Ryan e eu cobrimos bastante jazz no último ano ou mais. Entre outros artigos, escrevemos sobre os melhores discos para aqueles que estão conhecendo o gênero e de algum modo reunimos os 10 discos essenciais do John Coltrane que deveriam estar na sua coleção. E enquanto navegávamos por esse grande gênero musical, acabamos deixando de lado lançamentos mais modernos. Não temos exatamente uma razão para isso, simplesmente aconteceu, mas está tudo bem porque isso nos fez pensar: Quais são os 10 melhores álbuns de jazz moderno?
Fazendo nossa pesquisa, reunimos uma longa lista de projetos dos últimos 10 anos ou mais. Eventualmente, desmembramos discos que amamos ou respeitamos, deixando-os de lado em prol de álbuns que realmente merecem um lugar em uma lista como essa. Essas seleções fazem mais do que apenas mostrar o melhor que o jazz tem a oferecer na última década; elas mostram exatamente como o jazz está vivo e bem, e continua assim, não importa a cobertura que você possa ver sobre esses artistas. Você não verá muitos desses artistas fazendo manchetes nos seus sites de música favoritos, mas eles estão brilhando à sua maneira, seja através do aclamado público ou, em um caso muito específico, um prêmio Pulitzer.
AM: Escolher uma seleção do pianista nova-iorquino Vijay Iyer e seu trio não foi exatamente fácil, porque eles têm vários álbuns incríveis. Mas Accelerando também acaba ganhando de imediato baseado nas duas faixas que eles decidiram regravar: "Human Nature" de Michael Jackson (uma das minhas músicas favoritas de todos os tempos) e "MmmHmm" de Flying Lotus. Apesar do fato de que o lançamento em vinil de Accelerando ser ligeiramente diferente (e mais curto) do que a versão digital, ainda temos a chance de ouvir essas regravações e, cara, elas são gloriosas. A segunda metade de "Human Nature" é particularmente épica, com Iyer, o baixista Stephen Crump e o baterista Marcus Gilmore mandando ver na melodia. E então temos a seleção de músicas originais, incluindo a abertura envolvente "Optimism" e a faixa-título ameaçadora.
RK: Esse tipo de interação não acontece por acaso, leva anos de dedicação de um grupo. O trio aqui está no auge de seu talento e apresenta um álbum tão focado e divertido que é difícil encontrar qualquer falha. A musicalidade deles é reminiscentes do Bill Evans Trio, onde não há um instrumento melódico principal. Todos se revezam adicionando à conversa, muitas vezes soltando solos simultaneamente. Marcus Gilmore é especialmente divertido de ouvir. Ele tem uma maneira de prestar homenagem às técnicas clássicas de bateria enquanto busca novas formas de expressão. Seu avô, Roy Haynes, foi o criador de muitos fundamentos da bateria, então não é surpresa que Gilmore esteja criando ideias para a próxima geração de bateristas.
AM: Se você já se perguntou como soa exatamente a “alegria”, então você precisa ouvir a viagem do pianista Jason Moran pelos álbuns de Fats Waller em All Rise. O que começou como (o que parece ser) um show ao vivo incrível dedicado ao gigante do jazz se transformou em uma gravação igualmente cativante, transbordando vida, alma e felicidade. Mesmo os momentos mais meditativos, como trechos de "Fats Elegy" e "Jitterbug Waltz", são momentos arrebatadores de #feelings. Em outros momentos, você certamente vai se viciar no refrão cativante de "Ain’t Misbehavin’" e no funk envolvente de "The Joint Is Jumpin’." De acordo com todos, Waller foi uma das maiores personalidades que o mundo da música já viu, e Moran e seu elenco de músicos (incluindo a vocalista Meshell Ndegeocello) fazem mais do que o suficiente para valorizar o material de origem.
RK: O jazz há muito tempo é marcado por sua reinvenção de canções populares como veículos para improvisação solo. Esta prática é levada um passo adiante neste projeto, onde o assunto da imitação é o pioneiro do piano jazz, Fats Waller. Em vez de uma simples cópia nota por nota, Moran atualiza e coloca seu próprio toque nessas faixas. Ao colaborar com a grande Meshell Ndegeocello, Moran leva essa seleção a uma mistura de jazz e hip-hop. Cada faixa soa tão nova e moderna que é difícil acreditar que as melodias principais foram escritas na primeira metade do século XX. A pianística deste álbum celebra o estilo de Waller enquanto mostra sua relação com uma abordagem moderna do piano jazz. All Rise é um álbum que quebra barreiras de gênero e merece a atenção inerente a uma sessão de audição em vinil.
AM: Por onde eu começo com o incrível The Epic de Kamasi Washington? Devo falar sobre como é verdadeiramente um dos álbuns mais épicos que você vai ouvir, com três LPs e quase três (!) horas de duração? Ou talvez eu devesse apenas divagar sobre como ele tornou o jazz legal novamente e reintroduziu o gênero a uma galera que o associava a tudo que você poderia considerar sem graça? Ou que tal eu falar das colaborações de Washington com artistas como Kendrick Lamar, que, por associação, fazem da audição de The Epic uma atividade ainda mais legal? Espera, eu acabei de fazer tudo isso, não foi? É, se você está minimamente interessado em jazz, espero que você tenha ouvido esse álbum. Se não - e se você está nervoso em ouvir algo dessa duração - dê uma olhada na versão do seu grupo da canção padrão de jazz "Cherokee." Você vai imediatamente querer ouvir o resto.
RK: Andrew resumiu musicalmente por que você deve ouvir este álbum, então eu vou falar sobre por que o vinil é o meio perfeito para isso. A embalagem é linda, com sua capa em preto e branco de Kamasi em frente à Terra e à Lua. Isso faz parte de um lindo mural chamado “The Elixir” do artista Patrick Henry Johnson. Cada um dos três discos vem em sua própria capa colorida, com os músicos listados para cada faixa (o que é fundamental quando há um coro e um conjunto de cordas apresentados ao longo do álbum). A música em si parece ter sido criada para o vinil. É densa, épica, expansiva dinamicamente e virtuosa, todas as coisas que parecem ser aprimoradas pelo vinil. É a combinação perfeita de música incrível com uma embalagem deslumbrante. Definitivamente, é uma coleção indispensável.
AM: Ryan acertou em cheio sua análise de Landmarks abaixo, abordando como este álbum de 2014 de Brian Blade and The Fellowship Band é “tudo sobre contenção.” Porque é - nada aqui soa grandioso só por soar grandioso. É majestoso sem ser opressivo, como assistir No Country For Old Men sem a depressão sombria. Talvez eu esteja sendo muito influenciado pela arte da capa - você pode me culpar? - mas este disco soa como a trilha sonora de uma viagem onde você está conhecendo locais que nunca viu antes. Mas voltando ao assunto da contenção; é exatamente essa qualidade que torna Landmarks uma experiência de audição fenomenal. É bem construído e nunca é exagerado, apenas um ótimo álbum sustentado por alguns músicos realmente talentosos.
RK: Este álbum é tudo sobre contenção. Os músicos deste grupo são monstros absolutos que poderiam derrubar você com algumas das músicas mais intensas e complicadas que você pode imaginar, mas eles não fazem isso. Eles seguram, deixando cada nota e pausa pairarem no ar. Nada é supérfluo, tudo está em seu lugar certo. Isso não quer dizer que isso seja entediante de forma alguma. Essa contenção faz com que você fique completamente surpreso quando os músicos entram e saem ou quando as dinâmicas mudam repentinamente (ouça a bateria em "Ark.La.Tex"). Com tantos músicos tentando mostrar suas habilidades hoje em dia, é revigorante ouvir um grupo que apenas se reclina e deixa a música falar por si mesma. Brian Blade é um dos bateristas e músicos modernos mais envolventes para se ouvir (seja em vinil, MP3 ou ao vivo). Este álbum, no entanto, com suas reviravoltas, mudanças e alcance dinâmico, foi feito para ser ouvido em vinil.
AM: Música avant-garde não é para todos, e qualquer um que argumenta o contrário é ou um idiota pretensioso ou está completamente fora da sua sanidade (ou ambos!). De qualquer forma, é minha opinião que a vida vale a pena ser vivida quando você é capaz de se desafiar e, sim, isso se aplica a quando você está ouvindo música. Isso me leva a In For A Penny, In For A Pound, o álbum ganhador do Prêmio Pulitzer de Henry Threadgill e sua banda, Zooid. Se você considera isso uma audição fácil, então meus parabéns, porque você está vivendo em um nível totalmente diferente. Dito isso, os mais de 70 minutos de música neste álbum não são tão difíceis que te batem na cabeça com barulho ou divagações obtusas. Tem muito acontecendo nas faixas de In For A Penny, e eu estaria mentindo se dissesse que entendi exatamente o que Threadgill estava tentando transmitir. Mas para mim, é mais uma oportunidade de aprender e começar a entender esse todo lance de jazz avant-garde. Vou deixar as palavras inteligentes sobre este para Ryan. Bem, ok, posso dizer uma coisa com confiança: O trabalho de guitarra em “Ceroepic (For Drums and Percussion)” é hipnotizante.
RK: Esta suíte é dividida em movimentos que destacam cada instrumento, o que, se feito incorretamente, poderia resultar em um álbum desconexo. Obviamente, dado que In For A Penny, In For A Pound tem um lugar nesta lista, esse não é o caso. Dentro de cada movimento, existem múltiplos temas, variações e solos. As interações entre todos os instrumentos são o que tornam este álbum completamente agradável. O material escrito divide ritmos e linhas melódicas complicadas entre os músicos, resultando em um efeito de pingue-pongue que dá groove. Isso dá ao solista muito trabalho sonicamente. Tanta coisa está acontecendo ao mesmo tempo, mas nunca soa muito lotado. Todos os músicos sabem quando se ausentar (às vezes você não ouvirá um deles por alguns minutos). Fazer essa música soar tão fluida deve ter levado muitas horas de ensaio, sem mencionar a foresight e a habilidade mental que foram necessárias para escrevê-la. Threadgill realmente mereceu o Pulitzer por este projeto e é ótimo ver que, após muitos anos produzindo ótima música, ele está sendo reconhecido por isso.
AM: Se você leu nossas outras listas de jazz, pode estar esperando ler a frase, “Beleza, vamos ficar estranhos.” Bem, é exatamente isso que estamos fazendo com Meltframe, o álbum de regravações de 2015 da guitarrista e compositora de jazz avant-garde Mary Halvorson. Este é seu primeiro lançamento como artista solo e, deixe-me dizer, é incrível (quando necessário). Ouvir uma gravação de apenas guitarra pode ser um pouco difícil de digerir no começo, e eu entendo completamente que não será para todo mundo. Mas acredite em mim quando digo que há algo catártico neste álbum quando você dá a ele o tempo que realmente merece. Não importa quanto tempo você leve para se acostumar, você simplesmente não pode negar algumas faixas aqui. Isso é especialmente verdadeiro em sua versão de "Cascades" de Oliver Nelson, que abre Meltframe com uma bondade distorcida pura. E sua versão de "Aisha" de McCoy Tyner (de Ole de John Coltrane), que é simplesmente deslumbrante.
RK: Mary Halvorson é uma das guitarristas mais procuradas na cena hoje e este álbum mostra o porquê. Gravar um álbum solo é complicado, porque você precisa garantir que ele seja sempre interessante e dinâmico. Ao longo de Meltframe, Halvorson trabalha com texturas, dinâmicas, tempos e estilos para manter o ouvinte engajado. Seu trabalho é além de criativo. Ela afina e desafina as cordas durante a melodia de "Sadness", enquanto compõe por baixo. Ela usa efeitos perto do final de "Cheshire Hotel" para modificar tons enquanto toca lindamente. Mary é capaz de tocar várias ideias simultaneamente, utilizando a tensão criada para criar um álbum envolvente que não fica velho após várias audições. Seu trabalho em conjuntos é incrível, mas é especialmente ótimo ouvir ela se expandir sozinha.
AM: Eu percebo que dizer que Cécile McLorin Salvant usa sua voz como um instrumento não é uma afirmação original ou grandiosa. Mas é a verdade, droga, e é por isso que tantos outros descreveram suas incríveis habilidades vocais assim. Enquanto seu músico favorito empunha seu [insira qualquer instrumento físico] como uma divindade, o mesmo pode ser dito sobre Salvant. Suas músicas originais e reinterpretações de clássicos no álbum vencedor do Grammy For One to Love só podem ser ouvidas como "straight-ahead" no sentido mais convencional, significando que não são necessariamente difíceis. Mas elas são apresentadas de forma espetacular por Salvant e sua banda, que trazem uma nova vida a músicas como “Wives and Lovers” de Burt Bacharach e “The Trolley Song” de Meet Me In St. Louis (que eu conhecia principalmente a partir de uma piada dos "Simpsons"). Suas composições originais são igualmente potentes, em parte porque ela as carrega com uma força e uma apresentação semelhantes. Isso faz de For One to Love um, bem, disco adorável para se ouvir, especialmente com sua bebida favorita (seja café, vinho ou bourbon) e, sim, com a pessoa certa ao seu lado.
RK: As vocais de Cécile McLorin Salvant pulam e deslizam das formas mais gloriosas e inesperadas. Logo na faixa de abertura, "Fog", somos tratados a técnicas que apenas alguns vocalistas poderiam executar (como ela canta a frase "Sometimes, I try to recall" perto do início da faixa). Uma marca registrada de um grande instrumentista (especialmente de um vocalista) é seu nível de convicção. As notas ou letras fluem diretamente do músico de algum lugar profundo dentro dele. Salvant emite cada frase com tanta honestidade que elas pulam direto do alto-falante. O trio de piano que a acompanha é estelar também. Eles desempenham um papel de apoio perfeito para Salvant, e seria fácil desconsiderar o toque deles, o que seria um erro. Eles pontuam as linhas melódicas assim como dão groove com um toque seguro ao longo deste álbum.
AM: Desde o início, Emily’s D+Evolution se afirma como uma obra transcendente e inovadora que mistura jazz, funk, prog-rock e outros gêneros com tanta facilidade que não é nem justo. Como Ryan nota abaixo, a multi-talentosa Esperanza Spalding (conhecida anteriormente por seus impressionantes talentos no baixo e vocais) vai a todos os lugares e de volta neste projeto com apenas um trio (e um grupo de cantores convidados) tocando em cada faixa. Agora, esses músicos sim alternam, mas eles estão realmente a bordo apenas para fazer seu trabalho enquanto Spalding lidera o caminho, cantando como uma mulher possuída e tocando como uma verdadeira tida. Há um peso em muitas faixas de Emily’s D+Evolution que exigiria, tipo, mais de 30 parágrafos para explicar, mas é exatamente por isso que você precisa ouvir este projeto. Além disso, a faixa de abertura "Good Lava" é pura energia.
RK: É difícil acreditar que este álbum apresenta apenas um trio (junto com vocalistas de fundo). Os arranjos, orquestrações, composições e musicalidade são tão densos e bem elaborados que sempre há algo novo e emocionante a ouvir, mesmo após várias audições. A música está sempre se movendo, mudando e puxando você para dentro. Há algo sombrio e sinistro nesta seleção de músicas também, mas é difícil apontar sua origem. O clima geral deste álbum se presta perfeitamente a ligar a vitrola e relaxar. É fácil ouvir por que Esperanza Spalding é uma verdadeira mestre enquanto ouve a linha de baixo sinuosa em "Judas" e sua interação com a linha vocal. Além disso, aquele groove em "Funk the Fear" é simplesmente sujo.
AM: Há uma sensação inerente de leveza e alegria correndo pelas veias musicais de Otis Was a Polar Bear, um álbum dedicado à filha da baterista/líder de banda Allison Miller. Com seus músicos do Boom Tic Boom ao seu lado, Miller mergulha de cabeça em uma variedade de sons enquanto mantém um foco singular. É um álbum de exploração juvenil que é transmitido na jubilo dos músicos, incluindo a faixa de abertura estelar e seus movimentos ("Fuster"), a brincalhona "Staten Island" e a maravilhosamente intitulada "Pig in a Sidecar." Talvez esteja apenas na minha cabeça, mas eu consigo ver totalmente um urso polar chamado Otis se movendo por várias paisagens enquanto ouço isso. Poucos álbuns que ouvi nos últimos anos inspiraram esse tipo de imaginação.
RK: Orquestrações criativas e melodias cativantes dominam este álbum e, como ouvinte, você nunca tem certeza do que vem a seguir. A bateria de Miller é particularmente impressionante. Ela toca com um sentimento tão relaxado enquanto executa padrões complicados. Em muitas das faixas, ela até usa seu set de bateria como um instrumento melódico e harmônico! Além disso, suas habilidades de composição estão no ponto (ouça todas as diferentes partes de "Fuster" e como elas fluem bem umas para as outras). Ela montou uma banda incrível para trazer suas músicas à vida. Todos os músicos, assim como Miller, fazem parecer tão fácil. Transmitir música tão interessante e complexa de uma maneira tão natural e orgânica é impressionante.
AM: Frequentemente belo e ocasionalmente intricado, Lovers é uma audição envolvente que captura perfeitamente a missão de Nels Cline. O guitarrista em constante mudança, também conhecido por tocar com os likes de Wilco e Mike Watt, escreveu que esperava fornecer aos ouvintes “algo como uma atualização da ideia e do ideal de 'música de humor', enquanto celebra e desafia nossa noção icônica de romance.” Ao ouvir as 18 faixas de Lovers, pode ser bastante simples ouvir passivamente enquanto você continua e deixa as músicas flutuarem ao fundo. Mas preste mais atenção e você começará a apreciar as nuances, como a mais desafiadora “It Only Has to Happen Once” ou sua maravilhosa e sombria reinterpretação de "Snare, Girl" do Sonic Youth. Ou talvez você apenas fique preso em sua interpretação de "I Have Dreamed" e se pergunte por que não assistiu mais musicais (observação: o original é de "The King and I").
RK: Projetos expansivos, como Lovers, são difíceis de encontrar hoje em dia. Com as vendas de álbuns caindo e grandes turnês de jazz sendo coisa do passado, é revigorante ouvir Nels Cline investir esforço para revitalizar uma era do jazz que se foi. Com uma seção de cordas, uma seção completa de metais e até mesmo uma harpa (!), Cline montou uma equipe estelar de músicos para transmitir um álbum que, à primeira audição, soa como se poderia ter sido feito há 60 anos. Para aqueles que estão familiarizados com o trabalho de Cline, este álbum pode confundir. Ele é conhecido por suas explorações de free jazz alucinantes, mas neste álbum ouvimos ele oferecer uma nova proposta de jazz orquestral. É incrível ouvir um mestre se sentindo tão em casa neste contexto como faz no free jazz e no rock. Os arranjos, de Michael Leonhart, são lindos, destacando as melodias e os backdrops com a escolha perfeita de instrumentos. Este vinil é perfeito para tocar ao fundo em sua próxima festa de coquetel ou para ouvir e dissecar de forma atenta.