Leva i myter med Weyes Blood

Det blir tydligare med nyheten om hennes nästa album, Titanic Rising, som kommer i april via det legendariska Pacific Northwest-skivbolaget, Sub Pop. Detta blir hennes första släpp med Sub Pop, och musiken innehåller en ökad känsla av självsäkerhet och smidighet som följer med att stiga nivåer i bolaget. Titanic Rising bygger vidare på de ljuvliga bluestonerna i Front Row Seat To Earth, genom att dyka djupt in i filmers mytiska kraft och utforska hur dessa ouppnåeliga kärlekshistorier vrider våra sårande, ensamma psyken.

Ändå är Titanic inte alls ett sorgligt album, utan ett tankeväckande och ambitiöst verk. Det låter Mering, en gång för alla, ta sin plats bredvid de stora låtskrivarna i vår tid. Hon är, om du tillåter mig jämförelsen, millenniets Joni Mitchell, som kombinerar hjärtats verk med politiska tankar och imponerande universella teman. Inför albumsläppet - det släpps den 12 april, men du kan förbeställa en begränsad upplaga på vinyl från Vinyl Me, Please nu - pratade jag med Mering om albumets plats i hennes karriär, den nya introduktionslåten “Andromeda” och varför Titanic är en av våra få moderna odödliga myter.

Du har spelat musik i flera år, men 2016 års Front Row Seat To Earth kändes som ett album där allt klaffade för dig, som om du var på toppen av din förmåga. Men nu, när man lyssnar på Titanic Rising, känns det som om det är ännu en nivå upp från det. Vad är relationen mellan de här två senaste albumen för dig, och hur känns det inför släppet av Titanic?

På Front Row Seat to Earth tog jag definitivt mer kontroll när det gäller produktionen. Jag hade några fantastiska möjligheter från mitt första album med Mexican Summer, The Innocents, att turnera mycket och verkligen vässa mina sångfärdigheter och låtskrivarfärdigheter, få chansen att uppträda i månader i sträck, vilket definitivt är ett privilegium för indie-folk, eftersom jag tror att DIY-scenen på senare år har tagit en liten dipp. Att verkligen få de spelningarna och spela konsekvent för en lyssnande publik blir allt svårare.

Front Row Seat var kulminationen av att jag spelade dessa spelningar, tog kontroll och arbetade med någon som [producenten] Chris Cohen, som jag djupt litar på. Med det här nästa albumet var det ännu mer av det. Jag fick chansen att turnera ännu mer, jag hade möjligheten att spela med vem jag ville. Och Jonathan Rado, som hjälpte mig att producera skivan, lät mig ha ännu friare tyglar när det gällde hans åsikt, som alltid stod på min sida, medan Chris och jag brukade stöta på problem om vissa saker. Så det var intressant att plötsligt ha ännu mer frihet att utforska olika områden. För mig har det varit en lång process att komma till denna punkt eftersom jag bara inte riktigt har fått sådana möjligheter förrän nu.

Detta är ditt första album med Sub Pop, som personligen är ett av mina favoritbolag. Jag växte upp i nordväst så de var överallt där uppe. Vad fick dig att arbeta med dem och hur har den upplevelsen varit?

De är en stor grej för mig också. När de var intresserade av mig blev jag ganska överväldigad. Det fanns några andra skivbolag som var lite mer, hur ska jag säga, en slags borderline-storbolag, eller bara lite mer av ett hett namn att släppa. Och sättet de skivbolagen behandlade mig på var bara så slumpmässigt – som att det var mycket vin och mat, och sedan att be om demos och det är bara så... mina skivor talar för sig själva. Jag är vid en punkt i mitt liv där jag inte behöver göra demos för att få ett skivkontrakt. Det är inte riktigt min stil.

Så Sub Pop dök upp ur ingenstans och ville inte ha några demos. De ville bara skriva kontrakt med mig baserat på vem jag var, och de hade en riktigt underbar slags DIY/indie-etos och de försökte inte köpa hela mitt liv. Jag kände en slags släktskap med dem och en överväldigande mängd vänlighet och stöd och äkta intresse. Människor på bolaget har faktiskt lyssnat på min musik på en personlig nivå och det kändes verkligen som familj, det var coolt.

Det är också min upplevelse av att arbeta med dem. Med tanke på musikalens underliggande traditionellism – hur den återkallar vissa av dessa antika folk- och sångelement, men också inkorporerar 2000-talets poplåtsskrivande – tycker jag definitivt att det är vettigt att den släpps på vinyl. Det är ett av sätten vi fysiskt kan bevara musik, men vad var det för dig som fick dig att arbeta med Vinyl Me, Please på detta projekt?

Jag är ett stort fan av människor som förespråkar fysiska kopior av musik. Det är bara så annorlunda än att strömma. Alla dessa strömmande företag sätter kompressorer och olika saker på låten för att ändra deras ljud, och att bara ha en rå analog kopia av skivan är ungefär vad artisten önskar att alla skulle höra. Och det är en sådan annorlunda upplevelse när du sätter på en skiva på skivspelaren för att lyssna på den jämfört med att strömma, särskilt med dessa jävla algoritmer. Jag är bara så besviken att så fort du är klar med en skiva på Spotify kastar den dig till nån skit som du inte ens vill höra, förstår du vad jag menar? Det är bara riktigt sorgligt. Men vinyl, i synnerhet, engagerar dig med musiken och får dig att pausa. Jag tror att det är ett bra sätt att lyssna på album.

Låt oss prata om låten som du använde för att introducera den nya eran, “Andromeda.” Den har uppenbart allusioner till det förflutna och universum i stort samt kopplingar till moderniteten och teknologin. Varför ville du inleda detta nya album med den låten?

Jag tror att det fanns många låtar på skivan som vi alla var upphetsade över, och det kändes hela tiden som att “Andromeda” var denna riktigt coola mötespunkt mellan det mer elektroniska och sparsamma, och rumsliga arrangemanger tillsammans med den nostalgiska låtskrivningen. Den verkade ha allt rullat i ett, och jag tycker bara att det är en riktigt vacker låt. När jag skrev den låten kunde jag känna mycket känsla i den. Jag är ett stort fan av country, särskilt '80-talets country och den slags lo-fi country på '80-talet som skulle använda LinnDrum, vilket är trummaskinen som vi använde på spåret. Det är också den första låten som Rado och jag gjorde tillsammans, så den hade en speciell liten känsla eftersom jag inte hade en LinnDrum och han hade det och jag var som, 'Perfekt, jag skrev den här låten i princip i hopp om att det finns en LinnDrum där' och vi satte ihop allting och det var ganska magiskt, så det är bara en bra introduktion.

En av mina favoriter på albumet är låten “Movies,” särskilt som någon som bor i L.A. och tänker på hur dessa berättelser formar våra liv och bidrar så mycket. Den här låten verkar se ljussidan i den industrin istället för dess mörka sida, men albumtiteln får mig att tänka att det fanns en specifik film och upplevelse som satte fart på skrivandet av den.

För mig, som barn, blev jag så emotionellt berörd av filmer och jag blev verkligen känslomässigt berörd av Titanic eftersom den var riktad mot små vita flickor på 90-talet. Den var på ett konstigt sätt riktad till oss, och jag hade denna intensiva epifani vid 12 års ålder att dessa filmer hjärntvättade folk eftersom de var den enda källan till universella myter som vår kultur tillhandahöll. (Förutom religion, som var på väg ut, och störde de flesta ändå.)

Jag kände att det var något så otroligt orättvist med Hollywood och hur det är en sådan kapitalistisk industri. De kan inte hjälpa annat än att vara på den trashiga sidan, så på många sätt är det bara en konstig sak, eftersom man egentligen inte kan hata filmer, det är något så magiskt med dem, för psykologiskt sett är det så vi fungerar. Vi fungerar genom myter och det är vårt sätt att förstå verkligheten, så på många sätt känns det som att den låten handlar om att se dessa myter, ta dem för vad de är, acceptera den negativa sidan – vilket är denna mycket specifika strömlinjeformning av erfarenheter och uteslutande av färgade människor och människor med olika upplevelser.

Att se den förändringen, bara de senaste två åren eller så, kan du verkligen känna effekten det har haft på människor! Den hela texten “I want to be in my own movie,” är representativ för vår verklighet där, på många sätt, folk inte lever i sin egen verklighet. Oavsett om det är att titta på andras Instagram, om det är kapitalismen som säger till människor att de behöver detta eller att de behöver vara som detta, eller en film som porträtterar verkligheten på ett riktigt bakvänt sätt eller porträtterar romantisk kärlek på ett väldigt överdrivet sätt. Jag tror att på många sätt vill folk leva sina myter och de vill att de ska vara deras egna. Det är som att filmer är dessa medelmåttiga versioner av våra djupaste psykologiska behov.

Just det, och du skriver som en redemptiv take - åtminstone i titeln - på den historien, som är en av de stora tragedierna i vår moderna kultur. Jag gillade hur titelspåret var mestadels instrumentalt och nästan som ett förspel till en film på sitt eget sätt.

Tja, anledningen till att Titanic har en så stor symbolik för mig, inte bara att den var riktad till små tjejer, utan den visade människans högmod på 90-talet, att människans högmod blev ganska intensivt och jag tror att vi alla kunde känna att något var på väg att hända och det skulle bli riktigt dåligt. Även som en liten tjej var jag liksom, 'Åh herregud, vi har inte herravälde över naturen och vi behöver verkligen sätta det på sin plats.' Det känns bara så passande för tiden, eftersom fartyget kraschade in i ett isberg och eftersom för oss nu smälter glaciärerna och isen, och istället för att fartyget sjunker, sjunker tredje världen-länder. Jag känner att det är nästan [en] löjlig parallell och konceptet av Titanic Rising är mer som detta långsamt rörliga högmod av människan, översvämmande mänskligheten i en takt som vi inte fullt ut kan förstå, ungefär som en groda som kokar i vatten. Oavsett hur stor en film du kunde göra om hela konceptet, oavsett hur stor inverkan den filmen hade på mitt liv, kämpar vi fortfarande för att kämpa mot dessa män som ständigt väljer att anta att vi har kontroll.

Det titelspår-instrumentella kommer mitt på skivan, och sedan refererar den sista låten till en mycket känd hymn. Du har pratat om hur du uppväxt i kyrkan påverkade din barndom och ditt arbete, så jag undrar, var det viktigt för dig att ha en referens till det med på den här skivan?

Ja, och vad gäller den hymnen så var det också den sista som bandet påstås ha spelat på Titanic. Så det är allt knutet till det. Den fullständiga titeln är egentligen “Nearer, My God, To Thee,” jag utelämnade “my God” eftersom jag känner att nuförtiden har Gud blivit denna föråldrade term och för människor är “thee” mer en stor relaterbar idé om supermakten som överblickar allt som pågår. Så “Nearer To Thee” är lite mer i stil med stor singularitet och stråkarrangemanget är detsamma som från “A Lot’s Gonna Change,” vilket är den första låten på skivan och temat för hela skivan; att vi alla går igenom några enorma förändringar, särskilt människor i min ålder som minns dagarna före internet och har dessa minnen av när miljön var något annorlunda. Jag känner verkligen att livet i LA - och särskilt i Pennsylvania - var väldigt annorlunda före 2000-talets klimatförändringar. Jag har sett några galna saker förändras, så jag tycker att avsluta med den tonen är passande: Ja, mycket kommer förändras, låt oss göra det bästa av det. Ungefär som Titanic-bandet, som spelade till det sista ögonblicket.