Digital/Divisão: Música eletrônica de setembro analisada

Algo muda no ambiente quando você ouve Loraine James’ “Glitch Bitch.” A eletricidade crepita no ar e a gravidade parece notavelmente mais pesada enquanto o impulso da música e seu mantra cheio de palavrões fazem o que você estava ouvindo antes parecer insignificante ou antiquado. Este é o começo de uma coroação, a chegada de uma artista operando em um nível superior de originalidade.

Desde Untrue de Burial, um álbum não capturava e encapsulava um Londres pessoal e oculto tão bem quanto For You & I (Hyperdub), a impressionante estreia de James na duradoura gravadora de Kode9. A estrutura aqui se divide em dois, abordando sua queerness em uma pátria volátil e potencialmente hostil, enquanto ela se reconcilia com sua criação no conjunto habitacional Enfield, ao norte de Londres. Bass, grime, e formas de gênero menos definidas dão peso aos procedimentos aqui, com emoções e ideias girando no éter de “Hand Drops” e o plink-plonk de videogame da faixa-título.

Sobre beats amassados e loops trêmulos, James murmura estrofes repetidas e cheias de medo em “So Scared” que expandem seu significado poético com o tempo. Frequentemente, no entanto, ela opta por deixar outros falarem por ela, ou pelo menos fornecer contexto para os mundos que ela navega. O rapper Le3 BLACK se faz ouvir no meio da loucura esmagadora de “London Ting / Dark As Fuck”, enquanto o cantor Theo deriva junto com os nervos à flor da pele de “Sensual.” “My Future” provoca um cenário de cultura clubística, sua hesitação provando ser um desvio que leva ao retorno de Le3 e a mais reflexões sobre relacionamentos. (Notavelmente, a namorada de James faz a parte em “Glitch Bitch.”)

Orgulho, preocupação, amor, e luto fluem ao longo de For You & I, sua singularidade e honestidade velada combinando bem com a alma trêmula e a gotejamento meditativo do material. A maneira solta e libertadora com a qual James une essas faixas revela uma visão de auteur, algo não facilmente decifrável nem digerível em uma única audição. Recompensando a cada replay, a complexidade da humanidade e da maquinaria aqui entrelaçadas tem pouco a ver com os tropos distópicos da ficção, mas sim com as realidades despidas da vida dela.

Cashmere Cat: Princess Catgirl (Mad Love / Interscope)

Em uma era de avatares proprietários de animoji a bitmoji, a felina antropomorfizada de Princess Catgirl deveria marcar a chegada há muito esperada e temida da estrela pop virtual. Chegando dois anos após o esforço comercial R&B dançante e ascendente 9, o último projeto de Cashmere Cat, em vez disso, banha-se no vale desconcertante, esotericamente alegre e coberto com um verniz glutinoso. Além da estética de videogame de realidade virtual da arte e de sua persona conceitual correspondente, este disco alegremente exala um deleite por padrão. Um produtor por trás do sucesso atual de Shawn Mendes e Camila Cabello, “Señorita,” ele mantém esse ouvido atento para a prontidão ao rádio enquanto o torce em algo sobrenaturalmente convidativo e contagiante. Com a ajuda de colaboradores como Benny Blanco e Sophie, canções como “Back For You” e o deepfake Christina Aguilera “Watergirl” voam em um espaço onde o clubland e candyland colidem. Um sonho febril peludo até o fim, Princess Catgirl fecha com o que só pode ser descrito como uma música tema para a heroína titular.

Hide: Hell Is Here (Dais)

Lembrando o radicalismo do Hardcore Digital do início do século, tanto quanto a cena de eletrônica de poder do mesmo período, Hell Is Here torna a mensagem desta dupla de Chicago tão desconfortavelmente clara quanto possível. Sem tempo para gentilezas, a introdução cáustica “Chainsaw” reencena um assédio hediondo, mas perturbadoramente normalizado, sobre texturas abrasivas. Ao contrário do techno industrial e dos retrocessos EBM que marcam essa cena, a eletrônica de Hide tem mais um efeito punk rock, dando aos vocais gritados de Heather Gabel uma fundação genuinamente tumultuada para ecoar. O resultado dessa mistura confrontadora leva prontamente à metralhadora fria de “SSSD” e ao martelar sombrio de “Everyone’s Dead.” E enquanto aqueles que esperam dançar a noite toda não encontrarão muito para mexer os pés em Hell Is Here, exceto talvez pela batida catártica que sustenta “Grief,” quem se atrever a enfrentar essa bomba de verdade brutal sairá melhor por tê-la experimentado.

patten: Flex (555-5555)

Reduzido de duo a solo, patten retorna com um álbum melhor descrito como um modo de viagem no tempo. A faixa inicial “Flame” desliza com a sensação clássica de Inteligência Artificial, a iteração crucial do techno que primeiro colocou o antigo lar do selo Warp Records no mapa. A partir daí, no entanto, Flex rapidamente pivota para um futuro não tão distante com o gaguejar do trap em “Night Vision” e os recortes garageiros de “Slipstream,” antes de deslizar de volta ao junglismo irregular em “Chimera.” Uma disposição para saltar através de uma multidão de sons de clube define este álbum, a melhor saída desde a estreia há mais de uma década. Mesmo quando a batida tende a mudar radicalmente de faixa para faixa, passando por ritmos de baixo deconstruídos com energias simultaneamente devocionais e destrutivas, ele mantém as coisas juntas sonicamente. Muito disso tem a ver com a maneira como patten tende a tratar a voz aqui, com trechos cortados e repetidos de fala e canto unindo os mundos colapsados ​​retratos em “Infrared” e “Shadowcast.”

Wolfram: Amadeus (DFA)

Quando Daft Punk lançou o deslumbrante Discovery em 2001, buscadores de discos e observadores de trens foram rápidos em citar suas fontes. Embora parte disso pareça ser uma certa vergonha de amostra destinada a desbancar os sonics por trás de singles emblemáticos como “One More Time” e “Harder, Better, Faster, Stronger,” o que a dupla fez com o material original acabou superando as críticas. Um impulso inicial semelhante me tomou enquanto eu ouvia “What Is It Like” de Wolfram, que assume sua vibe etno-techno diretamente de “While The Earth Sleeps” de Peter Gabriel e Deep Forest, um clássico perdido de 1995. No entanto, não muito tempo depois da minha segunda audição, me soltei o suficiente para perceber como isso importa pouco em um álbum tão ousado para ser chamado de Amadeus. Independentemente de quanto ou quão pouco o produtor baseado em Viena realmente produziu aqui, o álbum tem objetivos altruístas em celebrar o gênero Eurodance agora fora de moda. Para seu crédito, convidados como Egyptian Lover e Haddaway participam livremente, este último emprestando sua voz ao house dirigido pelo piano de “My Love Is For Real.”