Margo Price não pode ser colocada em uma caixa

Não que as coisas estivessem exatamente boas no início deste ano, quando o terceiro álbum de Price, That’s How Rumors Get Started, foi anunciado. Mas, entre aquele momento e agora, as coisas foram de mal a pior. Claro, não prevíamos nada disso: nem o tornado que devastou a atual cidade de Price, Nashville, nem o vírus que matou John Prine e afetou o marido de Price, Jeremy Ivey, nem a atual reconciliação racial nos EUA.

É no meio dessa bagunça que Price lança seu ansiosamente aguardado sucessor de All American Made de 2017, um álbum que amplia ainda mais sua paleta sonora para incluir guitarras distorcidas, efeitos de drum machine e coros com alma. Um refúgio brilhante que une country, rock clássico e blues, sendo tanto uma cápsula do tempo - com referências a álbuns desgastados de Fleetwood Mac, Tom Petty e Neil Young - e ao mesmo tempo extremamente atual com sua ecleticidade e o lirismo direto e preciso de Price.

Onde Midwest Farmer’s Daughter focava na história de Price e All American Made falava de um país em ruínas, That’s How Rumors Get Started encontra um meio termo. Notas de narrativas autobiográficas são abundantes, embora falem mais sobre o passado recente do que o distante, com faixas como “Twinkle Twinkle,” “Gone to Stay,” e “Prisoner of the Highway” capturando as alegrias, frustrações e desgostos de navegar pelo mundo como uma musicista de sucesso em ascensão. Embora notadamente não explícito politicamente, o álbum ainda tem seus momentos sutis que lembram o ouvinte do compromisso destemido de Price em falar sua verdade, custe o que custar. “Você não me conhece. Você não me possui,” ela canta no single principal “Stone Me”, tão independente quanto sempre foi.

De nossas respectivas quarentenas, conversamos com Price sobre seu álbum mais ambicioso até agora, sua recusa em se prender a rótulos e a tentativa de criar em tempos de crise sempre mutáveis.

O som e a vibração deste álbum são uma progressão em relação aos seus dois primeiros. O que influenciou a decisão de se expandir sonoramente com este álbum?

Eu só sabia que não queria continuar fazendo o mesmo disco repetidamente. Já toquei em bandas de rock antes e sabia que era apenas uma questão de tempo antes de fazer algo diferente, mais enraizado no country. E também, a indústria da música country não tem sido exatamente a mais acolhedora para mulheres ou minorias. Eu gostaria de sair dessa mentalidade pequena, sabe? Eu amo música country, mas não gosto das organizações que a administram.

Acho que uma das coisas que atrai tantos ouvintes a você é que você não tem medo de apontar os problemas. Os dois primeiros singles que você lançou do álbum, “Stone Me” e “Twinkle Twinkle” — você faz críticas sutis e merecidas à natureza da indústria e como, mesmo quando você se torna bem-sucedido, ela ainda pode ser injusta.

Sim, apenas um conjunto diferente de problemas. Quero dizer, obviamente estou muito grata pela minha carreira, mas há muitos obstáculos que as pessoas esperam que você supere e expectativas e muitas coisas que eu não estou disposta a comprometer ou fazer pessoalmente. Foi bom de muitas maneiras, mas em outras, estou pronta para me expandir musicalmente também. Quero explorar outros gêneros — e sempre fiz isso. Nos últimos 15, 20 anos tocando guitarra e ainda mais tempo tocando piano, sempre tive amor por todos os tipos de música: folk, blues, soul music... gospel, punk rock e rock and roll clássico. Acho que você não pode ser realmente completo se persistir em uma coisa repetidamente.

O álbum me lembra “Southern Accents” de Tom Petty and the Heartbreakers de certa forma — há um fio do seu som correndo por ele, mas é tão eclético. Há algumas músicas com influência de country, faixas de rock clássico, soul, new wave... Você conscientemente quis que este álbum fosse não apenas mais voltado para o rock, mas mais abrangente em incorporar suas diferentes influências?

Eu definitivamente queria pintar uma paleta diferente. Eu tinha feito os últimos dois álbuns com pedal steel, fiddles, mandolin e dobro. Queria fazer algo mais dirigido por órgão e piano, e há alguns sintetizadores. Há uma drum machine em uma música — há baterias orgânicas nela também — mas em “Heartless Mind,” é a primeira vez que incorporo drum machines.

Eu queria mudar antes que o jogo mudasse. Você vê esses gêneros que se tornam realmente populares — eu meio que comparo isso a Alabama Shakes e a explosão do soul que aconteceu durante seu tempo onde todos estavam meio que correndo atrás desse som e as pessoas queriam assinar com bandas que eram como eles e isso meio que se tornou uma tendência — como, até pessoas brancas fazendo blue-eyed soul. Mas depois de um tempo, há algo mais que se torna em estilo. Acho importante expandir e eu precisava mentalmente. Precisava me afastar um pouco e escrever de maneira diferente. Eu estava fazendo muitos tipos de narrativa autobiográfica, então foi bom ser um pouco mais abstrata. Algumas coisas, obviamente, são baseadas em minhas experiências pessoais, mas não acho que seja tão fácil sempre dizer exatamente sobre o que estou falando neste álbum.

Além da narrativa mais abstrata, há muitas músicas que são mais imediatas do que seus álbuns anteriores, documentando e refletindo as formas como sua vida mudou nos últimos anos. Você tem uma preferência entre escrever sobre coisas à medida que estão acontecendo ou escrever sobre o passado distante quando você tem mais distância entre você e o assunto?

Ajuda ter espaço e reflexão no que você está fazendo. Como, “Letting Me Down” foi meio que escrita para um antigo amigo do ensino médio meu, e meu marido escreveu um verso para um antigo amigo do ensino médio dele. Foi algo que eu não pensava há um tempo, mas foi muito terapêutico. Eu me vejo agora, quando estou sentada para escrever durante este tempo louco da história — é difícil saber o que vai acontecer. Dia após dia, as coisas mudam tão rapidamente e você realmente não sabe como vai acabar. Então, é meio difícil escrever sobre algo quando você está bem no meio disso. Três dias se passam e uma novidade surge do nada e o que você escreveu já não é mais pertinente.

Você teve uma banda de apoio incrível neste álbum — Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, o Nashville Friends Gospel Choir, para citar alguns. Como foi o processo de gravação e como eles influenciaram a direção que suas músicas tomaram enquanto vocês estavam gravando?

Me diverti muito tocando com Matt Sweeney e, claro, James Gadson é uma lenda completa, desde Aretha Franklin e Bill Withers, e ele tocou com D’Angelo. Ele era tão profissional e tão positivo e divertido de trabalhar. Ele simplesmente se sentava atrás da bateria e não se levantava a menos que fossemos almoçar. Ele estava ali, comprometido, conduzindo o trem.

E foi realmente divertido estar em um espaço no East-West Studio porque era como se estivéssemos tocando em uma sala pequena juntos. Senti que tudo se encaixou, embora eles não tivessem ouvido as músicas antes — não enviei muitos demos ou nada do tipo. Fizemos um pouco de pré-produção e havia algumas coisas, mas na maior parte eu simplesmente sentava com um violão na sala de controle e tocava, e então dizia algo como, “Esta música quero que tenha uma vibe Springsteen.” Ou, “Esta música quero que tenha uma vibe Fleetwood Mac ou Neil Young” — qualquer que fosse a referência. Então eles simplesmente acertavam completamente. Foi realmente sem esforço, e o processo de gravação foi natural.

Há músicas no álbum que parecem homenagens a essas bandas clássicas. “Stone Me” lembra “Won’t Back Down” de Tom Petty; “Prisoner of the Highway” parece uma atualização de “Wildflowers” do Trio — tudo pela sua própria perspectiva. Você entrou em algumas faixas com a intenção de referenciar outros artistas, ou você apenas escreveu e, conforme elas se desenrolavam, descobriu que elas estavam tomando formas semelhantes?

Eu geralmente escrevo três ou quatro faixas de referência. Não quero simplesmente pegar uma música e copiar — embora, bom ouvido para “Stone Me” e “Won’t Back Down.” Aquela, na verdade, eu estava tocando mais pesado com minha banda e então saiu um pouco mais suave e eu fiquei tipo, “Eu não sei…” A maioria das faixas saiu como eu imaginava, mas algumas saíram muito diferente. “Heartless Mind” — eu achei que teria apenas uma vibe de guitarra do Heartbreakers. Quando colocamos tudo nela, eu estava tipo, “Oh, isso é como Blondie ou The Pretenders.” Não era nada do que eu esperava, mas eu realmente adorei.

Mas, sim, eu pensava em algumas apenas como uma referência para eles do que eu estava buscando. Achei útil dar algum tipo de direção, tipo, “Ok, isso é o que eu quero que vocês soem.” Espero não estar sendo muito derivativa. Isso foi uma coisa boa também, ter Sturgill e Bryan David R. Ferguson, para dizer que isso está soando muito como aquilo e mudamos as coisas, só para garantir que nada fosse muito um throwback ou muito derivativo.

Você já tocou com Sturgill antes, mas como foi tê-lo produzindo o álbum?

Foi ótimo. Eu tinha algumas preocupações ao entrar nisso. Não sabia se isso arruinaria nossa amizade porque posso ser bastante opinativa e tenho uma visão muito clara do que quero fazer. Mas Sturgill continuava dizendo, “Deixe-me fazer um álbum seu. Prometo que será a melhor coisa. Será a coisa mais incrível que você já fez.” Ele estava tão ansioso para fazer isso, e foi ótimo trabalhar com ele no estúdio. Ele trouxe David R. Ferguson, um engenheiro que era bom amigo de Johnny Cash e Jack Clement. Todos nós nos divertimos muito, simplesmente jogando conversa fora e rindo e comendo muita comida, porque eu estava grávida. Foi muito bom entrar na sala e simplesmente ceder um pouco, entregar-lhes as rédeas, de certa forma, para dizer, “Ei, e se escrevêssemos uma ponte aqui?” ou, “Você precisa de oito versos para esta música?” E às vezes a resposta é sim, mas às vezes eu dizia, “Ok, acho que podemos torná-la um pouco mais concisa.”

Você já falou um pouco sobre como o processo de gravação durante a gravidez foi uma experiência tão diferente, especialmente no sentido de ter uma visão muito clara.

Definitivamente não esperava ficar grávida. Foi bem quando estávamos conversando sobre entrar em estúdio. Estávamos falando sobre gravação há um tempo, mas assim que tomei a decisão de começar de verdade, foi quando descobri que meu marido e eu estávamos esperando. Eu estava sóbria há alguns meses apenas porque queria; meu marido completou 40 anos e estávamos tipo, “Sabe de uma coisa, deveríamos fazer uma pausa e ficar bem claros por um tempo.” Então, já estava sóbria há dois meses, e então descobri que estava grávida. Já tinha essa clareza de mente nova acontecendo. E então, claro, a gravidez realmente intensificou isso.

Sinto que há uma grande conexão entre o processo criativo de gravação de um álbum e carregar um bebê. O processo leva muito tempo, começa pequeno e depois tudo meio que cresce e se desenvolve e se torna sua obra-prima quando está pronto, se tudo correr bem. Foi ótimo. Não tive problemas para cantar. Claro, no final, quando eu estava com mais de nove meses de gravidez, tive um pouco de dificuldade em respirar bem, mas eu tinha todo o tempo do mundo. Trabalhamos nisso. Não havia prazo, e senti que podia deixar tudo perfeito. É meio como “aninhamento” também, sendo bem específico sobre as mixagens e tudo mais.

Sua música sempre foi política, especialmente ao contextualizar a maneira como o pessoal é político. Com o estado do mundo como está agora, onde você vê o papel da arte e da música como um meio de fazer mudanças pelo bem ou, pelo menos, como um refúgio de certa forma para as pessoas?

Definitivamente tenho ouvido muita música, então posso me relacionar como ouvinte e como fã de música que isso alivia o estresse em tempos realmente incertos. Fica difícil pensar em como tenho que compartilhar e promover este disco agora quando há tantas outras coisas para falar. Mas ao mesmo tempo, eu sei que mais pessoas estão ouvindo música agora do que há muito tempo. Acho que não tivemos o espaço para fazer isso. Todos estavam tão distraídos, vivendo neste mundo de 15 minutos. É bom saber que as artes estão ajudando as pessoas. Só espero que as pessoas percebam que os artistas precisam de sua ajuda agora porque é difícil ganhar a vida quando todo mundo pode ver sua mídia de graça. Leva muito dinheiro, e temos que cuidar dos nossos artistas nesta era, com certeza.

Foto por Bobbi Rich