Najlepsze albumy elektroniczne 2019 roku

Minęła dekada od jej charakterystycznego przeboju „Daniel”, a najnowszy album Natashy Khan nie dostał tego blasku, na który zasługiwał. Może przesiadka z Parlophone na niezależny rynek zbyt blisko trzymała go wśród jej fanów, a może w 2019 roku niezwykły album miał odrobinę zbyt poważne synthpopowe brzmienie, niezgodne z duchem czasów. Jednak Bat For Lashes nigdy nie skakała z trendu na trend, a zwięzłe i sugestywne Lost Girls pokazuje autorkę tekstów, która nie boi się swoich nostalgicznych wpływów, jednocześnie dojrzewając w swoim rzemiośle. Z wkładem studijnym Charlesa Scotta IV, „The Hunger” drży jak mini epiki Petera Gabriela z lat 80., a „Feel For You” tańczy jak single z Danceterii od Factory Records.”

Uwięziona w lepkim wraku wczesnych lat 2010-tych, zwanym przez niektórych PBR&B, FKA Twigs mogłaby poddać się narracji, która pozostawiła wiele jej wcześniejszych poprzedników uwięzionych w sieci subgatunku. Wysoka krytyczna adoracja i mikroskopowe obiektywy plotkowej kultury groziły skompresowaniem jej kariery, a niepokojąca diagnoza z włókniakami mogła zadać jej jeszcze większą krzywdę. Tak więc powrót cztery lata po stosunkowo drobnym M3LL155X z oszałamiającym, nonkonformistycznym i emocjonalnie nieprzefiltrowanym MAGDALENE umieszcza ją poza kanonem jakiegokolwiek gatunku. Jeden z najsilniejszych utworów jej kariery i całego roku, „Sad Day” przekształca kruchość w siłę, a jego poruszający refren jest niemal operowy w wykonaniu. A tak naprawdę, jak można nie być fanem Twigs po tym, jak dała Future jego najlepszy utwór roku w „Holy Terrain”, trapowy dekonstruowany utwór z wkładem Yeezus od Arca i Skrillexa?

W ostatnich tygodniach tej dekady, innowacyjny label basowy Hyperdub sprytnie wypuścił Tunes 2011 to 2019 Buriala. Zbiór utworów, które nie znalazły się na żadnym z jego dwóch albumów, projekt wydaje się prawie cynicznie wyważony, aby pasował do sezonu dorocznych zestawień krytyków muzycznych i związanych z tym podsumowań dziesięciolecia. Choć wielu weźmie przynętę i nagrodzi producenta oraz jego benefaktorów na arguably uzasadnionym technicznym tle, nie powinno to odbywać się kosztem faktycznego albumu od wytwórni zasługującego na uznanie. Bez wahania, czuję się całkowicie komfortowo, stwierdzając, że debiutancki LP Loraine James For You And I liczy się jako najważniejsze i kluczowe wydanie Hyperdub od Untrue, może nawet lepsze. Skomplikowana i głęboko ludzka praca, album podsumowuje ukrytą osobistą stronę Londynu, która wiele mówi o mieście jako całości. Jego zawartość dotyczy jej queerowości w ekscytująciej burzy stylów miejskich i klubowych, obecnych w nerwowych arpegiowanych drganiach utworu tytułowego oraz w muzycznych wspomnieniach jak również w oświecającym utworze rapera Le3 BLACK’a „My Future.” Luźny junglistyczny harmider „So Scared” przywołuje przemoc emocjonalną tak samo, jak zapętlony mówiony refren Jamesa, a jego echo trwa jak duch ze słuchawek długo po zakończeniu albumu.

Nikt nie potrafi tak opanować basu jak Kevin Martin. Jako osoba, której katalog, szczególnie jako The Bug, wielokrotnie sięga do tradycji reggae w celu szacunku dla złota niskich tonów, decyzja o pozbawieniu tej warstwy dźwiękowej w najnowszym projekcie King Midas Sound uczyniła Solitude ciekawą aberracją w jego dyskografii. Z wręcz performatywnym poezją Rogera Robertsona, które przeżywał rozpad relacji, zastępując bas emocjonalnym ciężarem, duet konstruuje świat rozpaczy i burzy. Cicha złość na siebie, innych i świat wrze nad metastazującymi marzeniami w „In The Night” i pod głośnymi dronami „Zeros.” To nie jest jakaś ballardowska dystopia czy dźwiękowa ucieczka, ale raczej przytłaczająca rzeczywistość i egzystencjalna samotność teraźniejszości.

W miarę jak aplikacje mnożą się i stają się fundamentem niemal każdej decyzji, prostą przyjemność oglądania The Weather Channel w celu sprawdzenia lokalnej temperatury gwałtownie zdobijały mgły. Czy New Age'owe wrażenia tego doświadczenia były dla Ciebie obojętne, Nonlocal Forecast przechwytuje mistyczną atmosferę w tej zachwycającej pracy kiczu jako sztuki. Rzadki album, w którym nie miałoby się nic przeciwko mieszkać przez chwilę, Bubble Universe! eksploduje radosnymi zwrotami i nasącza mówiącymi odcieniami, będąc dziełem miłości, które nagradza tych, którzy potrafią odpuścić sobie uprzedzenia i pozwolić na odrobinę prog-lite psoty i swobodnego jazzu w swoim życiu. „Cloud-Hidden” rozwija się jak preset klawiatury, który uzyskał świadomość, a „Foam, Vaccum, One” pozwala ambientowym dronom rozkoszować się i promieniować. „Planck Lengths” biegnie z radością na poziomie perkusji Phil Collins, jedynie wstrzymując się na śpiew ptaków i oddechu.

Z całym szacunkiem dla amoralnych algorytmów Autechre, nie rozmawiamy już o IDM, ponieważ w dużej mierze przestało to mieć znaczenie. Niemniej jednak, dziedzictwo tego, co Aphex Twin sprytnie określił jako braindance, pomogło pokierować tym, co obecnie oferuje podziemie muzyki elektronicznej. Były współpracownik tych pionierów Warp, patten tworzy muzykę, która uwzględnia wcześniejsze dane przed ich zastosowaniem w bardziej współczesnych strukturach rytmicznych obecnych w klubie na jego samodzielnie wydanym Flex. Mniej zachwyca się fetyszyzmem futurystycznym swojego poprzednika, poddaje drill, grime i trap oszałamiającemu falowaniu w utworach takich jak „Night Vision” i „Snake Eyes.” Kluczowym narzędziem w arsenale patten jest manipulacja głosem, dodająca frenetycznego krawędzi do tanga w „Infrared” i poporozrywanego harmideru w „Memory Flood.”

Science fiction dostarczyła mnóstwo inspiracji zarówno elektronicznym, jak i jazzowym muzykom, na lepsze lub gorsze. W przypadku opery kosmicznej Salami Rose Joe Louis, jest to bez wątpienia to pierwsze. Interesujące jazzowe smaczki klawiatury „Octagonal Room” i „Nostalgic Montage” czasami i radośnie odwracają uwagę od narracji ekspozycyjnej podanej na górze. Nawet jeśli nie śledzisz jej historii, Zdenka 2080 kontynuuje swoją muzyczną misję, głównie poprzez stosunkowo krótkie utwory w długości kawałków beat tape. Mimo że label FlyLo znany jest z cateringu dla formatu LA, ta spójna praca stoi na własnych nogach. Wokal przypominający niebiańskie chóry kierowane przez Kamasi Washington dodaje pewnego uroku do „Love The Sun” i „Cumulous Potion.”

Jak to często miało miejsce w ubiegłym roku, reggaetón kontynuował podbijanie świata w 2019 roku jako fenomen popowy. Nawet gdy J Balvin i Daddy Yankee jako wybitni komercyjni ambasadorowie stylu przemierzają świat, Tomasa Del Real reprezentowała prawdziwy underground obejmujący ludzi, których gatunek kiedyś systematycznie wykluczał. Silny następca jej Bellaca Del Año, pół-eponimiczny TDR zapobiega stagnacji dembow z jego współpracy i wzmacniającą esencją. Jest seksualnie bezpośrednia w „Ella Quiere Culiar” obok TECH GRL, i dowodzi na parkiecie w „Perrea Conmigo” z legendarnym DJ Blass. Zwykle skropiona, jeśli nie całkowicie skąpana w auto-tune, głos Del Real stabilizuje przyszłościowe utwory, takie jak „Los Dueños De Neoperreo” i zabawna „Braty Puti.”

Zbyt często celebryctwo Diplo zasłania fakt, że Major Lazer nie jest jakimś solowym projektem, lecz produktem wspólnej energii, w tym także jamajskiego-amerykańskiego DJ-a/producenta Walshy Fire. Zrodzone z zamierzonej próby pogodzenia często szalenie segregowanych współczesnych scen muzycznych w Afryce i Karaibach, jego Abeng łączy takich artystów jak Mr. Eazi i Runtown z pierwszych z Kranium i Machel Montano z drugich. Osądzić na podstawie spójności i siły rezultatów tego przedsięwzięcia, dźwiękowy zderzenie Afrobeats, dancehallu i soca, wśród innych regionalnych stylów, dowodzi głębokiego sukcesu. Odrzucając negatywność na rzecz pozytywności, przeważająca ciepło i koleżeństwo „No Negative Vibes” oraz „Round Of Applause” wspiera odnowę diasporową.

Biorąc pod uwagę, jak wiele błysków w panie z lat 2000-tych straciło na znaczeniu przed 2010-tymi, jest to więcej niż trochę dzikie myśleć, że zespół, który wydał część swoich najlepszych rzeczy po elektroclash, mógł w jakiś sposób wciąż być żywy i dynamiczny. Jednak podczas gdy niektórzy z ich rówieśników ożywiają słaby reunion dla młodego pokolenia dziwnie podatnego na nostalgię, figlarni chłopcy z Chk Chk Chk nigdy nawet nie przestali, zmieniając kierunek bardziej w stronę disco niż art punku od Thr!!!er z 2013 roku i kontynuując w podobnych follow-upach As If i Shake The Shudder. Wyraźnie lepsze od tych dwóch, Wallop ukazuje zespół tak dynamiczny i popowy jak nigdy przedtem, z niszczącym glamem house’u w „Couldn’t Have Known” oraz samokrytycznym funk rockiem w „Serbia Drums.”