Vinil que você precisa: The Record Exchange

Vinyl You Need chama as pessoas que trabalham em lojas de discos e pergunta a elas quais discos acham essenciais. Esta edição apresenta The Record Exchange em Boise, Idaho.

A maior loja de discos em todo o Idaho tem duas portas. Uma entrada na 11^ª Rua e uma na W. Idaho Street—que dão acesso à meca musical que é o The Record Exchange no centro de Boise. Uma porta te leva a um café que foi o primeiro bar de espresso de Boise, levando a um mundo de produtos locais e quinquilharias da cultura pop e marcas. A outra, no entanto, te leva diretamente ao labirinto de prateleiras de vinil. Encostada na parede do lado musical, há um pequeno palco, não mais do que um pé ou dois do chão, mas prestigiado o suficiente para receber figuras como La Luz e Willis Earl Beale durante o recente Treefort Music Festival na cidade, em março.

À medida que a população de Boise continua a crescer (Forbes recentemente a nomeou como uma das 20 áreas metropolitanas de crescimento mais rápido do país), a desespero das pessoas por música ao vivo e gravada, café e um senso de comunidade deve teoricamente acompanhar esse crescimento. Felizmente, o The Record Exchange tem servido aos bons moradores de Boise por 36 anos e está preparado para continuar fazendo isso. Conversamos com cinco funcionários do The Record Exchange para ver quais discos eles acham que você deve ter em vinil.

Cinco Discos Essenciais para Ter em Vinil, cortesia do The Record Exchange

Rachel Prin,Compradora

Artista: The Clash
Álbum: Combat Rock
Razão: Este foi o primeiro álbum que ouvi em vinil. Tipo, realmente ouvi. Meu pai me sentou com um par de fones de ouvido, me entregou as notas do encarte e fiquei fascinado pelas primeiras notas de guitarra. Após o Sandinista! de 1980, este álbum parece um verdadeiro retorno às raízes do The Clash. Liricamente, Combat Rock apresenta alguns dos melhores trabalhos de Joe Strummer, enquanto ele aborda Vietnã, direitos civis, apocalipse, dependência química e um sentimento geral de frustração. E ainda assim, apesar da gravidade de alguns conteúdos líricos, o The Clash consegue equilibrar a intensidade com algumas músicas pop incríveis. “Should I Stay or Should I Go?” é ouro pop, e eu te desafio a não dançar com “Rock the Casbah.” Há algo que vem à tona ao ouvir este álbum em vinil que sempre senti se perder em qualquer outro formato. A intensidade e a desespero das letras, a fuzziness do baixo de Paul Simonon, o twang da guitarra de Mick Jones, e o rosnado da voz de Strummer tudo parece mais potente vindo do vinil. Apresentando a formação clássica pela última vez, Combat Rock é indiscutivelmente o melhor trabalho do The Clash e um item necessário para qualquer colecionador.

Brion Rushton,Gerente Assistente de Loja/Comprador Indie

Artista: Arthur Russell
Álbum: World of Echo
Razão: Gravado com nada mais do que um violoncelo, uma piscina de reverb e sua voz anelante, o álbum de 1986 de Arthur Russell World of Echo é o som de baladas tristes se desmanchando e flutuando no éter. É uma audição essencial para os likes de Eleanor Rigby, Father McKenzie e todas as pessoas solitárias.

Chad Dryden,Diretor de Marketing e Promoções

Artista: Leonard Cohen
Álbum: The Songs of Leonard Cohen
Razão: Quando voltei a ouvir vinil em 1998, este foi o primeiro disco que comprei. Eu estava na faculdade—impressionável, suscetível e propenso ao idealismo romântico. Os discos têm uma maneira de te encararem nas prateleiras, de chamarem a sua atenção, e The Songs of Leonard Cohen vinha me conquistando por meses em uma loja de discos no porão em Athens, Ohio. Quando finalmente o levei pra casa, não consegui tirá-lo da vitrola. Sedutor e místico, profundo com significado, as histórias flamenco de Cohen sobre o coração e a carne me puxaram de volta repetidamente. Eu não sabia o que pensar sobre tudo isso, ou o que tudo significava, mas sabia que não havia vivido e amado tão profundamente e queria aprender como. Então continuei tocando. E tocando. Virando-o repetidamente. Sozinho no escuro. Entre amigos e filosofias e névoa da madrugada. Com minha agora-esposa na noite em que nos conhecemos; anos depois, quando finalmente gastei minha primeira cópia estalando, ela colocou em uma moldura, pendurou na parede e me comprou uma substituição como presente de aniversário. À medida que chego aos 40, The Songs of Leonard Cohen é uma audição muito diferente, muito mais profunda do que era aos 21. Assim vai quando você vive com um disco. Você muda, ele muda. Às vezes melhora, às vezes piora. Leonard e eu compartilhamos um aniversário. Eu gosto disso. E eu amo esse disco. Ele só melhora.

John O’Neil,Gerente de Loja

Artista: Wipers
Álbum: Is This Real?
Razão: O punk rock entrou na minha vida quando eu mais precisava. Eu reconheci o retorno da música curta como algo bom, porque cresci ouvindo a música dos meus irmãos mais velhos. Eu odiava o rock bombástico e divagante ao qual eu era submetido pelos meus contemporâneos, ou seja, outros garotos. Eu gostava de músicas que ouvia no rádio às vezes, mas estava fixado em jazz da era big band, como Ellington e Shaw, e Bob Wills e His Texas Playboys.

Eu era uma criança estranha.

Crescendo em uma parte pouco populosa do Oregon, não havia muitas coisas de bandas acontecendo. Isso era algo que eu achava que acontecia em Nova York ou Londres. A aparição de Is This Real? destruiu essa ideia errada. Imediato, energético e sombrio ao mesmo tempo, foi uma explosão ouvir algo criado no meu estado que soava tão bem quanto as coisas que aconteciam em outros lugares. Greg Sage, o cantor/compositor/guitarrista do Wipers, estava à frente de seu tempo em que acreditava em amplificadores de válvula, sinais puros, gravações caseiras e uma estética faça você mesmo. Ele era um homem espinhoso e auto-suficiente com cabelo ralo, sem propensão para fantasias ou entretenimento (embora ele adorasse luta livre profissional!).

Este disco, e sua sequência, Youth Of America, explodem da vitrola em um ímpeto, com um som agressivo para a frente, linhas de baixo repetitivas e linhas de guitarra principal ao invés de solos excessivos. Havia momentos melodramáticos com certeza, mas a falta de bombast era refrescante. Ele inspirou muitos de nós na região do Noroeste do Pacífico a tocar guitarra, formar bandas, gravar a nós mesmos e seguir em frente. E nós ativamente procurávamos outras pessoas em outras pequenas cidades que estavam fazendo a mesma coisa.

Esse é o poder de um disco. Eu nunca me cansei deste. Obrigado ao Jackpot Records em Portland por cuidar tão bem desta reedição, e a Greg Sage pela inspiração.

Catherine Merrick,Gerente Assistente do Gift Shop

Artista: Karen Dalton
Álbum: In My Own Time
Razão: Nick Cave uma vez disse que Karen Dalton era sua cantora favorita; isso foi suficiente para eu investigar quem ela era (embora muitos anos após sua morte) e este álbum, seu último antes de sua morte em 1993, foi minha primeira introdução a ela. Desde os acordes de abertura de "Something On Your Mind"—um drone repetitivo que leva à sua entrega vocal solitária e quebrada, fiquei preso apenas naquela música, e do jeito que captura perfeitamente o sentimento de alguém reconhecendo de forma inata e amorosa a dor que gira dentro de uma pessoa próxima a eles. Com versões de músicas mais familiares ("When a Man Loves a Woman" e "How Sweet It Is”), fiquei encantado com as interpretações de Dalton e especialmente sua fraseologia única, quase jazzística, que às vezes me deixava me perguntando se ela conseguiria “voltar para” a música, mas ela conseguia toda vez. Gravada por muitos outros artistas, a versão de Dalton de "Katie Cruel" (uma canção folclórica americana/escocesa tradicional) é muitas vezes considerada a melhor. Com apenas banjo, violino e sua voz, ela praticamente te transporta para um topo de montanha arborizado—o ar pesado com fumaça de fogueira e folhas molhadas. Embora a versão americana da música seja saida da Guerra Revolucionária, não pude deixar de me perguntar se Karen se relacionava com isso de forma mais pessoal, tendo sido parte da cena de música folk de Greenwich Village nos anos 60 (e altamente respeitada por Bob Dylan, entre outros, na época), mas essa é a genialidade de sua voz. Ela tinha a capacidade de interpretar músicas de forma tão profunda que você não pode deixar de acreditar que ela está cantando sobre si mesma. A outra faixa de destaque para mim é "Are You Leaving For the Country," uma fusão descontraída e fluida de R&B e folk, com a doce e quebrada voz de Dalton flutuando levemente sobre as guitarras acústicas e o baixo, que nunca falha em acionar a vontade de pular no carro e encontrar uma velha estrada de terra para viajar. Para falar a verdade, eu tenho isso também em CD, apenas para ouvir no carro, mas a calor e a fragilidade da voz de Karen Dalton, assim como a pureza dos instrumentos acústicos, ficam muito melhores no vinil. Há algo muito mais mágico em ouvir essas músicas enquanto se está sentado no chão de uma sala suavemente iluminada, especialmente se você estiver com um amigo que compartilha seu entusiasmo por levantar e começar o disco tudo de novo.