A Simpatia Engraçada e a Sinceridade do Goon Sax

Louis Forster estava assistindo ao filme de terror japonês de 1977 House quando teve uma ideia. Inspirado pelos personagens principais do filme, que foram nomeados de acordo com seus traços de personalidade — uma mulher que está sempre ajustando sua maquiagem é chamada de Gorgeous, outra que ama música é chamada de Melody — Forster fez o mesmo com seus companheiros de banda James Harrison e Riley Jones, que se apresentam com ele como The Goon Sax. Forster nomeou Harrison de Lazy, Jones de Busy e a si mesmo como Bendy.

“Acho que o James é o cara mais tranquilo,” diz Forster. “O James não está deitado, ele é James Horizontal Harrison.”

“Acho que sou um pouco preguiçoso,” responde Harrison, sua voz uma manifestação sonora de um encolher de ombros. “Mas eu acho que há outras pessoas na banda que fazem coisas tão idiotamente.”

Desde sua estreia em 2016, Up To Anything, o trio de indie pop com toques de pós-punk de Brisbane navegou por muitos descritores — “tão inteligentes quanto tristes,” “autodepreciativos, mas nunca melancólicos,” “deliciosamente simples” — embora “idiota” nunca parecesse liderar a charge. The Goon Sax, que se formou em 2013 como um duo de Harrison e Forster, filho de Robert Forster, famoso pelo Go-Betweens (Jones se juntou em 2014 após apenas alguns meses de aulas de bateria), têm um talento para enquadrar pequenos momentos como ainda menores. Up To Anything, lançado quando os membros da banda tinham 16 e 17 anos, detalha languidamente as intimidades da vida adolescente, entrelaçadas com um anseio depressivo — “Eu quero que as pessoas pensem em mim,” canta Forster na faixa-título do álbum.

Embora alguns anos mais velhos, The Goon Sax explora novos territórios em seu segundo esforço, We’re Not Talking, já disponível: ansiedade. O LP oscila, às vezes, entre frenético, romântico, nostálgico e inquieto. Em “Love Lost,” uma faixa liderada por Harrison que apresenta cordas e castanholas, ele lamenta: “Eu tenho problemas que não sei como lidar / e eu tenho questões que não quero que vejam.” Em outro lugar, Jones canta suave: “Sentirei falta da tristeza / que é a única coisa que eu sempre conheci” em “Strange Light,” uma ode a Brisbane e os erros cometidos lá.

No álbum We’re Not Talking, todos os três membros do Goon Sax contribuíram para a composição vocal e instrumental, uma mudança em relação à principal autoria de canções de Harrison e Forster em Up To Anything. Ao vivo, eles trocam instrumentos, com Jones ocasionalmente assumindo a guitarra e Forster pulando para a bateria, cada membro uma engrenagem em uma máquina que gira constantemente, sempre se preparando para o impacto.

“Estamos esperando o pior o tempo todo,” brinca Forster.

“Talvez o avião ainda não esteja prestes a cair,” responde Jones, “mas há essa sensação de que pode cair.”

VMP: Como a dinâmica de composição mudou em We’re Not Talking?

Louis Forster: Não acho que foi uma escolha consciente que iríamos trabalhar de forma diferente. Aconteceu que o Riley ficou mais à vontade cantando. No primeiro disco, eu escrevi um pouco mais de músicas que o James e desta vez o James está escrevendo muitas músicas muito rápido. Todos nós temos mais input nas músicas uns dos outros.

Como funciona o processo de crítica ao editar o trabalho um do outro?

Riley Jones: Nós realmente não criticamos um ao outro. Não acho que eu nunca senti a necessidade de fazer isso. Nós éramos um pouco tipo, “É isso aí. Temos outra música. Maneiro,” o que é sorte.

LF: Eu não acho que era, “Eu gosto dessa música, mas mude essas letras e tire essa parte, e então ficará bom.” Não acho que esse tipo de coisa aconteça. Era mais sobre ter mais input na estrutura das músicas uns dos outros ou enquanto estávamos praticando, as coisas não sendo tão concretas imediatamente quando começamos a tocar uma música e mudando bastante. Algumas [das músicas] estávamos tocando há dois anos antes de gravá-las. Ao longo desse tempo, provavelmente estavam bem diferentes do estado original.

Sempre é divertido mapear a trajetória de certas músicas: Eu tive essa sensação uma vez, agora é essa coisa viva totalmente diferente.

RJ: É estranho como isso se torna uma coisa própria tão rapidamente.

LF: Então, uma vez que você grava, você sente que está sendo mantido em um estado permanente, o que eu odeio. Às vezes, eu não acho que a música deveria ser gravada porque continua mudando depois disso. Todas as músicas ainda estão mudando para mim porque estamos tocando-as de forma diferente, tocando-as mais rápido ou mais devagar ou com pessoas diferentes cantando. Gravar algo dá a sensação de um estado quase falso permanente.

RJ: Mas é apenas um disco. Apenas um registro de como soou.

Mas alguém pode abrir o Spotify e essa é a única referência que eles têm para as músicas, ao contrário de alguém que te vê tocar ao vivo toda hora.

LF: Acho que se você tocar de forma diferente do jeito que está gravado, parece que você mudou.

NPR mencionou algo interessante quando escreveram que muitas músicas carecem de sinceridade quando se trata de amor. Você acha que tem essa sinceridade? O que realmente é preciso para ser sincero na música?

LF: Acho que é sincero. É engraçado olhar para trás nessas músicas agora que gravamos e escrevemos há bastante tempo. Estou completamente certo de que cada coisa que dissemos é sincera e verdadeira. Isso é definitivamente algo que não posso [criticar] de forma alguma.

Quais são os momentos que te inspiram a escrever?

LF: Muitas vezes sinto que não escrevo necessariamente sobre as coisas enquanto acontecem. Eu sempre escrevo sobre coisas que aconteceram algum tempo depois. São apenas eventos e sentimentos que vão sendo editados nas letras. Observações sobre as coisas. Teve uma música que escrevi para tentar lembrar de onde cresci antes de me mudar porque eu queria especificamente lembrar disso. Era quase uma nota mental.

Qual música foi essa?

LF: Algumas partes de “Strange Light.” O Riley escreveu muitas dessas letras também. Originalmente, tinha um monte de outras letras, mas esse era o propósito original daquelas músicas.

Quanto o tempo e o lugar influenciam a maneira como você escreve letras?

James Harrison: Talvez o tempo e o lugar desempenhem um grande papel nisso, porque quando escrevo, algo acontece e eu volto para casa e talvez eu tenha um pouco para beber. Gosto de muitas bandas de Brisbane e algumas delas fazem minha música soar como outras bandas de Brisbane.

LF: Acho que esse disco é muito sobre tempo e lugar para mim. Brisbane em 2015, 2016, início de 2017. Eu penso muito em termos de anos.

O que estava acontecendo nas suas vidas em Brisbane em 2015?

LF: Eu estava na 11ª série, o Riley e o James estavam na 12ª. Foi um tempo emocionalmente confuso. Para mim, foi sobre estar apaixonado pela primeira vez e estar tão sobrecarregado por isso.

JH: Eu estava na 12ª série e foi confuso e um pouco apaixonante.

LF: Para mim, esse álbum fala muito sobre ansiedade. O último álbum, o primeiro, lembro de pensar que soava realmente deprimido e este soa mais ansioso do que deprimido.

Você está passando por todas as emoções.

JH: Acho que a ansiedade é uma grande parte disso.

LF: Você tem que se focar em uma certa coisa. No momento, estou principalmente escrevendo sobre medo e [quando] você muda esses tópicos ou essas motivações, que sentimentos se transformam em escrita? Você ainda sente todas as outras coisas, mas qual ponto do seu pensamento está indo para uma música?

Até a maneira como o álbum saiu, sonoramente, é um pouco mais animado. Isso se traduz em um som mais ansioso.

RJ: É rápido e eu estava apenas pensando em ritmos e tentando tornar os ritmos mais interessantes neste. Estou esperando que nosso próximo álbum não soe como ansiedade.

Com o que você espera que soe?

RJ: Apenas um pouco mais cósmico.

JH: Ser cósmico seria muito melhor.

RJ: Quem sabe se é possível não criar algo como um produto de negatividade ou angústia. Pode não ser possível. Talvez seja possível, mas não vamos gostar.

Porque existe essa noção de que da dor vem uma grande arte.

RJ: Pode vir dos primeiros músicos de blues que escrevem a música mais dolorosa, de partir o coração, linda. Talvez tenhamos que nos tornar mais dolorosos ou algo assim. Talvez não seja o suficiente.

JH: Eu não acho que seja suficiente.

LF: Acho que músicas podem vir de se sentir realmente bem também. Muita boa música vem de se sentir incrível. Talvez seja mais uma ideia que vem da dor porque muitas vezes, quando as pessoas se sentem muito bem, estão tão envolvidas nisso que não querem escrever sobre isso.

Escrever te aproxima de uma clareza sobre as coisas que você escreve?

LF: Até certo ponto. Às vezes não traz clareza nenhuma. Fica quase mais confuso e mais frustrante porque a música e o que você faz com ela tem limites. É difícil transformar algo em alguns sons e palavras.

RJ: Acho que com este álbum pensamos que poderíamos fazer isso. Para mim, parecia que poderíamos fazer isso sendo o mais completamente honestos possível. Ouvíamos tanta música que não parecia honesta e realmente valorizávamos quando era. Não sei se teria a mesma abordagem agora. Definitivamente, gostaria de permanecer sempre honesto, mas também gostaria de ser mais brincalhão com isso.

LF: Acho que você começa a perceber que, apenas descrevendo as coisas exatamente como aconteceram, não vai dar às pessoas a sensação que você teve. Essa foi uma coisa estranha para eu perceber. Você não pode comunicar essas coisas.