Meu caminho pessoal de descoberta musical me levou a valorizar álbuns de estúdio acima de qualquer outra forma de música gravada. Dentro de um estúdio de gravação, os artistas têm controle sobre todos os aspectos de sua música. Eles conseguem trabalhar e retrabalhar peças quantas vezes acharem necessárias para transmitir a imagem que têm em mente. Por um bom tempo, eu desconsiderava qualquer álbum que não fosse o resultado coeso de um músico se trancando no estúdio em busca de retratar seu estado de espírito na época. Eu ignorava gravações piratas, compilações e, especialmente, álbuns ao vivo.
Avance alguns anos para a minha fase jazzística e você vai me encontrar procurando gravações piratas do Miles Davis Quintet na Europa, comparando a performance de uma determinada música com a tocada pelos mesmos músicos algumas noites depois. Os fãs de jazz não vão deixar eu mentir: Não há maneira melhor de vivenciar o jazz do que a performance ao vivo. Claro, a qualidade do som em alguns locais não é tão boa quanto a de um estúdio de gravação de um milhão de dólares, e a possibilidade de pós-produção não está em pauta. No entanto, a natureza improvisatória do jazz torna a performance ao vivo a maneira essencial de experimentar o gênero.
Existem muitos álbuns de estúdio influentes que você precisa ouvir quando mergulha no jazz. Vá em frente, coloque esses discos para tocar e deixe que eles ampliem seus horizontes musicais. Mas se você realmente quer entender o gênero, ouvir álbuns ao vivo dará a você uma perspectiva e um prazer diferentes. Eles deixarão você olhar dentro das cabeças dos intérpretes, enquanto eles se alimentam da audiência e tentam ao máximo transmitir o que está em sua mente em uma determinada noite. Sem segundas chances, sem overdubs de estúdio, apenas emoção pura e genialidade improvisatória. A seguir estão alguns dos melhores álbuns de jazz ao vivo disponíveis em vinil, e uma espécie de guia para você expandir seu conhecimento de jazz e coleção de discos.
Não só o pianista Bill Evans começou uma revolução dentro de seu próprio instrumento no jazz, mas o trabalho de seu trio redefiniu o papel da seção rítmica no gênero também. Esta apresentação de 1961 no Village Vanguard de Nova York, acompanhada pelo baterista Paul Motian e o baixista Scott LaFaro, é talvez o ápice da carreira de Evans e também uma das gravações mais influentes da história do jazz. Os três músicos exibem um nível excepcional de empatia enquanto se engajam em uma improvisação coletiva onde um instrumento sinaliza um caminho e os outros logo seguem, elevando a ideia musical e adicionando suas próprias vozes em uma conversa democrática. Os instrumentos mudam de papéis durante cada apresentação, com o baixo alternando entre uma sólida fundação rítmica, um pano de fundo harmônico e uma contraponto melódico. LaFaro constantemente desafia Evans, lançando desafios para ele responder através do uso brilhante de cor e harmonia ao piano. Conversas distantes e o som de copos batendo transportam o ouvinte para o ambiente íntimo deste pequeno clube de jazz, amplificando a sensação sincera da música.
A gravação desta apresentação de 1957 entre dois dos maiores arquitetos do jazz ficou guardada em um cofre por décadas até ser descoberta e lançada em 2005. Além do valor puramente musical deste registro, a descoberta de At Carnegie Hall é de enorme importância histórica, pois captura um ponto de virada na carreira de John Coltrane. Trane enfrenta o desafio de adaptar seus rápidos arpejos às ricas harmonias de Monk e à sua fraseologia não convencional, resultando em uma execução rápida e abrangente com complexas implicações harmônicas que ele desenvolveria ainda mais em sua famosa técnica "Sheets of Sound". As belas apresentações deste registro tocam uma miríade de sentimentos enquanto o quarteto alterna entre toques doces, românticos, melancólicos, estranhos e alegres. O uso característico de Monk da dissonância e da pausa é perfeitamente complementado pela banda, que se adapta e preenche as lacunas com acentos polirrítmicos e embelezamentos melódicos. É difícil subestimar a importância histórica deste álbum que representa a passagem do bastão, mas não deixe que isso distraia você da qualidade soberba que essas apresentações possuem.
Esta data registrada durante a temporada de estreia de Charles Lloyd como líder apresenta um grupo imbatível de músicos coadjuvantes. O saxofonista e flautista é apoiado (ou devo dizer desafiado) por um jovem Keith Jarrett ao piano, Jack DeJohnette na bateria e Cecil McBee no contrabaixo. O resultado desse confronto de titãs é uma apresentação onde todas as forças parecem puxar e empurrar em direções diferentes. Uma vez que uma voz dominante se destaca da argumentação coletiva, o restante da banda segue, permitindo que um novo instrumento mostre a próxima direção que a apresentação tomará. Não é surpresa, então, que a música encontrada em Forest Flower esteja sempre se transformando, transicionando sem esforço entre o misterioso, cerebral, belo, sensual, apaixonado e intenso. A banda traz elementos de jazz livre, música latina e do Oriente Médio para criar uma forma única de pós-bop que seria de enorme influência nos anos subsequentes.
Poucos conseguem superar Sonny Rollins quando se trata de improvisação. O tenorista pode não ser o músico mais ousado, nem o líder de banda mais à frente de seu tempo, mas a forma como ele constrói e libera tensão durante seus solos lhe rendeu um lugar no panteão do jazz. Estas apresentações de 1957 no Village Vanguard foram algumas das primeiras que ele fez como líder, no entanto A Night at the Village Vanguard é classificado como um dos álbuns mais importantes tanto no catálogo de Rollins quanto na história do gênero. Apoiado apenas por baixo e bateria, o Colosso do Saxofone enfrenta o desafio de preencher os deveres harmônicos normalmente realizados pelo piano. O ambiente incomum serve a banda de maneira surpreendente, dando a todos os três instrumentos espaço suficiente para adicionar cor, complexidade rítmica e harmônica. Rollins estica suas linhas melódicas em todas as direções, desviando das melodias padrões do bop para territórios polifônicos. Este registro captura algumas das apresentações mais intensas já gravadas por Sonny Rollins, e algumas das mais aventureiras também.
É difícil pensar em uma equipe melhor em toda a história do jazz do que a composta por Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus e Max Roach. Inúmeros combos históricos ficam aquém em comparação quando se trata do impacto que cada um desses músicos teve em seu próprio instrumento e no gênero como um todo. No entanto, “The Quintet” tocou junto apenas uma vez; um show que desde então foi apelidado por alguns de “O maior concerto de jazz de todos os tempos.” Ter esses músicos lendários tocando lado a lado ilumina o caráter e o pensamento individual presentes na execução de cada um. Ao longo de um set repleto de padrões de bebop, Parker soa virtuoso e cerebral, Dizzy toca de forma meditativa e apaixonada, Powell é preciso ao acompanhar e inventivo ao solo, enquanto os complexos padrões polirrítmicos de Mingus e Roach mostram que eles estavam à frente de seu tempo no que diz respeito ao baixo e à bateria. Jazz at Massey Hall é uma escuta divertida e esclarecedora que captura alguns dos maiores músicos que já tocaram no subgênero bebop, incorporando tudo que o estilo representa.
A música de Charles Mingus habita uma linha estreita entre mundos aparentemente opostos. O trabalho do baixista e compositor está profundamente enraizado na tradição africana, ao mesmo tempo que abraça elementos de vanguarda e estéticas clássicas. As palmas, gritos e improvisações coletivas ao longo de Mingus at Antibes mostram conexões com a música africana, enquanto os arranjos e harmonias de metais tomam emprestado de compositores impressionistas europeus. Com a ajuda de sua banda, além de um Bud Powell estelar em "I'll Remember April", Mingus consegue embalar toda essa linhagem em uma experiência coerente e única. As estruturas ditadas por Mingus se soltam e se adaptam para se encaixar na energia e emoção do solista em um determinado momento. Um Eric Dolphy inspirado ao saxofone alto e clarinete baixo navega entre os mundos do jazz tradicional e do jazz livre, acrescentando à natureza visceral deste álbum.
Diferentemente da maioria dos artistas nesta lista, Duke Ellington não estava no auge quando este álbum foi gravado. Orquestras de jazz haviam sido substituídas por pequenos combos na vanguarda do gênero, mas no Newport Jazz Festival de 1956 o Duke mostrou que ainda tinha talento, revitalizando sua carreira no processo. A banda de Ellington dá uma lição sobre a história do jazz, acenando para o jazz de Nova Orleans, swing de Kansas City e até mesmo um pouco de virtuosidade bebop. Ritmos envolventes e melodias dançantes são tocadas com arranjos lindos e ricos, às vezes em uníssono, outras em contraponto. Os instrumentos empurram a música para frente, saltando para dentro e para fora das melodias, seja como parte de um arranjo orquestrado ou de forma improvisatória. Uma escuta divertida e empolgante, Ellington at Newport ocupa um lugar especial na história do jazz, e deveria ocupar um em sua coleção também.
Em 1961, John Coltrane já havia se estabelecido como uma figura proeminente no jazz, tanto por seu trabalho como líder quanto como coadjuvante com Miles Davis e Thelonious Monk. No entanto, suas apresentações em novembro naquele famoso clube da 7ª avenida naquele mesmo ano mostraram que ele não estava se acomodando tão cedo, estava avançando em todas as direções ao mesmo tempo. A história toda de sua execução pode ser encontrada aqui em poucas palavras: passagens explosivas de hard bop, improvisações modais, melodias espirituais estranhas e overblowing atonal estão todas neste registro. Coltrane capta algumas das belas texturas adicionadas por sua banda aos backdrops, que de outra forma seriam estáticos, e as coloca em evidência com seus solos. A intensa execução de Elvin Jones e McCoy Tyner impulsiona Trane a novos territórios enquanto ele exaure os altos e baixos até mesmo das mais breves ideias musicais. Esses novos territórios, mais tarde imortalizados em álbuns de referência como A Love Supreme e Ascension, têm sua origem nesta fase da carreira de John Coltrane, e temos a sorte de ter Live at the Village Vanguard para documentar esse ponto no caminho musical e espiritual de Trane.
Raramente o público tem a oportunidade de testemunhar avanços musicais no exato momento em que acontecem, e as apresentações de Miles Davis no Plugged Nickel de Chicago estão entre as únicas preciosas exceções na história da música. De acordo com o baterista Tony Williams, a banda decidiu tocar “anti-jazz” sem avisar seu chefe, o resultado dessa sabotagem foi a completa transformação das antigas composições do catálogo de Miles em intensas peças de pós-bop. O trompetista pode ser ouvido hesitando enquanto toda a banda o desafia, eventualmente alcançando e superando-os em seu próprio jogo. Os músicos estão constantemente se desafiando ao longo deste registro, desconstruindo melodias como "So What" e virando-as do avesso com performances rápidas e elaboradas. A música resultante, que fica entre o hard bop melódico e o caos do jazz livre, sinalizou o caminho para as gravações em estúdio de Miles nos anos seguintes, no entanto, muitos consideram as performances em Live at the Plugged Nickel a ter um lugar mais elevado na história do jazz por sua natureza crua e direta.
Vou ser honesto: se esta lista fosse escrita amanhã, provavelmente incluiria um álbum diferente de Keith Jarrett. Seja apoiado por um de seus dois quartetos, em configurações solo como o infame Koln Concert ou com seu "Standards Trio", como é o caso aqui, as performances ao vivo de Jarrett são sempre emocionantes, tornando a escolha de uma entre elas uma tarefa muito difícil. “Still Live” encontra o pianista trabalhando com dois músicos com os quais desenvolveu uma relação simbiótica e quase telepática. Piano, baixo e bateria entrelaçam-se para criar estruturas complexas onde cada parte é essencial ao todo. A música flui perfeitamente de uma ideia para a próxima, tomando emprestado elementos de blues e música latina até clássica e minimalista. As intensas e apaixonadas performances neste álbum são sempre intrigantes e imprevisíveis, enquanto Jarrett, Peacock e DeJohnette constroem um nó musical apertado do qual nenhum fio individual pode ser discernido.
Arnoldo Gutiérrez Brizuela is an architect who can't help but share his thoughts on his latest music findings with whoever is around. His Mexico City apartment is filled with compulsively bought records he's soon gonna run out of space for.