get What You Want“ handelt davon, sich darauf einzustellen, weiter gegen die Schläge des Lebens zu kämpfen, beginnend in einer ernsten Stimmung, dann entwickelt sich zu einer ausgelassenen Party der Art von frenetischem Optimismus, die nur die erleben können, die wirklich nicht wissen, was als nächstes kommt.

  

Get Yer Ya-Ya’s Out! (1970)

Get Yer Ya-Ya’s Out! ist ein Live-Album, das Ende 1969 während ihrer amerikanischen Tour aufgenommen wurde, bei dem die Songs hauptsächlich aus Beggars Banquet und Let It Bleed stammen und ein großartiges Live-Dokument der Rolling Stones in ihrer besten Zeit (und einen Monat vor der Tragödie von Altamont) bietet. Diese Tour markierte auch die Addition des Gitarristen Mick Taylor zur Besetzung, der earlier in diesem Jahr während der Let It Bleed-Sessions den verstorbenen Brian Jones ersetzt hatte. Mit den meisten der zehn Tracks, die über zwei Nächte in den Madison Square Gardens aufgenommen wurden, ist die Darbietung eng, mit Mick Jagger’s glühendem Gesang, der klar mit dem puren Feuer des Gitarrenspiels auf diesem Album harmoniert. Keith Richards und Taylor bringen es einfach mit bemerkenswerten Höhepunkten wie „Sympathy for the Devil“ und „Street Fighting Man“. Die epische Version von „Midnight Rambler“ ist so gut, dass sie auf der Hot Rocks Compilation gelandet ist. Es mag begehrtere Live-Bootlegs aus dieser Zeit geben, aber was offizielle Live-Alben angeht, ist dies eines der besten überhaupt.

  

Sticky Fingers (1971)

Erleichtert, von ihrem Vertrag mit Decca/London befreit zu sein, gründete die Band ihr eigenes Label, Rolling Stones Records, und das berühmte „Zungen- und Lippen“-Logo, und sie starteten das Jahrzehnt mit Sticky Fingers, dessen Stücke von bluesy-Country-Rock und echtem Blues bis hin zu lateinischen Einflüssen und Soul reichen und weiter ihren Ruf für direkte Lieder über Sex und Drogen aufbauen (schauen Sie sich dieses Andy Warhol Cover-Art an!). Die laszive „Brown Sugar“ eröffnet das Album mit Texten über Sklaverei und Sex und wenn es nicht so hart rocken würde, bezweifle ich, dass wir es heute noch im Radio hören würden. Der unterschätzte Rocker „Sway“ hat ein episches Outro-Gitarrensolo von Mick Taylor. Ein weiteres Highlight des Albums ist „Can’t You Hear Me Knocking“, das ein richtiger Jam ist, der in traumhaften Saxophon- und Gitarrensoli und lateinischen Rhythmen gipfelt. Hinter dem Selbstbewusstsein steckt ernsthafte Mühe bei ihrem Handwerk mit dem Blues-Cover von „You Gotta Move“, dem souligen „I Got The Blues“ und den bekannten Balladen „Wild Horses“ (ein Country-Rock-Meisterwerk) und „Moonlight Mile“. Letzteres ist ein Klassiker darüber, müde von all dem Ruhm zu sein (oder vom Kokainrausch herunterzukommen, suchen Sie sich aus), in dem Jagger auf seine Posen verzichtet zugunsten von Texten, die schmerzhafter und aufschlussreicher sind.

  

Exile on Main St. (1972)

Exile on Main St. ist ein weitläufiges Doppel-LP, das rockige Rocker, Country-Rock und sonnenverwöhnte Gospel-Musik präsentiert und das letzte der goldenen Alben der Stones markiert. Lebend als Steuerflüchtlinge in Frankreich geht die Geschichte, dass der Großteil der Aufnahme in der Kellerräumlichkeit von Keiths gemieteter Villa in der zweiten Hälfte von 1971 stattfand, wo Alkohol und Drogen frei flossen. Micks frisch verheirateter Status bedeutete, dass er nicht oft anwesend war, sodass Keiths Hingabe zu amerikanischer Roots-Musik das Album stark beeinflusste, insbesondere bei Songs wie „Shake Your Hips“, „Sweet Virginia“, „Casino Boogie“, „Tumbling Dice“ und „Happy“, bei denen Keith die Hauptstimme übernimmt. Die Aufnahme ging in Los Angeles weiter, wo Mick seine Handschrift in die Arrangements einbrachte, Overdubs und Gospel-Einflüsse hinzufügte. „Tumbling Dice“, die einzige Single aus dem Album, die in die Top 10 kam, profitiert von den zusätzlichen Bearbeitungen; über einen umherirrenden Spieler, lässt es einen alle Fenster herunterrollen und einen Umweg auf einer Landstraße machen. Aber es geht nicht wirklich um Hits mit Exile. Die Wirkung wird am besten wahrgenommen, wenn man es als Ganzes hört, wobei die Texte sekundär zum Gesamteindruck von primärem Bedürfnis, Rock’n’Roll-Exzess und der Spannung einer Band, die kurz davor steht, auseinanderzufallen, werden. Das kürzlich erschienene halbschnelle Remaster von 2016 ist annehmbar, aber eine qualitativ hochwertige Pressung aus den frühen 70ern wird bevorzugt.

  

Goats Head Soup (1973)

Aufgrund verschiedener drogenbezogener rechtlicher Probleme ging die Band für die Aufnahme-Sitzungen von Goats Head Soup nach Jamaika. Die Stones kommen von den Drogenexzessen von Exile on Main St. und springen in einen glanzvollen Studio-Modus, indem sie Glam- und Funk-Elemente integrieren, wie bei „Dancing with Mr. D“ und „100 Years Ago.“ Es ist auch balladenschwerer mit Mick und Keith in einem Duett bei „Coming Down Again“, das von dem Stehlen eines Freundes Mädchens handelt und dann lässt Mick ein Mädchen sanft auf „Angie.“ Aber „Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)“ und das schlüpfrige „Star Star“ grinsen genug, um Sie daran zu erinnern, dass dies immer noch die Rolling Stones sind und niemand die dunkle Seite der menschlichen Natur besser erkundet. Ganz anders als Exile, erhielt das Album bei seiner ursprünglichen Veröffentlichung gemischte Kritiken, obwohl es eine Hit-Single mit „Angie“ hervorbrachte, sodass es nicht in das viel verehrte goldene Zeitalter fällt, aber die kritische Wertschätzung hat sich im Laufe der Zeit verbessert. Es gibt auch Anzeichen dafür, dass die aktuellen Vinylliebhaber die qualitativ hochwertige Arbeit des Albums anerkennen. Laut diesem Artikel war es letztes Jahr eine der drei beliebtesten Vinylplatten, die in mehreren Bundesstaaten gekauft wurden.

  

Some Girls (1978)

Bis Ende der 70er Jahre waren die Stones von den Listen der Künstler, die man als am erfolgreichsten ansehen konnte, gestrichen worden. Keith war weiterhin in rechtlichen Problemen im Zusammenhang mit seinem Drogenkonsum verwickelt, während Mick mehr an dem Celebrity-Lifestyle als an den Verpflichtungen einer Rockband interessiert zu sein schien. Aber die Stones haben immer gewusst, wie sie zeitgenössische Musiktrends in ihren Sound einbauen können, um etwas Erkennbares relevant erscheinen zu lassen. Some Girls ist von Disco- und Punk-Einflüssen geprägt, wie bei ihrem letzten US-Nummer-eins-Hit „Miss You“, dem treibenden „Respectable“ und den zerbrochenen städtischen Träumen von „Shattered.“ Sie können es schmutzig machen mit „When The Whip Comes Down“, „Lies“ und dem Titeltrack (Achtung: sehr peinliche Texte über Frauen) und ein bisschen Country mit „Far Away Eyes.“ Richards wird persönlich in „Before They Make Me Run“, einem Kommentar zu seinen rechtlichen Problemen, und trägt einen ihrer besten Balladen „Beast of Burden“ bei, bei der Richards und Ronnie Wood mühelos Gitarrenlicks tauschen. Ein durchgehend solides Album, das sowohl ein kritischer als auch kommerzieller Erfolg war, setzte Some Girls sie ein letztes Mal an die Spitze, bevor sie schließlich den Boden gegenüber neueren und frischeren Acts in den 1980er Jahren verloren.

  

Blue and Lonesome (2016)

Wie es häufig im Alter passiert, beginnen Menschen, auf den Anfang zurückzublicken. Musikstile und Bandbesetzungen ändern sich, aber die Rolling Stones haben nie ihre Liebe zum Blues verborgen. Tatsächlich enthalten die meisten ihrer Alben ein Blues- oder frühes Rock-Cover. Das letzte Jahr Blue and Lonesome wurde über drei Tage aufgenommen und sieht die Stones, die diesen Einflüssen (und ihrer eigenen langjährigen Vorliebe für Covers) Tribut zollen, indem sie den Kreis schließen und ein ganzes Album davon machen. Der Schwerpunkt liegt größtenteils auf Chicago Blues, dem Stil, den die Band in ihren frühen 60er-Jahre Clubtagen spielte, es gibt auch ein wenig südlichen und Delta-Blues („Hoodoo Blues“ und „Everybody Knows About My Good Thing“). Das Album beginnt mit einer Version von Little Walter „Just Your Fool“, und die Hommagen halten mit Covers von Legenden wie Howlin‘ Wolf, Memphis Slim, Lightnin’ Slim, Willie Dixon und Otis Rush an. Am besten veranschaulicht durch ihre Version von „Ride ‘Em On Down“, die Eric Clapton an der Slide-Gitarre featuret, ist das Album eine unterhaltsame Fahrt mit einigen alternden Rockstars, die ihre Leidenschaft für den Blues neu entdecken und teilen, diesmal jedoch untermalt von der Weisheit, die sie durch Jahre von Fehlern und hartem Leben gewonnen haben. Immer noch voller Schwung und Selbstbewusstsein, machen es die Stones auf ihre Weise und interessiert sich nicht, was andere denken.