Mer än 20 år efter slutet av andra världskriget hade den tyska kulturen ännu inte helt återhämtat sig från nazitiden. Den första vågen av rock and roll hade kommit och gått, utan något att visa för det. Men hippierörelsen i slutet av 60-talet - psykedelisk musik kombinerad med politisk medvetenhet - väckte en ny kreativitet hos den tyska ungdomens.
Band som Amon Düül II, som bildades i en politisk kommun, och Can, inspirerade av Andy Warhols Factory-scen, började använda sina frijazz- och avantgardeklassiska bakgrunder för att spela en ny typ av psykedelisk rock. Det har många namn - Deutsch-Rock (“tysk rock”), kosmische musik (“kosmisk musik”), men den som fastnade kom på ett något sarkastiskt sätt av den brittiska musikpressen: krautrock.
Det finns inget magiskt recept för krautrock. Om det fanns, skulle det vara ett dåligt recept, för allt kom ut så olika. Men det finns ett gemensamt tema som går igenom allt detta: Det finns en frihet i alla dessa album, en interstellar utforskning genom musik - oavsett om det är med gitarrer, droner eller syntar - som är futuristisk men helt mänsklig (därför finns inte Kraftwerk på denna lista, trots att deras bild är den som oftast förknippas med krautrock). Oavsett vilka ingredienser, når dessa 10 band alltid samma känsla, även i olika former.
Can: Tago Mago
Can är förmodligen det mest igenkännbara namnet på den här listan, och med goda skäl. Deras påverkan syns överallt i musiken som spridit sig i deras spår (som The Fall, Sonic Youth och Radiohead för att nämna några). De funky rytmiska jamsen på sida 1 och 2, drivna av Jaki Liebezeits kraftfulla trummande, övergår i avant-garde freakout på sidorna 3 och 4.
Tago Mago handlar om kontroll. De lösa improviserade jammen sattes noggrant samman i redigeringsrummet ("Halleluhwah" känns på något sätt kort och koncis trots sina över 18 minuter), och förlusten av kontrollen på den andra skivan smälter samman till bönlik skönhet.
Neu!: Neu!
Trummisen Klaus Dinger och gitarristen Michael Rother spelade kort tillsammans i en tidig inkarnation av Kraftwerk, innan de lämnade för att bilda Neu! (Den trumfria vakuum ledde till att Ralf Hütter och Florian Schneider började göra Kraftwerk-musik med elektronik och en trummaskin). “Hallogallo,” den första låten från Neu!’s självbetitlade debut, slår dig direkt med vad som blev Dingers kännetecknande motoriktrumslag: den pulserande bastrumman och virveltrumman som efterliknar ljuden från motorvägen. Mycket av skivan drivs av rytmerna, och Rothers atmosfäriska gitarrer driver Dingers motor till kosmiska höjder. Wilco tog i stort sett "Hallogallo" rakt av till sin låt "Spiders (Kidsmoke)," och den tuggande basen som sveps bort av virvlande feedback i "Negativland" gav definitivt Sonic Youth några idéer.
Guru Guru: UFO
Om du vill ha en indikation på Guru Gurus ljud, behöver du inte leta längre än spår fem av UFO: “Der LSD-Marsch” (“LSD-marschen”). Deras debutalbum från 1970 är avgörande acid rock -- högt, brutalt och svängande. Guru Guru lyckades låsa in en vildhet som nästan bara matchades av Jimi Hendrix, men med en mer experimentell kant som enbart kunde ha kommit från 70-talets tyska rockscen. Det är svårt att föreställa sig så mycket ljud komma från bara tre musiker -- trummisen Mani Neumeier som skriar över sina kraschande cymbaler och Uli Treptes bas som bubblar precis under ytan av Ax Genrichs gitarrsolon.
Som tur var, var inte Guru Guru så kortlivade som de flesta av banden på den här listan. Neumeier är fortfarande aktiv med bandet, inklusive samarbetsarbete med de japanska psykologiska rockarna Acid Mothers Temple, som de kallat Acid Mothers Guru Guru.
Cluster: Zuckerzeit
Inte alla krautrockband skapade aciddränkt gitarrrock. Cluster skapade några genresättande album utan att verkligen vara “rock” alls. Duon Dieter Moebius och Hans-Joachim Roedelius skapade ett proto-industriellt, mörkt elektroniskt ljud på sina två första skivor. Så när de ljusnade upp det på sin tredje, gick de hela vägen och titulerade den lekfullt Zuckerzeit, eller “Sockertid.” Låtar som “Caramel” lade grunden för electropop. Även med trummaskiner och synthar, pressade Cluster bortom den stelhet som definierade deras mer framgångsrika likar i Kraftwerk, och skapade rymdigare, improvisatorisk elektronisk musik.
Faust: IV
Faust släppte fyra skivor mellan 1971 och 1973 (plus ett samarbete med avant-garde-kompositören Tony Conrad). Alla är avgörande, men IV kan vara den bästa startpunkten. Låtar som “The Sad Skinhead” och “Jennifer” är mer melodiska än något de hade gjort fram till dess. Även om det är deras mest tillgängliga, så är IV fortfarande Faust. Öppningslåten “Krautrock” är en nästan 12-minuters drone och feedback-rockare, och “Just a Second” innehåller vild elektronisk ljud. Tydligen hade Faust inte heller för avsikt att bli ett konventionellt rockband. Virgin avvisade deras femte album, och bandet gick skilda vägar strax efter.
Amon Düül II: Yeti
Den västtyska politiska konstkollektivet Amon Düül födde faktiskt två band med samma namn. Även om II i deras namn kanske får dig att tro att de bara är en uppföljning, överglänser Amon Düül II sina tidigare kollegor. Deras debut Phallus Dei är en av de första krautrockskivorna, tillsammans med Can’s Monster Movie. Men deras uppföljare, 1970 års Yeti, har en liten fördel. Det massiva dubbelalbumet är uppdelat mellan kompositioner (skiva 1) och improvisationer (skiva 2), men båda seten innehåller några av den bästa progressiva psykedeliska rock som någonsin spelats in. Även när de blev ett ganska framgångsrikt band, höll Amon Düül II fast vid sina ursprung, där alla bandmedlemmar bodde tillsammans.
Harmonia: Musik von Harmonia
År 1971 flyttade Clusters Dieter Moebius och Hans-Joachim Roedelius till landsbygden i Forst, Tyskland. När Neu!’s Michael Rother besökte för att jamma, klickade det. “Det här låter romantiskt -- det var som kärlek vid första ögonkastet,” sa han i ett pressmeddelande för Harmonia-vinylutgåvorna. “Jag lämnade Düsseldorf och Neu! bakom mig och flyttade till Forst.”
Clusters pastorala omflyttning och deras arbete med Rother satte igång en förändring i deras egen musik, bort från ljudet av deras tidigare arbete för Zuckerzeit. Och Harmonia förändrade också Rother. I en intervju med The New Yorker 2016 sa han att han hade “lämnat bakom sig idén om att vara en gitarrhjälte,” och istället valt att fokusera på “en ton, en gitarrsträng.” Du kan höra hans gitarrs jämna dån under de hoppande syntharna i “Watussi” och dess långsamma mullrande i den ambienta “Sehr Kosmisch.”
Efter att ha hört Musik von Harmonia, kallade Brian Eno Harmonia “världens viktigaste rockband.” (Trion spelade faktiskt inspelningar med Eno, som senare släpptes som Tracks and Traces.)
Agitation Free: 2nd
Om du gjorde en lista över de största jam-banden på 70-talet, skulle du förmodligen nämna Grateful Dead, Allman Brothers Band och Agitation Free. Tja, kanske inte det sista, men om du har hört Agitation Free’s bortglömda klassiker 2nd, kanske du gör det. Den bluesiga gitarrinterplayen som definierade dessa amerikanska band är definitivt där, men det finns något helt unikt med Agitation Free. Lutz Ulbrich och Stefan Diez’s svävande gitarrer förmedlar en känsla av ren frihet. De duellerande gitarrerna i “Laila” snurrar runt och spelar mot varandra innan de förenas i melodin, en oktav isär, som någon kosmisk “In Memory of Elizabeth Reed.” Gitarrerna stjäl verkligen showen, men basen finns alltid där. Michael Gunther dansar skickligt med riffen precis som Phil Lesh gör med Dead.
La Düsseldorf: Viva
När Neu! splittrades, bildade Klaus Dinger La Düsseldorf -- inte alls lika välkänt som hans tidigare band, men lika inflytelserikt. David Bowie gick så långt som att kalla dem “ljudspåret för 80-talet.” Deras självbetitlade skiva gav Bowie och Brian Eno en ritning för deras Berlin-trilogi, men uppföljaren, 1978 års Viva, är där La Düsseldorf perfektade sitt ljud. Bowie hade ganska rätt; Dinger och co. tryckte Neu!’s ljud fast in i framtiden. De vackra atmosfäriska syntharna i låtar som “Rheinita” och den 20-minuters episka avslutning “Cha Cha 2000” låter varken rymdiga eller experimentella, men är en tydlig föregångare till vad som skulle komma under nästa årtionde.
Tangerine Dream: Alpha Centauri
Med över 100 album på sitt namn (allvarligt!), kan Tangerine Dream vara skrämmande för första gången. Vid deras andra LP hade bandet övergivit den psykedeliska avant-garde rocken hos de flesta av deras likar för djupa, atmosfäriska synthesizers. Men inget lever upp till titeln “kosmische musik” som TD:s skivor från 70-talet. Alpha Centauri är en övergångsskiva, som behåller flöjt, orgel och trummor från deras debut men lagrad inom mörka, rymdiga texturer. Synth- och sequencer-skivor från mitten av 70-talet som Phaedra och Rubycon är bra ingångspunkter till Tangerine Dream, men Alpha Centauri lyckas att kännas som ett soundtrack för ett svart hål medan den behåller den organiska känslan av deras ursprungliga krautrock.
Peter Cauvel tar för närvarande emot vadslagningar om vad som först kommer att ruina honom – skivor eller konsertbiljetter.
Gå med i klubben!
Gå med nu, börjar på $44
Kvalitetsmusik. Levererad till din inkorg.
Exklusiv 15% rabatt för lärare, studenter, militärpersonal, sjukvårdspersonal & första responderare - Verifiera dig!
