โคลแมน ฮอว์กินส์ เป็นสะพานของแจ๊สสู่ยุคใหม่

มันเป็นความสม่ำเสมอที่สามารถมองเห็นได้จริงในภายหลัง เนื่องจากความนิยมในช่วงเวลาเดียวกันของเขาได้ลดน้อยลงและเพิ่มขึ้น: แผ่นนี้ The Hawk Flies High ทำให้เกิดการกลับมาคืนชีพเมื่อออกวางจำหน่ายในปี 1957 ตอนที่ฮอว์กอายุ 52 ปี ขณะที่แนวเพลงแจ๊สย่อยมากมายเริ่มเกิดขึ้น ผู้ที่ชื่นชอบแนวเพลงที่หลงใหลในความคิดถึงเริ่มตระหนักถึงประวัติศาสตร์ดนตรีที่มีความหลากหลาย ซึ่งฮอว์กเป็นศูนย์กลางของมันโดยธรรมชาติ ชายหนุ่มจากมิสซูรีมักได้รับเครดิตในการสร้างซอปฟอว์นเทเนอร์ให้เป็นเครื่องดนตรีแจ๊ส แต่เขาก็เล่นดนตรีในช่วงเวลาที่แจ๊สถูกเรียกว่า “jass” ร่วมกับนักร้องบลูส์อย่าง Ethel Waters, Mamie และ Bessie Smith

จากประวัติการทำงานที่ยาวนานของเขา คุณคงไม่สามารถหา “ศิลปินแนวดั้งเดิม” ที่ดีกว่าฮอว์กินส์ได้เลย แต่เขาได้ต่อต้านการบูชาของคนที่คิดว่าตนเองเป็นผู้อนุรักษ์ รับไม่ได้กับแนวคิดของดนตรีที่ถูกคิดขึ้นในช่วงสมัยที่วาดภาพในปี 20 และต้นปี 30 เขาเป็นที่รู้จักมากกว่าที่จะเป็นนวัตกร แต่แผ่นนี้แสดงให้เห็นว่าฮอว์กเดินทางอย่างคล่องตัวในโลกแจ๊สหลังจากบีบอป โดยไม่เปลี่ยนแปลงสไตล์ของเขาแบบโดดเด่นและไม่ติดอยู่ในยุคที่เขาประสบความสำเร็จในครั้งแรกของเขา

แฟน ๆ หลายคนมักหิวหาความแตกต่างที่ชัดเจนมากกว่านี้ โดยเฉพาะเมื่อความนิยมที่เพิ่มขึ้นของร็อคและ R&B ถือว่าแจ๊สเข้าสู่พื้นที่ของผู้รู้ ซึ่งมีแนวโน้มที่จะมีความคิดเห็นที่เข้มแข็งเกี่ยวกับไม่เพียงแค่แผ่นเสียง แต่รวมถึงแนวเพลงโดยรวมด้วย “แซ็กซ์ที่ล้าสมัยก็ยังดี” ยอมรับว่าหมายเหตุในหัวข้อข่าวของ Washington Post ปี 1955 สำหรับบทความเกี่ยวกับการบันทึกของฮอว์กินส์ ซึ่งเริ่มถูกนำออกเผยแพร่บน LP ที่ใหม่เอี่ยมในขณะนั้น จากระยะไกล เบบอปดูเหมือนเป็นการเปลี่ยนแปลงที่ชัดเจนจากสวิงที่สามารถเต้นได้ซึ่งฮอว์กได้สร้างอาชีพที่มีชื่อเสียงของเขา ทั้งกับกลุ่มของตัวเองและร่วมกับผู้นำวงดนตรีที่สร้างสรรค์เช่น Fletcher Henderson และ Count Basie; ไม่มีใครโต้แย้งว่าฮอว์กินส์ไม่เก่งที่สุด แต่ในขณะเดียวกัน นักเล่นเทเนอร์รุ่นใหม่ที่มีเสียงโดดเด่นและค้นหามากขึ้นทำให้สถานที่ของเขาบนยอดเขาถูกคุกคาม

ฮอว์กินส์ไม่เห็นว่ามันเป็นการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงเช่นนี้ ซึ่งตรงกันข้ามช่วยอธิบายได้ว่าเขามีส่วนร่วมในการผลักดันในช่วงต้นที่จะมองดนตรีในมุมที่กว้างขึ้นและเร่งด่วนมากขึ้นในปี 1939 เขากลับสหรัฐอเมริกาหลังจากการท่องเที่ยวในยุโรปนานห้าปีและไม่พอใจกับสิ่งที่เขาเห็นและได้ยิน “เมื่อถึงเวลาที่ฉันกลับมา ฉันคิดว่านักดนตรีที่นี่จะพัฒนาไปไกลกว่านี้” เขากล่าวใน LP ปี 1956 A Documentary (The Life And Times Of A Great Jazzman, Newly Recorded In His Own Words). “แต่พวกเขาก็เหมือนเดิมเมื่อฉันจากไป และไม่มีอะไรเปลี่ยนแปลง ไม่มีอะไรดำเนินต่อไป”

ดังนั้นเขาจึงต้องการทำเองด้วยการจัดทำเพลงที่เขาเรียกว่าสร้างสรรค์อย่างไม่ตั้งใจ: การบันทึก “Body And Soul” ยาวสามนาที ซึ่งเป็นเพลงที่เขาไม่ค่อยชอบและส่วนใหญ่เล่นเมื่อเขาอยากจะออกจากเวที เขาบันทึกเพลงนี้ตามคำร้องขอของผู้ผลิตของเขา และผลลัพธ์ก็กลายมาเป็นลายเซ็นของเขา โดยทำให้เขาได้รับมงกุฎ “The Body and Soul of the Saxophone” ฮอว์กินส์เป็นที่รู้จักดีในฐานะนักเล่นบัลลาดในเวลานั้น แต่เพลงนี้แตกต่างออกไป — โซโลที่หนาและยาวของเขาหลีกหนีจากทำนองในลักษณะที่จะทำให้ผู้ฟังส่วนใหญ่ในเวลานั้นรู้สึกตกใจ

ถึงกระนั้นมันก็ได้รับความนิยมในฐานะซิงเกิล (แล้วในตอนนั้นก็ยังเป็นสิ่งที่แปลกใหม่สำหรับแทร็กแจ๊สอินสตรูเมนทัล) แม้ว่ามันจะเบี่ยงเบนขอบเขตของแจ๊สได้อย่างละเอียดอ่อน ฮอว์กพูดซ้ำๆ ว่านั่นคือวิธีที่เขาเล่นมาตลอด ซึ่งคือการเล่นที่ไม่เคยเหมือนกันสองครั้ง Variety ฉบับวันที่ 11 ตุลาคม 1939 — ซึ่งตีพิมพ์ในวันเดียวกันที่เขาบันทึกเพลงนี้ — รีวิวการแสดงชุดโดยวงดนตรีของเขาและได้กล่าวถึง “Body and Soul” โดยเฉพาะ โดยอธิบายว่าเขา “เล่นทำนองทีละท่อนและไม่มีสองท่อนไหนเหมือนกัน” รีวิวที่ไม่แน่นอนจาก Washington Post กล่าวว่า “โซโลของเขาครอบงำแผ่นเสียงจากเกือบทุกวลีแรกไปจนถึงวลีสุดท้าย และทุกวลีก็แปลกประหลาด” “มันก็เป็นแบบนั้นในตอนนั้น เพียงแค่นั้น” ฮอว์กสรุปอย่างไม่ประหม่าใน Documentary.

“เมื่อ 'Body And Soul' ออกมาครั้งแรก ทุกคนบอกว่าผมเล่นโน้ตผิด” ฮอว์กกล่าวต่อ “มันเคยทำให้ผมขำ — ผมไม่เข้าใจเลย” เขาจบการประสบความสำเร็จในที่สุด โดยเตรียมเวทีในแบบของเขาให้กับนักเล่นบีบอปที่กำลังจะมาถึง “Body and Soul” เป็นเพียงจุดเริ่มต้นเมื่อเขานำผู้คนอย่าง Dizzy Gillespie, Don Byas และ Thelonious Monk เข้ามาในสตูดิโอสำหรับการบันทึกประวัติศาสตร์ช่วงต้น ๆ ของพวกเขา โดยพิสูจน์ให้เห็นโดยไม่ต้องโอ้อวดว่าเขามีความสนใจ และเขาหลุดพ้นจากอดีต — แม้ว่าเขาอาจจะไม่มีวันได้รับการยอมรับว่าเป็นตัวแทนของบีบอปอย่างเต็มที่

สำหรับเขามันทั้งหมดเป็นสื่อเดียวกัน เพียงแต่เป็นการเปลี่ยนแปลงที่แตกต่างกันในธีมแจ๊สที่เคลื่อนไหว “มันไม่ใช่เรื่องยากเกินไปที่จะเล่น — โน้ตผิดสองสามครั้งและคุณก็ทำได้” เขากล่าวเกี่ยวกับ “แจ๊สสมัยใหม่” ในการบันทึกเดียวกันในปี 1956 “วันนี้คุณสามารถเพิ่มโน้ตอีกเล็กน้อยได้ เนื่องจากหูที่รับฟัง”

ฮอว์กินส์ไม่เพิ่มโน้ต “ผิด” มากนักใน The Hawk Flies High — การลงผลงานเดียวของเขาผลิตโดย Orrin Keepnews ที่มีชื่อเสียงสำหรับ Riverside — แต่เขาได้สร้างอัลบั้มในลักษณะที่สะท้อนถึงความอ่อนไหวของเขาต่อสถานที่ของเขาในบรรดาผลงานในขณะที่เคารพรุ่นต่อไป นักทรัมโบน J.J. Johnson, นักทรัมเป็ต Idrees Sulieman, นักเปียโน Hank Jones, และนักเบส Oscar Pettiford ต่างก็อายุน้อยกว่าหนึ่งถึงสองทศวรรษ และอยู่ในโรงเรียนบอปอย่างแข็งขัน; นักกีต้าร์ Barry Galbraith และนักกลอง Jo Jones ได้ใช้เวลาหลายปีกับวงดนตรีขับสวิง

พวกเขารวมความเชี่ยวชาญของพวกเขาไว้สำหรับการออกกำลังกายง่ายๆ ในฮาร์ดบอป; มีน้อยมากในความเร่งด่วนที่ตื่นเต้นของบีบอป แต่กลุ่มนักแสดงสายอัลลสตาร์นี้ก็ยังยืดเวลานอกกลุ่มมือที่เล็กกว่า ซึ่งฮอว์กเป็นที่รู้จัก อัลบั้มนี้มีจังหวะที่รู้สึกว่าเก่าแก่เพราะความมั่นคงที่คุ้นเคย แต่การเรียบเรียงมีความรู้สึกทันสมัย เบา — บางครั้งยังรู้สึกเหมือนการแสดงกลางคืนที่ฮอว์กไม่เคยหยุดไปเยือน แม้ว่าเขาจะกลายเป็นหนึ่งในผู้สูงอายุของแนวเพลงนี้ เทคโนโลยีพร้อมทำให้รู้สึกกรุ่น: คุณไม่สามารถยืดเพลงบลูส์ยาว 11 นาทีในแบบที่วงนี้ทำกับบทประพันธ์ “Juicy Fruit” ของ Sulieman ด้วยแผ่น 45 หรือ 78 สุดท้าย ขอบคุณ LP มีสื่อบันทึกที่เหมาะสมกับพรสวรรค์ในการสร้างสรรค์ของฮอว์ก

เพลงนี้เกือบจะเริ่มต้นได้แปลกไปเล็กน้อยด้วย Sulieman ที่ทำโน้ตเดียวนานเกือบหนึ่งนาที (หรือสองท่อน) โดยใช้การหายใจแบบวงกลม ผลักดันการแกว่งที่ไม่มีข้อจำกัดไปสู่สิ่งที่ท้าทายและนามธรรมมากขึ้น มันเป็นตัวอย่างที่น่าจดจำว่าผู้เล่นเริ่มพยายามยืดขอบเขตให้ไกลออกไปมากขึ้นด้วยการเล่นของพวกเขา ซึ่งฮอว์กเปิดพื้นที่นั้นแม้ว่าเขาจะไม่จำเป็นต้องทำด้วยตัวเอง แทนที่จะทำแบบนั้น เสียงที่หนาแน่นของเขาช่วยให้เขาหยิบยกเสียงที่มีจังหวะและมีเสมหะในเวลาที่ถูกต้อง — เรียกคืนเสียง R&B ของยุคสมัยนั้น

“Think Deep” เพลงแนวโนวาเขียนโดย William O. Smith นักประพันธ์เพลงที่แนะนำให้รวมแจ๊สและเพลงคลาสสิกเป็นชื่อที่ให้กับศิลปินที่บันทึกเพลงของเขา เป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของฮอว์กในอัลบั้มนี้ เขาเข้ากับบรรยากาศของเพลงประจำภาพยนตร์ด้วยทำนองที่เซ็กซี่และอ่อนโยน แต่ไม่ถอยกลับไปอยู่ในพื้นหลัง — แทนที่จะทำเช่นนั้น เขาใช้เวลาทั้งหมดของเพลงในการขุดลึกลงไปในความรู้สึกที่ลึกซึ้งยิ่งขึ้น ตามมาด้วยเพลงมาตรฐานอย่าง “Laura” ซึ่งเป็นเพลงบัลลาดที่หวานซึ่งฮอว์กทำได้ดีมาโดยตลอด มันอ่อนโยนแต่ไม่มีความรู้สึกซึ้งเกินไป ในขณะที่นักแซ็กโซโฟนแสดงให้เห็นถึงช่วงเสียงที่มีทักษะในลักษณะที่ดูเหมือนมีความจริงใจอย่างเต็มที่

“Chant” และ “Blue Lights” (ซึ่งเพลงแรกเขียนโดย Hank Jones และเพลงหลังโดย Gigi Gryce) เป็นเหมือนสองด้านของเหรียญเดียวกัน: เพลงแรกมีจังหวะที่สดใสและเร็วเนื่องจากสามารถสังเกตได้จากยุคบีบอป ในขณะที่เพลงหลังเป็นการขุดเข้าไปในจังหวะฟังก์ที่เริ่มโดดเด่นในฮาร์ดบอป สุดท้าย “Sancticity” — ผลงานของฮอว์กที่ใกล้เคียงกับ Count Basie โดยไม่ได้เป็น Count Basie — นำการสวิงกลุ่มเล็กกลับมาอีกครั้งพร้อมด้วยบรรยากาศที่ดูทันสมัยนิดหน่อย มันคือฮอว์กินส์เล่นในความสะดวกสบายของเขา ขณะที่เด็ก ๆ มีความยากลำบากในการบอกเล่าเรื่องราวที่น่าสนใจภายใต้กรอบความตรงไปตรงมาในเพลงนี้

โดยสรุป มันเป็นอัลบั้มที่สร้างโดยผู้ชายที่ไม่ควรมีอะไรต้องพิสูจน์ แต่เขาก็ทำ — เขาได้แสดงให้เห็นอย่างเฉียบแหลมว่าเขามีความเข้าใจในแนวเพลงตลอดเวลา โดยไม่ต้องทำตัวประเจิดประเจ้อมากเกินไป ฮอว์กเคยผ่านหลายระลอกของนวัตกรรมในแจ๊ส และเขาจะผ่านหลายระลอกโดยไม่เปลี่ยนแปลงสไตล์ของเขาอย่างจริงจัง เขาบันทึกกับ Thelonious ใน Monk’s Music เพียงไม่กี่เดือนหลังจากการบันทึกครั้งนี้ และในที่สุดกับ Max Roach และ Abbey Lincoln ใน We Insist! โดยปรับเสียงของเขาเล็กน้อยเพื่อให้เข้ากับสถานการณ์

ผู้คนเพียงไม่กี่คนได้เห็นสิ่งที่กลายเป็นประวัติศาสตร์ของแจ๊สถึงเวลานั้นมากเท่ากับ Coleman Hawkins; น้อยคนยิ่งไปกว่านั้นที่มีชีวิตอยู่ในทุกแง่มุมและยืนยง และอัลบั้มนี้พิสูจน์ให้เห็นว่า ฮอว์กยังมีชีวิตอยู่ทั้งในฐานะบุคคลและในฐานะนักดนตรี “ที่ไหนมีนักดนตรีที่ดี คุณจะหาเจอผมเสมอ” เขากล่าวถึงการร่วมงานของเขากับนักบอปหนุ่มใน Documentary. “นั่นคือสิ่งที่ฉันคุ้นเคยมาตลอด”

“ฉันไม่คิดเกี่ยวกับดนตรีแบบที่คนอื่นคิดกัน” เขาสรุป “ฉันไม่คิดเกี่ยวกับดนตรีว่าเป็นสิ่งใหม่หรือทันสมัยหรืออะไรก็ตาม คุณก็แค่เล่น”