Revisão da Música Eletrônica de Setembro: Digital/Divide

Algo na sala muda quando você ouve Loraine James’ “Glitch Bitch.” A eletricidade estala no ar e a gravidade parece notavelmente mais pesada enquanto o impulso da música e o mantra de palavrões fazem qualquer outra coisa que você estivesse ouvindo antes soar leve ou antiquada. Isso é o início de uma coroação, a introdução de uma artista operando em um nível mais alto de arte.

Desde o Untrue do Burial, um álbum não capture e encapsule uma Londres pessoal escondida como ** For You & I (Hyperdub)**, a deslumbrante estreia de James para o selo eternamente essencial de Kode9. A estrutura aqui se divide em duas, abordando sua diversidade em uma terra natal volátil e potencialmente hostil enquanto aceita a criação da nativa de North London na propriedade de Enfield. Bass, grime e formas de gênero menos definidas conferem peso aos acontecimentos aqui, com emoções e ideias girando juntas no éter de “Hand Drops” e o plink-plonk de videogame da faixa-título.

Sobre batidas amen picadas e loops sonolentos, James murmura estrofes repetidas cheias de medo em “So Scared” que expandem seu significado poético ao longo do tempo. Frequentemente, no entanto, ela opta por deixar outros falarem por ela, ou pelo menos fornecer contexto para os mundos que navega. O rapper Le3 BLACK se faz ouvir através da loucura esmagadora de “London Ting / Dark As Fuck,” enquanto o cantor Theo flutua junto com os nervos tremulantes de “Sensual.” “My Future” provoca a cultura do clube, sua hesitação provando ser uma distração que leva ao retorno de Le3 e a reflexões mais pensativas sobre relacionamentos. (Notavelmente, a namorada de James faz a parte em “Glitch Bitch.”)

Orgulho, preocupação, amor e luto fluem ao longo de For You & I, sua singularidade e honestidade velada bastante adequadas para a alma trêmula e o gotejamento meditativo do material. A maneira solta e libertadora como James junta essas faixas expõe a visão de uma autora, algo que não é facilmente decifrável ou digerível em uma única ouvida. Recompensador a cada rewind, a complexidade da humanidade e da maquinaria entrelaçadas aqui tem pouco a ver com os tropos distópicos da ficção, mas sim com as realidades cruas de sua vida.

Cashmere Cat: Princess Catgirl (Mad Love / Interscope)

Em uma era de avatares proprietários, de animoji a bitmoji, o felino de cartoon antropomorfizado de Princess Catgirl deveria marcar a chegada há muito esperada e muitas vezes temida da popstar virtual. Chegando dois anos após o esforço comercial em ascensão R&B dance 9, o mais recente projeto de Cashmere Cat se banha em um vale estranhamente fascinante, alegremente esotérico e fortemente coberto por um verniz glutinoso. Além da estética do videogame de realidade virtual da arte e sua correspondente persona conceitual, este registro leve exala alegria por default. Um produtor por trás do sucesso atual “Señorita" de Shawn Mendes e Camila Cabello, ele mantém aquele ouvido afiado para a prontidão do rádio enquanto o torce em algo artificialmente convidativo e contagioso. Com a ajuda de colaboradores como Benny Blanco e Sophie, músicas como “Back For You” e a deepfake de Christina Aguilera “Watergirl” voam em um espaço onde o mundo dos clubes e da terra dos doces colidem. Um sonho febril peludo até o fim, Princess Catgirl encerra com o que só pode ser descrito como uma canção tema para a heroína titular.

Hide: Hell Is Here (Dais)

Relembrando o radicalismo do Digital Hardcore do início do século tanto quanto a cena de power electronics do mesmo período, Hell Is Here torna a mensagem deste duo de Chicago tão desconfortavelmente clara quanto possível. Sem tempo para gentilezas, a introdução cáustica “Chainsaw” reencena um assobio hediondo, mas disturbadoramente normalizado, sobre texturas abrasivas. Ao contrário dos retornos de techno industrial e EBM que marcam principalmente essa cena, a eletrônica do Hide tem mais um efeito punk rock, dando aos vocais gritados de Heather Gabel uma fundação genuinamente beco sem saída para ressoar. O resultado dessa mistura confrontacional leva a rapidamente à metralhadora fria de “SSSD” e ao soco sombrio de “Everyone’s Dead.” E enquanto aqueles que esperam dançar a noite toda não encontrarão muito para mover seus pés em Hell Is Here, exceto talvez pelo golpe catártico que fundamenta “Grief,” qualquer um que enfrentar essa verdade brutal sairá melhor por ter experienciado.

patten: Flex (555-5555)

Diminuído de duo para solo, patten retorna com um álbum melhor descrito como um modo de viagem no tempo. A abertura “Flame” desliza com a sensação clássica de Artificial Intelligence, a iteração crucial do techno que colocou pela primeira vez a antiga casa do projeto, Warp Records, no mapa. A partir daí, no entanto, Flex rapidamente se desvia para um futuro não muito distante com o stutter de trap de “Night Vision” e os cortes garageiros de “Slipstream,” antes de deslizar de volta para o junglismo agitado em “Chimera.” Uma disposição para saltar quântico através de uma miríade de sons de clube define este registro, a melhor apresentação desde sua estreia há mais de uma década. Mesmo com a batida mudando radicalmente de faixa para faixa, movendo-se através de ritmos de bass desconstruídos com energias simultaneamente devocionais e destrutivas, ele mantém tudo coeso sonoramente. Grande parte disso se deve à maneira como patten tende a tratar a voz aqui, com trechos cortados e loopados de fala e canto unindo os mundos colapsantes que aparecem em “Infrared” e “Shadowcast.”

Wolfram: Amadeus (DFA)

Quando o Daft Punk lançou o resplandecente Discovery em 2001, os garimpeiros de vinil e caçadores de referência foram rápidos em citar suas fontes. Enquanto alguns disso parecia um envergonhamento de amostras destinado a desmascarar os sons por trás de singles icônicos como “One More Time” e “Harder, Better, Faster, Stronger,” o que a dupla fez com o material fonte acabou superando as críticas. Uma urge de “professora” semelhante inicialmente me dominou enquanto ouvia “What Is It Like” de Wolfram, que arranca sua vibração etno-tecnológica integralmente de Peter Gabriel e Deep Forest, perdida em seu clássico de 1995 “While The Earth Sleeps.” No entanto, não muito depois da minha segunda ouvida, eu relaxei o suficiente para perceber o quão pouco isso importa em um álbum tão ousado a ponto de ser chamado de Amadeus. Independentemente de quanto ou quão pouco o produtor baseado em Viena realmente produziu aqui, o álbum tem objetivos altruístas em celebrar o agora fora de moda gênero Eurodance. Além de seu crédito, convidados como Egyptian Lover e Haddaway participam livremente, sendo este último emprestando suas vozes para a house impulsionada por piano de “My Love Is For Real.”