O samba rock radical de Jorge Ben em ‘África Brasil’

Como Bob Dylan deixando para trás a cena folk, pegando uma guitarra elétrica e surpreendendo a plateia em Newport com um set de blues-rock elétrico uma década antes, África Brasil, de Jorge Ben, causou ondas de choque em seu público fiel. Em África Brasil, Ben abandonou seu estilo característico de “samba-soul” ou “samba-rock” acústico, trocou para a guitarra elétrica e transformou sua abordagem, entregando um conjunto de faixas que fundiam os elementos centrais de sua abordagem ao samba com grooves de funk intensos. Além da mudança estilística, as letras de Ben exibiam um sentido maior de orgulho negro.

África Brasil mostra que Ben estava bastante sintonizado com a cena em evolução da América Negra. O surgimento do nacionalismo negro e do estilo funk andaram de mãos dadas nos Estados Unidos no final dos anos 1960 e início dos anos 1970. Muitos jovens ativistas afro-americanos rejeitaram a agenda de integração “Freedom Now” e apoiaram um novo conceito — “Black Power”, que representava uma demanda por autodeterminação em termos de política, economia, educação e cultura, e pedia por uma autodefinição como povo africano ligado às lutas pela liberdade em toda a Diáspora. Inspirados pelo mandato do Black Power, uma onda de artistas afro-americanos se reuniu para formar o Movimento das Artes Negras, uma demanda pelo uso de imagens, símbolos, formas e figuras culturais negras para criar arte, e uma maneira negra de julgar a arte.

Um relembrar da herança africana e a conexão dos povos africanos em todo o mundo, o Pan-Africanismo era central para essa autodefinição. Esses conceitos encontraram seu caminho na música soul que dominava as paradas de discos negros durante os anos 60, talvez expressos de forma mais crucial em 1968, quando James Brown lançou “Say It Loud, I’m Black and I’m Proud”. Essa mudança é evidente na música de Curtis Mayfield, à medida que hinos dos Direitos Civis como “People Get Ready” e “Keep On Pushing” deram lugar a declarações nacionalistas negras como “This Is My Country” e “We People Who Are Darker Than Blue”, ou de maneira ainda mais enfática, na reformulação de “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)” de Sly & the Family Stone como “Thank You For Talking To Me Africa”. A influência também é evidente na Stax Records em Memphis, onde Isaac Hayes lançou o opus de funk orquestrado Black Moses, e o selo organizou um “Woodstock Negro” com o festival Wattstax em Los Angeles. Eventualmente, esses temas seriam adotados por artistas da máquina de hits crossover da Motown, com músicas como “Black Man” de Stevie Wonder e “Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)” de Marvin Gaye.

Com Brown e Sly Stone à frente, o R&B evoluiu para esse novo estilo chamado “funk”, com seu grave pesado e ênfase polirrítmica no downbeat — o primeiro beat de um compasso de quatro tempos (celebrado por Brown como “The One”), e todos os instrumentos da banda se alternando e dirigindo o groove. A abordagem foi ainda mais refinada em New Orleans, quando o produtor/compositor Allen Toussaint recrutou os Meters como uma seção de ritmo da casa em seus estúdios Sea-Saint para gerar performances ferozmente groovy, inclusive sua própria “Africa.” As inovações rítmicas de Brown tiveram implicações pan-africanas na música de Fela Kuti, o multi-instrumentista nigeriano, cantor e incendiário político. Fela passou um tempo em Los Angeles em 1969 e foi inserido nos conceitos de Black Power através de um relacionamento com um membro do Partido dos Panteras Negras. Ele levou essa nova consciência política de volta a Lagos e fundiu as inovações do funk de Brown com ritmos africanos tradicionais no que foi chamado de Afrobeat. Os grooves funky criados por Brown, Sly, Mayfield, Wonder, Hayes, os Meters e Fela, junto com essa nova consciência negra, estão profundamente entrelaçados nos sambas de África Brasil de Ben.

As raízes do samba no Brasil mergulham profundamente nas tradições culturais e artísticas lembradas dos descendentes de africanos escravizados. Mais africanos foram transportados para o Brasil do que para qualquer outro país nas Américas. Fundada em 1549, Salvador da Bahia foi a primeira capital das colônias portuguesas e foi o ponto de entrada de um vasto número de africanos no Brasil. O “Samba-de-roda” era uma música de dança polirrítmica baseada em percussão africana que prosperou no Recôncavo da Bahia — a região de plantação ao redor da baía sob a qual Salvador preside — e foi levada ao Rio de Janeiro conforme os baianos ganharam mobilidade após a Abolição em 1888. O samba floresceu no Rio e, como o jazz e o blues, é um gênero que inclui uma ampla variedade de variações estilísticas que evoluíram durante a primeira metade do século 20, indo desde as grandes escolas de desfile de Carnaval movidas a percussão de “samba-enredo” até a ênfase mais lenta e suave na melodia e nas letras do “samba-canção”. Durante os anos 1950, a fusão do “samba-canção” com o “cool” jazz dos artistas americanos como Chet Baker, Charlie Byrd, Miles Davis e Stan Getz produziu os sons da Bossa Nova (Balanço Novo), que gerou uma loucura internacional pela música brasileira. E foi nessa cena, no início dos anos 1960, que Jorge Ben deixou sua marca pela primeira vez.

Nascido Jorge Duillo Menezes de um pai trabalhador portuário brasileiro e uma mãe etíope em 1945 no Rio de Janeiro, Ben adotou o nome de solteira de sua mãe quando começou sua carreira musical, que ele mudou para Jorge Ben Jor em 1989. Principalmente autodidata no violão acústico, ele desenvolveu um estilo peculiar que enfatizava a batida rítmica conduzida das cordas mais baixas. Embora ele sonhasse em se tornar um jogador de futebol, começou a trabalhar em pequenos clubes no Rio e fez sucesso com “Mas Que Nada” em 1963. A música rendeu a Ben renome internacional quando o cover de Sergio Mendes subiu nas paradas pop em 1966, solidificando Ben como um compositor cujas músicas eram regularmente interpretadas por uma ampla gama de artistas brasileiros e internacionais.

Os anos 1960 no Brasil foram tempos tumultuados. Após um golpe político em 1964, uma ditadura militar estava no controle durante os anos 1970, e a censura e a repressão eram frequentemente dirigidas aos músicos considerados subversivos. A cena musical brasileira em si era igualmente tumultuada — e gloriosamente variada e criativa. Dois grandes movimentos musicais estavam em conflito. O Música Popular Brasileira (MPB) era baseado no acústico e dedicado a se inspirar nas raízes tradicionais do Brasil ao se fundir com influências externas, como rock, jazz e pop, e frequentemente apresentava letras sofisticadas. A Jovem Guarda era orientada para o rock 'n' roll americano e britânico da invasão. O estilo distinto de Ben permitiu-lhe atravessar ambos os movimentos. Em 1967, ele se mudou para São Paulo e começou a buscar influências diversas, incluindo blues, rock, soul, jazz e pop. A mudança também fomentou uma associação com Gilberto Gil e Caetano Veloso, dois músicos baianos que eram figuras centrais na criação do movimento Tropicália (ou Tropicalismo). A Tropicália era um movimento artístico que defendia um “canibalismo cultural”, misturando samba e formas tradicionais brasileiras com uma ampla gama de influências internacionais, incluindo o turbilhão alucinógeno do rock psicodélico. Ben nunca foi estritamente parte do movimento, embora certamente tenha interagido com Gil e Veloso e explorado territórios musicais semelhantes, como evidenciado em seu álbum de 1969 Jorge Ben, que apresenta sua abordagem característica ao samba acústico infundida com folk rock à la Beatles e seções de metais inspiradas na música soul.

Durante o início dos anos 70, Ben lançou uma série de álbuns que testemunharam sua brilhante criatividade. Foi durante esse período que a aceitação do movimento de consciência negra afro-brasileira por parte de Ben começou a emergir. A capa do álbum inspirado em psicodelia Jorge Ben apresenta uma ilustração de Ben usando manilhas quebradas, e ele intitulou seu álbum de 1971 Negro É Lindo, que, além da faixa-título, apresentava músicas como “Cassius Marcelo Clay” (“Soul brother, soul boxer, soul man”). Apesar da ampla variedade de influências que Ben foi capaz de fundir em seu som de samba acústico ainda predominante, nada poderia ter preparado os ouvintes para a guitarra elétrica esmagadora e os grooves funk borbulhantes que explodiram de África Brasil.

Em 1976, Ben colaborou com Gil para lançar Gil E Jorge, uma jam session acústica despojada e livre com os dois líderes duelando vocal e instrumentalmente. A abordagem a África Brasil, lançada mais tarde naquele ano, era um contraste total. Ben meticulosamente elaborou uma gravação profundamente camadas e texturizada, entrelaçando seu trabalho de guitarra elétrica multi-faixas com linhas de baixo de funk profundo; uma falange de percussionistas; uma seção de metais; e vocais principais e de fundo. Muitas das faixas apresentam de forma proeminente a cuíca, o distintivo tambor de samba de origem africana que produz um som chiado semelhante a uma voz — graças à sua cabeça de tom variável — em meio às performances de funk elétrico borbulhantes, enquanto Ben usa a cuíca como uma voz que dá à música uma identidade brasileira essencial. O álbum também testemunha a adoção completa de Ben à guitarra elétrica. E as influências do R&B americano certamente brilham, como traços de Chuck Berry, Bo Diddley, Jimmy Nolen (de James Brown), Mayfield e Leo Nocentelli dos Meters surgem na mistura fervilhante. Credenciado por tocar “Guitarra solo, Guitarra Centro, Phase Guitar,” Ben constrói partes de guitarra complexas e interligadas, incluindo trabalho rítmico de “raspagem de frango” cortante, acordes robustos e solos de blues com notas únicas.

Enquanto África Brasil é radicalmente diferente de qualquer coisa que ele tenha lançado anteriormente, ainda é identificavelmente Jorge Ben, graças ao seu som e estilo vocal característicos. Sua voz é destacada por uma huskiness quente e vibrante, e ele infunde seu canto com um humor irônico, uma dor de alma e uma sensualidade cativante. Ben adora brincar com o som das palavras, e ele dirige e anima uma música com uma dedicação à repetição de palavras e sons não literais que funcionam como ganchos instrumentais. Em gravações anteriores, Ben frequentemente apresentava vocalistas de apoio cantando em harmonia em suas melodias sedutoras, mas em África Brasil a ênfase é muito mais no empurrão/puxão da abordagem de chamada e resposta que era tão integral ao Afrobeat de Fela.

Enquanto a dedicação ao Pan-Africanismo é inegável em muitas faixas, Ben também continua explorando temas familiares com suas letras frequentemente enganosamente simples: seu fanatismo por futebol e uma fascinação por alquimia e mitos. A mudança estilística para o funk é ainda mais enfatizada por Ben ao reformular quatro músicas de gravações anteriores de samba acústico. O álbum abre com “Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)”, uma saudação a um jogador de futebol africano. “Hermes Trismegisto Escreveu” inclui o refrão de uma música previamente gravada sobre um figura da mitologia egípcia e grega que escreveu sobre alquimia. Mais mitos e misticismo são aparentes em “O Filósofo”. “Meus Filhos, Meu Tesouro” proclama exuberantemente seu amor por crianças e suas aspirações. Originalmente gravada em 1964, “O Plebeu” apresenta um homem pobre confiante de que sua promessa de amor a uma princesa será cumprida. “Taj Mahal” (o palácio indiano) novamente olha para um passado místico e é, talvez, a faixa mais familiar do álbum — não porque tenha sido um hit para Ben com uma de suas múltiplas gravações anteriores — mas porque Rod Stewart roubou seu gancho contagiante e o transformou em “Da Ya Think I'm Sexy” (e perdeu um processo por plágio por isso). Com “Xica da Silva,” Ben combina seu interesse em mito e lenda com a herança afro-brasileira ao exaltar uma figura histórica negra (ele martela consistentemente “a negra”), que transcendeu a escravidão, casou-se com um rico latifundiário branco e se tornou a senhora do engenho. Ele constrói seu próprio mito com “A História de Jorge”, uma música sobre um menino que aprende a voar. Heroísmo no futebol é o tema de “Camisa 10 da Gávea”. E o programa termina com duas músicas sobre um herói afro-brasileiro: “Cavaleiro do Cavalo Imaculado” e a faixa-título “África Brasil (Zumbi)”, re-trabalhada de um canto folclórico para um hino desafiador áspero, uma ode ao líder guerreiro de Palmares, afro-brasileiros que escaparam da escravidão e lutaram contra seus opressores.

África Brasil não foi um grande sucesso de vendas para Ben quando foi lançado e, em última análise, começou a ganhar sua reputação como um dos melhores álbuns brasileiros de todos os tempos depois que David Byrne incluiu a faixa de abertura em sua compilação de 1989 Beleza Tropical: Brazil Classics 1. No entanto, é um marco importante na carreira de Jorge Ben. Declarando abertamente sua identidade afro-brasileira sobre grooves de funk guiados pela guitarra elétrica, ele seguiu em frente a partir dos sambas acústicos sobre os quais construiu sua reputação e, no ano seguinte, estava em Londres gravando no Island Studios, estabelecendo-se como uma figura importante na nascente cena musical mundial.