WIVES faz uma música que faz a terra tremer

A história de criação do WIVES acontece de forma semelhante ao seu som: um equilíbrio confiante e uma queda autoconfiante que, de alguma forma, leva você ao lugar exato. Beach, o guitarrista Andrew Bailey, o baterista Adam Sachs e o baixista Alex Crawford estavam todos imersos na cena musical independente de Nova York, trabalhando em seus próprios projetos musicais, quando o desmantelamento de um projeto anterior e uma sessão de estúdio não cancelada os atraíram para o estúdio. Beach resume de forma sucinta, compartilhando: “Foi muito divertido e quando ouvimos as gravações, dissemos: ‘Uau, isso é realmente bom.’ Então, nós apenas nos tornamos WIVES.” O álbum foi criado ao longo de dois anos, com os amigos aproveitando momentos roubados no estúdio, sem levar muito a sério e apenas seguindo o que parecia e soava certo.

“Quando os quatro de nós nos reunimos, definitivamente foi um som único que nenhum de nós havia alcançado antes em nossas outras vidas musicais. Acho que cada um traz algo bem único para a mesa. Eu escrevo canções que são, eu acho, mais tradicionais. Nosso baixista é um grande fã do My Bloody Valentine, e a vibe dele é realmente shoegaze; nosso guitarrista é mais moderno. Nosso baterista Andrew está super envolvido com death metal e hip-hop. Eu sei que o som do WIVES faz muito sentido porque eu sei de onde cada um vem, mas todos vêm de lugares separados,” explica Beach.

A banda começou no Queens, o maior bairro da cidade de Nova York e o condado grande mais diverso do país. Assim como o WIVES, está repleta de pessoas de diferentes lugares, mas tudo se desenvolve harmoniosamente.

“Nós amamos muito o Queens, e eu acho que o Queens é, de longe, o melhor bairro de Nova York,” compartilha Beach quando perguntado sobre o cenário de seu início. “As pessoas são um pouco mais tranquilas no Queens; é um pouco mais uma vibe familiar, e ainda existem muitas comunidades étnicas que estão intactas. Há uma comunidade polonesa florescente e uma comunidade da Europa Oriental, um pequeno Bangladesh, um pequeno Nepal,” diz Beach. “É como um bom experimento social. Como se pudéssemos pegar a maior diversidade de pessoas possível e, como se, jogá-las em um lugar, e na maioria das vezes funciona, você sabe?”

Esse encontro orgânico pode ser ouvido em faixas como “Even The Dead.” Não é nada menos que ensaiado ou forçado; é exatamente o que você ouviria ao vivo. “Não há sobregravações, nada disso,” compartilha Beach ao ser perguntado sobre a faixa. “Nós apenas começamos a tocar esse riff e fomos até o fim por aqueles cinco minutos e gravamos em fita. É isso. Essa é a faixa final. Obviamente, esse tipo de raio em uma garrafa não acontece o tempo todo. É raro. Mas quando temos uma peça, tipo, que realmente acreditamos, nós simplesmente mantemos. Não mexemos nela. Pode não ser perfeita. Pode não ser um single número 1, mas tem algo, uma espontaneidade, que é muito difícil de encontrar.”

Um dos momentos mais pop do álbum chega através de “The 20 Teens.” Beach compartilha que, enquanto ouvia A Flock of Seagulls em um restaurante de Bushwick, teve o pensamento que todas as letras poderiam muito bem ser “Este é os anos 80, este é os anos 80,” já que a faixa parecia encapsular a década tão bem. Ele decidiu confrontar essa faixa e criar sua própria versão para os anos 2010, cheia de referências a pessoas lendo revistas impressas e usando macacões. A faixa começa com um “alguns discos são tão distorcidos que realmente aconteceram”, uma linha que Beach encontrou em um antigo diário que ele estava escrevendo enquanto ouvia velhos 45s.

“Você pode dizer que é positivamente irônico; eu acho que em nossas canções há uma veia de doçura e nostalgia,” diz Beach e ri, quando compartilho que as canções parecem a escolha perfeita tanto para pré-festa quanto para pós-término. “Embora também haja essa postura de cinismo nova-iorquino, isso está lá também,” ele acrescenta.

Há algo na forma como Beach canta que faz seus ouvidos ficarem alerta. Como Lou Reed de um púlpito, isso soa bíblico. Você não consegue evitar tentar decifrar as mensagens ocultas nas letras, algo que poderia nos salvar do caos atual, ou pelo menos nos tornar mais confortáveis com isso. O álbum tem momentos de alívio, mas magnetiza você de volta para o caos cuidadoso. Veja, você pode dançar através de uma faixa como “Hideaway” e se mover para esquecer, mas então a faixa de encerramento, “The Future is A Drag” te lembra da situação das coisas novamente. Assim como o movimentado bairro do Queens, há uma calma, mas não sem uma agitação.

“Quando estou ouvindo música, é mais sobre estar aqui e agora neste tempo e lugar e ouvindo esses sons. Às vezes é um velho disco de blues, às vezes é um disco do T-Rex, às vezes é Vince Staples — seja o que for. Há algo que apenas é capturado às vezes que eu chamo de ‘o lento dentro do rápido.’ Para mim, é a coisa mais incrível que posso imaginar em termos de experiência. É esse casamento entre ritmo e, eu acho, melodia e, não quero parecer bobo, mas há uma mudança acontecendo em discos realmente bons como My Bloody Valentine ou algo assim, onde há algo mudando sob seus pés. O chão está mudando. Pode ser uma música rápida — hip-hop faz isso muito bem — ou pode ser algo realmente shoegaze que é mais lento. Mas, é mais ou menos isso que estamos buscando. Queremos mover as pessoas da maneira que sabemos que é possível ser movido porque somos apenas amantes da música.”