Entrevista: Sunflower Bean

Há apenas quatro anos, Cumming estava prestes a entrar no ensino superior. Kivlen e Faber estavam terminando o primeiro ano quando o trio decidiu seguir a carreira com a Sunflower Bean— a banda que os levou a shows ao redor da cidade de Nova Iorque, incluindo uma bem-sucedida turnê CMJ em 2014— em tempo integral. Em vez disso, esse trio experiente não conquistou seu espaço no campus, mas sim em palcos ao redor do mundo. Seu álbum de estreia Human Ceremony, lançado em 2016, estabeleceu a Sunflower Bean como uma das novas bandas de destaque de Nova Iorque, com um som sofisticado que buscava influências do psicodélico, punk e shoegaze, provando que o trio era mais maduro do que aparentava.

Agora, enquanto a Sunflower Bean se prepara para o lançamento de seu segundo trabalho, Twentytwo In Blue, previsto para 23 de março, eles se baseiam na autoconfiança adquirida ao longo dos anos desde a adolescência até os 20 anos. Embora todos tenham 22 anos, Twentytwo In Blue é o produto de um reconhecimento mais interno do mundo tumultuado ao seu redor.

“Não acho que tenhamos ficado menos existencialistas,” diz Faber, “mas apenas melhoramos em lidar com isso e em como manobrar por esses sentimentos. É engraçado como, em alguns aspectos, você amadurece completamente além de certas coisas, mas se trata de lidar com esses sentimentos de uma maneira mais produtiva.”

O resultado de tal produtividade garante o status da Sunflower Bean como camaleões sonoros. Twentytwo In Blue é um álbum de rock 'n' roll sem vergonha, que não pretende reinventar ou consertar o gênero, mas se destaca como uma masterclass do que o rock poderia ser. Com faixas como “Twentytwo,” “Burn It,” “Puppet Strings” e “Only For A Moment,” a coleção é uma homenagem a Fleetwood Mac, Norman Greenbaum, Three Dog Night, até mesmo Lana Del Rey e ao romance e caos eternos dos anos 70. Cumming prova sua capacidade como uma vocalista transformadora, dançando habilidosamente entre uma doce sereia e uma força vibrante. Quando Kivlen pega o microfone (como faz no single principal “I Was a Fool”), é açucarado, mas ousado, um chamado à curiosidade e à maravilha despojada. Se Human Ceremony era adequado para espaços DIY, Twentytwo In Blue é a trilha sonora para estádios e luxuosos ônibus de turnê.

VMP: Você acha que essa coisa de "Uau, eles estão mais velhos e mais maduros agora" é um clichê? Julia Cumming: Essa é a questão sobre estar no início dos 20 anos: você acha que sabe das coisas um pouco, mas quase definitivamente não sabe nada. Olhando para trás, três anos é sempre tão embaraçoso, o que você estava curtindo e o que você gostava. Quando você está realmente no mundo, criando arte e colocando para fora em vez de apenas pensar sobre isso, você precisa estar OK em tomar decisões e registrar quem você é. Ter a mentalidade de Human Ceremony era quem nós éramos então, e Twentytwo in Blue é quem somos agora.

Há algo super impactante sobre seus 20 anos e as coisas que você cria nessa época. JC: Todos nós concordamos que a adolescência é terrível. Mas talvez para algumas pessoas não seja, mas para a maioria, é muito existencial e dramático.

Mas vocês fizeram isso funcionar criando algo. Jacob Faber: Sim, Human Ceremony foi uma acumulação de tudo que estávamos sentindo em várias das crises existenciais que estávamos enfrentando.

JC: É algo externo e interno. Quando você é adolescente, em Human Ceremony, você precisa colocar seus sentimentos para fora e está gritando no abismo. E você está dizendo, “Olá, este sou eu e assim é como me sinto.” Eu sinto que neste álbum, mais do que na época, queríamos ir para dentro e investigar mais fundo as raízes do porquê nos sentimos assim, as raízes de nós mesmos.

De onde veio essa mudança de mentalidade? JF: É uma questão de tempo e confiança. De uma maneira estranha, acho que é preciso mais confiança e força para olhar para dentro. Leva anos de turnê e prática para ganhar mais confiança e poder ter a vulnerabilidade dentro de si.

JC: Acho que é fácil se esconder atrás de uma tela, e isso não torna nem divertido, nem útil, nem certo qualquer momento que você faça isso. Quando você começa a puxar essa cortina, você precisa ver quem você realmente é. É como usar maquiagem. Em dado momento, você precisa ver o que está por baixo e o que te informa. Nós sabíamos como improvisar e como fazer um show, mas será que somos capazes de fazer as músicas e a arte que realmente queremos? Uma parte libertadora de fazer este álbum foi olhar a composição musical de uma maneira diferente em relação a quem somos.

Em termos de letras, isso se reflete no álbum. Uma linha como “Eu não vou entrar quietamente na noite que me chama mesmo quando estou sozinho” é uma letra super empoderadora. JC: Isso te informa porque te obriga a olhar para isso. Uma palavra que vem à mente: resiliência. Muito do conteúdo lírico e o que estamos tentando retratar é um certo nível de força que precisamos ouvir e também queremos expressar ao ouvinte. Mesmo que seja um tempo triste e esquisito agora, até pessoalmente, é o que você quer: força.

É difícil não abordar o estranho tempo político em que vivemos. É mesmo possível não tocar na política na arte? JC: A menos que você esteja fazendo arte dentro de um vácuo…

JF: Não é evitável.

JC: A maneira como você interage com o mundo vai informar quem você é. O fato de que é um tempo tumultuado e estranho definitivamente influenciou o álbum. Estamos cautelosos ao dizer que é um álbum político. É um disco feito sob circunstâncias particulares e nossa reação a isso é pessoal.

JF: A última turnê que fizemos de Human Ceremony foi no outono de 2016, que foi bem perto da eleição. Estivemos no Reino Unido e na Europa antes disso e, em seguida, rodamos os EUA e ver os letreiros físicos de Trump foi bastante chocante e alarmante. Quando voltamos para casa no início de 2017 e começamos a escrever este álbum, isso estava muito presente em nossas mentes. Pesa.

Qual é o significado do título do álbum? Nick Kivlen: Quando você faz um álbum e tem todas essas músicas e precisa dar um título definidor para elas e chamá-las de algo quando elas são cada uma uma coisa própria, é difícil escolher um título que resuma todas. Estávamos pensando sobre qual era o humor geral das músicas e o que as músicas realmente significam para nós. Twentytwo In Blue foi um nome bem abstrato, mas tangível para dar a todas as músicas coletivamente porque é algo que todas elas compartilham. É a idade que tínhamos quando as escrevemos e fizemos o álbum e o humor que achávamos que permeava a atmosfera do disco.

JC: Estivemos coletando muitas imagens azuis por um longo tempo. Quando estávamos tentando pensar em nomes para este álbum, chegamos a Twentytwo In Blue e pensamos: “Azul é muito triste? Isso vai fazer as pessoas pensarem que isso é algo que não é?”

NK: Acho que com cores pode evocar muitas coisas diferentes. É uma cor clássica e melancólica, mas pode representar um grande céu azul aberto, ou um grande oceano azul ou uma esperança. Acho que isso encapsula o álbum: Nós, com 22 anos, sentindo esse azul.

Quão importantes são as estéticas? JC: Estávamos conversando sobre isso com alguém recentemente e essa pessoa perguntou “E quanto à sinestesia?” Eu não classificaria nós desse jeito, mas um álbum é uma peça de arte realmente engraçada e visceral. Tem alguns elementos que são repetidos várias vezes. Quando você se pensa como um músico, você é o performer, você é um letrista. Você é musical, você está escrevendo poesia, mas a poesia está colocada em forma de música. Coletar esses pensamentos e ideias faz parte da maneira como alguém tem que se apresentar como artista agora e provavelmente sempre, curando quem você é. Acho que há muitas pequenas maneiras, como eu olhando fotos da Cher e todas essas mulheres que são empoderadoras e emocionantes e significam muito para mim e como fazer meu próprio estilo de uma forma que seja glamourosa, divertida, legal e diferente, mas ainda tocando em pessoas que eu amo. É assim: simplesmente curando quem você é.

O que estava acontecendo no contexto maior de suas vidas quando vocês estavam escrevendo este álbum? NK: O marco que pensei foi quando nos reunimos pela primeira vez para tocar em dezembro de 2016, depois de terminar nossa turnê e tivemos algumas semanas de folga da banda. Começamos a tocar e escrever e foi como se uma torneira fosse aberta. Tivemos tantas ideias diferentes e diferentes músicas. Fazia muito tempo que não podíamos tocar só nós três em nosso espaço de ensaio, sem turnê ou fazendo qualquer outra coisa além de tentar criar músicas. Foi quando todos nós ficamos muito empolgados e ativamos o modo hiper-foco para trabalhar no álbum.

JC: A primeira música que trabalhamos em qualquer forma foi “Burn It.” Sempre são esses primeiros passos onde você está tentando um novo som e desafiando uma parte diferente de si mesmo que faz crescer mais, é o mais emocionante. Para mim, tentar diferentes estilos vocais neste álbum e Jacob tentando diferentes estilos de bateria.

O álbum soa como um colagem de vários estilos. JC: Essa é uma crítica que recebemos: soa como uma música de uma banda diferente a cada faixa. Algo sobre a Sunflower Bean que talvez seja diferente de outras bandas é que não temos apenas um único compositor. Mesmo quando temos uma ideia, nossos membros da banda são nossas pessoas de confiança enquanto trabalhamos juntos para criar algo que seja melhor do que como começou. Cada um de nós tem nossas próprias influências que entram no que queremos fazer. O que você acaba tendo é algo bastante dinâmico porque cobre muitos estilos diferentes. Esperançosamente, ao trabalhar com Jacob Portrait da UMO, que coproduziu, e Matt Molnar, acredito que todas as músicas soem como se estivessem no mesmo mundo. Isso é o mais importante. Se elas estivessem em mundos diferentes, isso seria um pouco caótico.

Parece que definitivamente vem de um determinado tempo e lugar. JC: Algo que também temos falado é que queremos ver cada canção até o que uma música deve ser. Você tem uma música como “Twentytwo” ou “Any Way You Like” onde você está escrevendo como, “Eu acho que isso precisa de violinos! Eu acho que isso precisa ser ambicioso como Phil Spector.” Isso não quer dizer que cada faixa do álbum vai ter cordas, mas para deixar cada uma delas respirar e ser a melhor versão de si mesmas, elas vão sair um pouco diferentes umas das outras.

Qual é o seu processo de autoedição? JC: Depende totalmente de cada música. Nós trazemos o que estamos trabalhando em vários níveis de finalização. Às vezes é um riff, às vezes são palavras.

NK: Parece criar um filho. Todos nós chegamos perto dessa ideia de seja lá o que for e temos que criá-la.

JC: Você naturalmente e respeitosamente precisa confiar nas pessoas com quem trabalha para poder abrir sua arte para elas. Acho que temos sorte de confiar tanto um no outro e ter trabalhado juntos realmente próximos por um tempo. Eu sei quando Jacob tem uma ideia para a bateria que é diferente da minha e da do Nick, e deveríamos confiar nele e tentar tudo para chegar ao resultado mais especial.

NK: Às vezes, no entanto, você precisa avançar e colocar um ponto final em algo. Estamos prontos, deixamos de brincar com isso, deixamos ir. Acho que isso também é importante.

Então chega um ponto em que você se pergunta o que estava tentando fazer em primeiro lugar. JC: É fácil ficar paralisado por sua ambição ou pelo que você acha que pode fazer. Isso é muito diferente de realmente colocar as coisas que você ama lá fora para serem ouvidas e amadas ou odiadas. Acho que a música é realmente comunicativa. Quando você a cria, tem essa necessidade de dizer algo ou fazer algo e também a necessidade de compartilhar com as pessoas. Confiar em si mesmo o suficiente para saber onde está o fim e aceitar isso.

Às vezes ficamos muito ambiciosos e isso acaba sendo paralisador. JC: Eu amo ambição e acho que todos nós somos super ambiciosos e é uma coisa ótima, mas é uma daquelas coisas que torna o rock tão legal. Uma das coisas mais libertadoras sobre o punk é que você não precisava ser tecnicamente o melhor para começar. Isso é algo que tentamos dizer às crianças toda vez que elas vêm até nós e conversam conosco nos shows sobre querer formar uma banda: Vá e comece. Pegue uma guitarra, pegue um baixo, encontre seus amigos e apenas comece. É libertador e o resto vai se encaixando.

Essa é a motivação que as pessoas precisam ouvir de alguém que está realmente fazendo isso. JF: Parece fácil, mas eu acho que até você ouvir isso ou alguém te mostrar que é realmente possível, pode parecer impossível. Eu tive o espírito do rock 'n' roll em mim desde criança e, lá no fundo, queria fazer isso, mas não achava que era possível. É importante encontrar pessoas com quem você possa se relacionar e que curtam a mesma música e possam explorar e descobrir essas coisas.

JC: Há uma diferença entre aprender sobre [música] em uma sala de aula, mesmo na melhor sala de aula informada, e realmente fazê-lo.