10 najlepszych albumów The Cure, które warto mieć na winylu

Faith

Faith (1981) to trzeci album studyjny zespołu The Cure i jest idealny do patrzenia przez okna na rozkładające się liście i martwe drzewa. Trzyosobowy zespół z Simonem Gallupem na basie, coraz większe uzależnienie od narkotyków i alkoholu wydłużyło sesje nagraniowe nad utworami, w których Smith zmagał się z ideami wiary i duchowości. Muzycznie album jest warstwowy i atmosferyczny, nawet w bardziej energicznych numerach jak singiel „Primary”, gdzie szaleńcze i hipnotyzujące są duelujące basy Smitha i Gallupa. Liryka jest ponura i emocjonalna, Smith lamentuje, że „nie może trzymać tego, co ty pożerasz” („The Holy Hour”), dostrzega, że „im starsi się stajemy, tym więcej wiemy, tym mniej pokazujemy” („Primary”) i przewija temat utraty niewinnej wiary w rzeczy, gdy kończy się dzieciństwo. Funeralne tony są oczywiste („All Cats Are Grey” i „Funeral Party”), ale sercem albumu jest zamykający utwór tytułowy, gdzie twierdzenia Smitha, że nie ma nic więcej, oprócz wiary po tym, jak wszystko umarło i odeszło, są albo pełne nadziei, albo gorzkie, w zależności od nastroju.

Pornography

Ile razy Smith będzie później protestował przeciwko etykietce gothic rock, nie można zaprzeczyć jej obecności w 1982 roku przy Pornography. Niepokojący tytuł albumu, wielkie, potargane włosy, szminka i czarny eyeliner, czarne ubrania oraz teksty jak „Nie ma znaczenia, czy wszyscy umrzemy”, czwarty album zespołu jest maksymalnie goth. Z tą samą obsadą co na Faith (choć Gallup odszedł po trasie promującej ten album) Smith i zespół nurkują w nihilistycznej otchłani na temat bezsensu życia („One Hundred Years”) i bezsensownym seksie jako marszu śmierci („Siamese Twins”) i to tylko pierwsza strona. „The Figurehead” otwiera stronę drugą i samobójcza nienawiść jest zarówno szokująca, jak i znajoma dla każdego, kto zdał sobie sprawę, że jest kiepską osobą. Melodyjny „A Strange Day” prawie wypada z miejsca, z wyjątkiem nieustannego biegu perkusji. Klaustrofobia narasta w „Cold”, a zamykający utwór tytułowy to mieszanka zniekształconych próbek z telewizji, złowrogich syntezatorów oraz tekstów Smitha, które prowadzą do załamania psychicznego. Wyłącz światła i zwiększ głośność dla tego utworu.

The Head on the Door

Smith wyłonił się z psychodelicznego lamentu The Top, zakończył swoją karierę jako gitarzysta Siouxsie & The Banshees i zyskał odnowienie i lekkość. Gitarzysta Pearl Thompson (znany wtedy jako Porl, który był częścią Easy Cure) oraz basista Gallup oficjalnie dołączyli, dodano perkusistę Borisa Williamsa, a Tolhurst przeszedł do klawiszy. Uformowany zespół zainspirował Smitha do niesienia gitary akustycznej i odkrywania nowych dźwięków i stylów. Popowe utwory i ekscentryczne teledyski, The Head on the Door (1985) pozostaje idealnym wprowadzeniem dla nowych fanów Cure. Tytuł albumu pochodzi z groove'owego singla „Close to Me” zaczerpniętego z koszmaru Smitha o odciętej głowie. Więc chociaż to, co tutaj mamy, to popowy album, to popowy album Cure, który łączy wspaniałe syntezatory z tekstami proszącymi zdradzanego kochanka, aby wrócił („In Between Days”), sparaliżowany krwią, podczas gdy wspierany przez kastaniety i gitarę w stylu flamenco („The Blood”), i tonący w otępieniu („Sinking”). Mamy także nasz pierwszy pełnoprawny hymn z „Push” z dwuminutowym intro gitarowym i napędzającą linią basu, która nadal jest ulubionym numerem na koncertach. The Head on the Door zatarł granice między radiowym popem a mroczniejszą muzyką alternatywną.

Standing on a Beach: The Singles

Tak, to jest kompilacja singli. Ale to naprawdę świetna kompilacja. Wykorzystując sukces The Head on the Door, Standing on a Beach (1986) został wydany, aby zapoznać słuchaczy z wcześniejszym katalogiem zespołu. Wersja winylowa zawiera wczesne single, takie jak „Boys Don’t Cry”, a także kilka fantastycznych singli niealbumowych, takich jak taneczny „The Walk”, ekscentryczny „The Love Cats”, „Let’s Go To Bed” i mroczny, inspirowany powieścią dla dzieci „Charlotte Sometimes”, co samo w sobie czyni tę kompilację niezbędną. A ponieważ ta lista 10 najlepszych pomija kilka wczesnych albumów, wciąż będziesz chciał utwory takie jak eteryczny „The Caterpillar” i idealny „A Forest”. Jak każdy great retrospektywny album, nie tylko jest to świetne wprowadzenie do ich post-punkowych początków i postępu do alternatywnych hitów radiowych, ale także dowodzi, że Cure nie zaczęło skakać w popowe utwory z „In Between Days”, ale że robili to od samego początku.

Kiss Me Kiss Me Kiss Me

Dla każdego, kto nie postrzega Roberta Smitha jako prawdziwego bohatera gitary, niech posłucha otwierającego utworu „The Kiss.” Przez ponad minutę gitara przeraźliwie piszczy i szaleje, gdy złowrogie klawisze i perkusja budują się do gwałtownego climaxu, w którym Smith wykrzykuje swoje pogardliwe teksty. To przypomnienie, że pomimo tego, co słuchacz usłyszał od komercyjnie przyjaznych singli jak „Just Like Heaven” i „Why Can’t I Be You?”, podwójny LP Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987) to eklektyczna mieszanka popu i lamentu. Wiele osobowości zostaje pokazanych: gwiazda pop (wspomniane wcześniej single oraz „Hot Hot Hot!!!”), psychodeliczny-goth bohater („Torture,” „If Only Tonight We Could Sleep” i „The Snake Pit”), zraniony romantyk („Catch,” „One More Time,” „How Beautiful You Are” i „A Thousand Hours”), oraz niechętny mentor dla miłośników Cure wszędzie na kompozycji zamykającej „Fight”, w której namawia słuchaczy, aby „kiedy ból się zaczyna i koszmary się zaczynają / pamiętaj, że możesz napełnić niebo, nie musisz się poddawać.” The Head on the Door położył podwaliny, ale Kiss Me była wypłatą, międzynarodowym sukcesem, który wprowadził zespół do mainstreamu.

Disintegration

Disintegration’s bujna perfekcja oznacza, że może być ścieżką dźwiękową na noc samotnych lamentów w złamanym sercu lub delikatnym wieczorze wzajemnych namiętnych pieszczot. Po sukcesie Kiss Me, zespół (z Rogerem O'Donnellem na klawiszach) był w szczytowej formie twórczej, ale depresyjne tendencje Smitha, rosnące rozczarowanie tym, co sukces popowy oznaczał dla zespołu oraz naciski kolegów z zespołu, aby zwolnić przyjaciela Smitha z dzieciństwa Tolhursta (którego uzależnienia uniemożliwiały jakikolwiek sensowny wkład) zmusiły do powrotu do mroczniejszych tematów miłości i straty. Pomimo niepewnego odbioru ze strony wytwórni, która oczekiwała piosenek pop w stylu Kiss Me, album Disintegration z 1989 roku stał się ich najbardziej udanym albumem. Single „Pictures of You”, „Lullaby” i „Lovesong” (napisany dla żony Smitha) były często odtwarzane w radiu. Warstwy błyszczących gitar i syntezatorów, skłonność do długich instrumentalnych intro, otwierający album utwór, który definiuje wszystko, czym powinien być otwierający album („Plainsong”), tytułowy utwór przerywający i emocje, gniew oraz nienawiść do samego siebie, kto by pomyślał, że album o rozpadu będzie prowadzić zespół do rockowej stardom w stadionach?

Wish

Album Wish z 1992 roku to doskonałość dream popu, a każdy, kto mówi inaczej, nie zna się na rzeczy. Oczywiście, nie był to album pełen smutku od deski do deski, jak chcieli zagorzali fani, ale w wielu aspektach Wish jest bardziej dojrzałym kuzynem Disintegration. Nadal w pięcioosobowym składzie, z Perry Bamonte, który zastąpił O'Donnella na klawiszach, album powtarza ogólny motyw końców i miłości, która poszła nie tak, ale zamiast samozwańczej introspekcji, próbuje delikatnej nostalgii i melancholii polegającej na „lepsze już tak zostańmy”. Nieskończona miłość zostaje zadeklarowana („High”), tylko po to, by ustąpić emocjonalnemu dystansowi w „Apart”. „From the Edge of the Deep Green Sea” to zacięta tangle gitar i serc w opowieści o parze, która nie miała być razem, ale narratorka nie może się uwolnić (bądź przygotowany na radosną solówkę Smitha na gitarze). Jeździmy na rollercoasterze miłości w bezbłędnym „Friday I’m In Love”, ale są problemy z zaufaniem i zwyczajnie więcej nie może udawać („Trust” i „A Letter to Elise”). „Cut” wyraża się w rozpaczy i jadowitości, ale sprawy zwolnią w pięknym „To Wish Impossible Things”, który cierpi z powodu żalu. Na koniec słyszymy „proszę, przestań mnie kochać / nie jestem żadną z tych rzeczy” w zamykającym album „End”, który sprawił, że słuchacze zadawali sobie pytanie, czy mówił do kochanka, czy do fanów. Niepokój o rozpad zespołu został tylko nasilił po odejściu Williamsa i Thompsona po zakończeniu trasy.

Paris

Wiem, wiem, dlaczego sprawiam, że pragniesz podwójnego albumu, który kosztuje setki dolarów na Discogs? Krótkie odpowiedź: to ich najlepszy album na żywo. Poza tym nie żyłeś, dopóki nie słyszałeś na żywo koncertu Cure. Jeśli chcesz posłuchać wczesnego Cure, sięgnij po Concert; jeśli chcesz usłyszeć ich wykonania największych hitów, idź po Show. Ale jeśli chcesz posłuchać zespołu w pięcioosobowym składzie wykonujących utwory, które najlepiej definiują to, co Cure znaczy dla swoich zagorzałych fanów, weź Paris (1993). Nagrany w październiku 1992 roku w Paryżu podczas trasy Wish, obejmuje majestatycznie mroczne „The Figurehead” i „One Hundred Years” z Pornography oraz złowrogie „At Night”, „In Your House” i „Play for Today” z Seventeen Seconds. Album działa jako nastrojowa atmosfera, nadając gęstości wcześniejszym utworom, których brakuje w wersjach studyjnych. Oklaski entuzjastycznych fanów nigdy się nie kończą, a zespół to dobrze przygotowana jednostka, przyjemny Smith w „Catch”, „Dressing Up” i „Close to Me”, a tragiczny na „Apart”, „Lovesong”, „A Letter to Elise” oraz „Charlotte Sometimes”. Maudlin teksty nigdy nie przyćmiewają radosnego nastroju wszystkich słuchających jednej z najlepszych rockowych zespołów w historii.

Bloodflowers

Witaj w ramach powrotu do formy po nierównym Wild Mood Swings (1996) (który przyniósł powrót O'Donnella i dodanie perkusisty Jasona Coopera), Bloodflowers (2000) reklamowano jako w tym samym nurcie co Pornography i Disintegration (element trylogii). Nie było komercyjnych singli ani wyraźnego popu. Większość utworów jest dłuższa niż pięć minut, a Bloodflowers nawet zawiera najdłuższy utwór na albumie do tej pory (dziwnie erotyczny „Watching Me Fall” trwający 11:13 minut). Początkowo trudno jest postawić go w konkurencji z wcześniejszymi arcydziełami zespołu, ale to spójny album, który zagryza cię, wchodzi pod skórę, aż proste teksty Smitha noszą ciężar świata. Znane efekty flange gitary, nieodłączalne linie basu Gallupa i klawiszowe akcenty O'Donnella, to jak być przytulanym przez starego przyjaciela. Problematyczne relacje są badane („The Loudest Sound”), a w „39” starzenie się jest z niechęcią uznawane (odpowiednio zatytułowane, ponieważ Smith miał 39 lat podczas nagrywania). To był ich ostatni album studyjny dla długoletniej wytwórni Fiction Records, a ponownie wydawało się, że zespół mówił pożegnanie; album jest zamknięty przez dwa utwory mówiące o finalności. Epicki i gorzki, Bloodflowers jest mocno niedoceniane.

The Cure

Podpisany do Geffen i współpracujący z producentem Rossem Robinsonem (znanym z pracy z Kornem) i jego wytwórnią I AM, Smith i spółka byli zmuszeni zmierzyć się z ich statusem starszych w czasie 2004 roku w środku post-punkowego odrodzenia z wieloma nowymi zespołami, które zdobiły The Cure jako główny wpływ. Robinson wyzwał ich do nagrania swojego dwunastego albumu studyjnego The Cure razem na żywo, miksując wokale Smitha na pierwszym planie, co przynosi natychmiastowość i surowość, jakiej nie ma na żadnym innym albumie Cure. Krzyczy i warczy na otwierającym „Lost” w oczyszczającym wyrzucie dezorientacji i gniewu, który jest szokujący i hipnotyzujący; niebezpieczna psychodelia czai się w „Labyrinth” i kusi w „The Promise”. Wykręcone popowe utwory również się pojawiają w „The End of the World” oraz lekkim „(I Don’t Know What’s Going) On.” Dodatkową korzyścią jest to, że album na winylu zawiera cztery dodatkowe utwory, dzięki czemu możesz usłyszeć piękny „Truth Goodness and Beauty”, „Fake” oraz preferowany przez Smitha zamykający „Going Nowhere” w kontekście reszty albumu (z dodatkowym „This Morning” dołożonym). Głośny, oparty na gitarach i z bardzo niewielką ilością kinowych syntezatorów oraz długich instrumentalnych intro, The Cure przypomina nam, że nawet legendarne ikony mogą zaskoczyć.