Najlepsze 10 albumów Chess Records, które warto mieć na winylu

Oczywiście wynalezienie rock ’n’ rolla nie może być przypisane wyłącznie Watersowi i Chessowi. Fats Domino, Little Richard i Elvis Presley – artyści związani z odpowiednio Imperial, Specialty i Sun Records – wszyscy zostali uznani za przodków tego gatunku. Chociaż inni artyści i niezależne wytwórnie wydawali podobne dźwięki w tym samym czasie, Chess Records miała głęboki wpływ na muzyczną rewolucję połowy XX wieku.

Poza Muddy Waters, największą gwiazdą Chess był inny innowator rock ’n’ rolla: Chuck Berry. Berry nagrał wczesne hity jak „Maybellene” i „Roll Over Beethoven” dla Chess, co wyniosło zarówno wytwórnię, jak i jego unikalny styl na czoło świadomości publicznej. Chociaż Berry opuścił wytwórnię na dużą część lat 60., pozostał wdzięczny braciom Chess za rozpoczęcie jego kariery. Gdy wrócił do Chess Records w 1970 roku, zatytułował swój następny album Back Home.

Trafienie braci Chess było idealne. Czarni Amerykanie uciekający z Południa ery Jim Crow osiedlali się w Chicago, co doprowadziło zarówno do napływu utalentowanych muzyków, jak i do publiczności pragnącej muzyki bluesowej. W tym samym czasie biali słuchacze w całym kraju stawali się coraz bardziej zainteresowani konsumpcją czarnej muzyki. Chess Records, czy to celowo, czy nie, pomogła zniwelować różnice pomiędzy segregowanymi stronami kraju, który nadal był politycznie podzielony na liniach geograficznych. Bracia Chess nie byli sami w swoim dążeniu, a nie wszystkie wydawnictwa wytwórni stały się klasykami, jednak siła ich katalogu pozostaje bezprecedensowa.

W swoich wczesnych latach Chess Records, jak większość wytwórni w tym czasie, była znana z wydawania takich 7-calowych płyt. Większość albumów zawierała dwa single, stronę A i B. Chess nie wydała nawet LP aż do 1956 roku, sześć lat po powstaniu wytwórni. Ten pierwszy LP był ścieżką dźwiękową do stosunkowo nieznanego filmu zatytułowanego Rock, Rock, Rock, a na albumie znalazły się utwory artystów Chess, takich jak Chuck Berry, Moonglows i Flamingos.

Wiele późniejszych LP Chess to tak naprawdę „najlepsze” kompilacje singli wydanych wcześniej przez wytwórnię. Chess łączyła znane hity Chucka Berry’ego, na przykład, i organizowała je w jeden pakiet. Ta praktyka odbiegała od sposobu, w jaki dziś tworzy się albumy, a poszczególni artyści mieli mało do powiedzenia w spójnym wizjonerskim kształcie gotowego produktu. Gdy LP stała się standardem w branży muzycznej, Chess dostosowała się i zaczęła wydawać dłuższe albumy, zamiast koncentrować się na singlach.

Poniżej znajduje się lista 10 takich LP Chess, które warto mieć na winylu. Chociaż bracia Chess podzielili swój biznes na trzy spółki – Checker, Argo i Cadet – ta lista koncentruje się na LP wydanych pod marką Chess.

Muddy Waters: Fathers & Sons

W przeciwieństwie do niektórych innych LP Muddy Waters, w Fathers & Sons nie ma nic eksperymentalnego. Utwory nie podejmują wielu ryzyk. Muzycy nie polegają na sztuczkach. To prosto zrealizowany album bluesowy, ale to zarówno najlepszy album Watersa, jak i Chess.

Album emanuje nieprzerwaną energią już od otwierającego utworu, „All Aboard,” jakby Muddy dosłownie zapraszał słuchaczy na pokład 14-ścieżkowej podróży przez jego blues. Aby podkreślić radosny charakter nagrań studyjnych, Fathers & Sons został wydany jako podwójny LP. Drugi album składał się z nagrań na żywo występów Watersa.

Jakość tych nagrań jest w tamtym czasie silna, zwłaszcza biorąc pod uwagę historię Chess związaną z wydawaniem „muzyki na żywo”. Wydanie w 1963 roku Chuck Berry On Stage było reklamowane jako album na żywo, jednak w przeważającej części zawierało wcześniej nagrane utwory z dołożonymi dźwiękami publiczności wiwatującej i klaskającej. Na Fathers & Sons łatwo dostrzec chemię między Watersem a jego zespołem, gdy jamują dla różnych rzeczywistych publiczności.

Jakość nagrań sesji studyjnych LP jest również silna. Perkusja jest lekka i tinna, pozwalając bogatemu głosowi Watersa oraz oślepiającej elektrycznej gitarze przebić się do środka. Album zawiera znakomitą obsadę młodych muzyków bluesowych w rolach wspierających, wszyscy z nich mają przynajmniej chwilę w blasku reflektorów. Paul Butterfield gra na harmonijkach, grając od otwarcia „All Aboard” aż do zakończenia „I Feel So Good.” Otis Spann oraz Donald “Duck” Dunn z Booker T and The M.G.’s także grają na albumie. Poza Spannem, wielu młodych muzyków sesyjnych na albumie było białych, symbolizując rosnący zasięg bluesa. To prawdziwy wykład na najwyższym poziomie bluesa, prowadzony przez samego mistrza.

Możesz zdobyć edycję tego albumu od Vinyl Me, Please tutaj.

Chuck Berry: St. Louis to Liverpool

St. Louis to Liverpool to jedna z wymienionych wcześniej kompilacji „najlepszych utworów”, które Chess wydała, aby skorzystać z rosnącego sukcesu płyt LP. W rezultacie album zawiera mnóstwo chwytliwych singli, które nawet najbardziej obojętny słuchacz współczesny może rozpoznać, takich jak „Little Marie” i „No Particular Place to Go.” Album, wydany w 1964 roku, szybko po tym, jak Berry odbył karę więzienia, pokazuje szczyt talentu, jaki miał na początku swojej kariery.

W muzyce słyszalne są nuty klasycznego rocka, które zdefiniują zespoły takie jak Beatlesi, a album przypomina o niezaprzeczalnym wpływie Berry’ego na całe pokolenie. Nawet tytuł LP jest aluzją do tego, jak daleko Berry, urodzony w Missouri, podróżował dźwiękowo.

Ale utwory na St. Louis to Liverpool również reprezentują samodzielną moc Berry’ego jako artysty. Nie powinien być zapamiętany tylko za prowadzenie świata do Beatlesów; powinien być porównywany obok nich. Jego kariera może nie ewoluowała tak dynamicznie jak Fab Four, ale „You Never Can Tell” jest co najmniej tak przyjemna jak „Please Please Me.”

Gra Berry’ego na gitarze w St. Louis to Liverpool jest surowa i nerwowa, jego śpiew jest gładki i słodki. Album może nie płynąć tak płynnie jak Sgt. Peppers czy inne późniejsze wydania Beatlesów, ale niemal każdy utwór jest tak ponadczasowy jak najlepsze nagrania rock ’n’ rollowe. Album to klasyka w każdym sensie tego słowa, która rzeczywiście reprezentuje „najlepsze” to, co Berry miał do zaoferowania.

Buddy Guy: I Left My Blues In San Francisco

Buddy Guy to jeden z ostatnich żyjących członków złotej ery Chess, który nadal występuje, przede wszystkim w swoim odpowiednio nazwanym klubie w Chicago, Legends. Guy jest legendą sam w sobie, wirtuozem gitary z chrapliwym, niezapomnianym głosem zdolnym do przekazywania głębokich warstw emocji. Guy rozpoczął swoją karierę jako muzyk sesyjny w Chess Records, występując jako gitarzysta na kilku płytach Muddy Watersa.

Debiutancki album studyjny Guya, I Left My Blues In San Francisco, jest też jedynym albumem, który kiedykolwiek wydał w Chess jako solowy artysta. Podobno Guy ścierał się z braćmi Chess podczas swojego pobytu w wytwórni, twierdząc, że ograniczali jego kreatywną swobodę. Nawet jeśli Guy nie był w stanie w pełni być sobą w studiu, ten album nadal jest przepełniony rodzajem artystycznego wyrazu, który zdefiniuje go na kolejne dekady. Jego krzykliwy i drżący głos w utworze „I Suffer With The Blues” powinien był być jedynym dowodem, jaki bracia Chess potrzebowali, aby wiedzieć, że Guy ma w sobie wyjątkowe poczucie bluesa.

Możesz zdobyć nową reedycję tego albumu od Vinyl Me, Please tutaj.

Muddy Waters: Folk Singer

Fathers & Sons to najlepszy album Muddy Watersa, ponieważ obejmuje wszystko, co świetne w jego charakterystycznym brzmieniu, ale Folk Singer jest najczystszą destylacją jego muzykalności oraz demonstracją jego wszechstronności. LP, wydany w 1964 roku jako próba dotarcia do fanów odrodzenia muzyki folkowej w tamtym czasie, znajduje Watersa, który zamienia swoją gitarę elektryczną na akustyczną. Towarzyszą mu Buddy Guy, a także Willie Dixon na basie i zespół stałych współpracowników Watersa.

Chociaż muzyka Watersa definiowała brzmienie chicagowskiego bluesa, Folk Singer przedstawia go, kiedy rozważa powrót na Południe. Album otwiera utwór „My Home Is In The Delta,” gdzie Waters podkreśla linijkę o opuszczeniu Chicago słowami „Naprawdę nie chcę odchodzić.” Pięć utworów później jednak, perspektywa opuszczenia północy staje się bardziej kusząca. „Cold Weather Blues” to jeden z najprawdziwszych utworów dla każdego, kto kiedykolwiek doświadczył zimy w Chicago, gdy Waters boleśnie pragnie wrócić na Południe, „gdzie pogoda pasuje do moich ubrań.” Folk Singer mógłby być albumem opartym na sztuczkach, biorąc pod uwagę, że jest to całkowite odejście od rodzaju muzyki, za którą Waters był znany i otwartą próbą zwrócenia się do popularnych dźwięków czasu. Zamiast tego jest to niesamowity hybrydowy styl. Waters wprowadza blues do swojej akustycznej gitary, pozwalając swojej duszy prowadzić oszczędne 14 utworów LP.

Howlin’ Wolf: The London Howlin’ Wolf Sessions

Howlin’ Wolf był kolejnym stałym artystą Chess Records, wydającym liczne single i „najlepsze” LP w wytwórni. Ten album z 1971 roku składa się z nagrań, które Howlin’ Wolf zrobił z popularnymi brytyjskimi muzykami bluesowymi tamtego czasu, którzy wszyscy zostali zainspirowani wczesnymi dniami Chess Records. Eric Clapton, Steve Winwood, Bill Wyman i Charlie Watts wszyscy posiadają istotne udziały na albumie i są wymieniani na okładce LP.

Największym atutem LP jest nagranie próbne „false start” utworu „Little Red Rooster,” które zasadniczo stanowi wgląd w sesję studyjną artystów. Utwór zaczyna się, a potem zatrzymuje, a słuchacze mogą usłyszeć rozmowę między Howlin’ Wolfem a jego brytyjskimi współpracownikami. Nie jest to w 100 procentach zrozumiałe, ale wprowadza nowe życie w już tętniące pierwsze dzieło.

Etta James: Etta James

Etta James była wyjątkiem na liście Chess, potężną wokalistką, która, może bardziej niż jakakolwiek z jej koleżanek z wytwórni, zacierała granice gatunkowe rhythm and bluesa i pchała rock ’n’ roll w nowe kierunki. Ten autoportraitowy album z 1973 roku, nie mylić z jej pierwszym autoportraitowym z 1962 roku, odnajduje James, która dalej eksperymentuje z pojęciem gatunku. To w zasadzie album funkowy, z powtarzającymi się groove'ami i instrumentami dętymi tworzącymi bazę, na której James demonstruje swoje wokale.

Album, wydany cztery lata po śmierci Leonarda Chessa, znalazł syna Leonarda, Marshalla, igrającego zwiększoną rolę kreatywną. Marshall był znany w Chess Records z popychania muzyków w nowe tereny artystyczne, najbardziej niechlujnie wyznaczając sesje psych-rockowe dla Muddy Watersa, które stały się Electric Mud. Chociaż Electric Mud nawiązywał do stylu rock ’n’ rolla tamtych czasów, purysty bluesowi go odrzucili za oddalenie się od charakterystycznego brzmienia Muddy’ego. Muddy również twierdził, że nienawidził tego albumu.

Pod kierunkiem Marshalla, James, podobnie jak Waters, zaktualizowała swoje brzmienie, aby dopasować się do popularnego stylu tamtej epoki. Ponieważ James, w przeciwieństwie do Watersa, nigdy nie była purystką gatunkową, eksperyment się opłacił. LP zawiera tylko dziewięć zwartych utworów trwających nieco ponad 30 minut, co jest miłym odejściem od bardziej rozciągniętych funkowych utworów tamtych czasów. I chociaż Randy Newman jest niemal nieznany jako muzyk funkowy, album zawiera również trzy covery utworów pochodzących z jego albumu Sail Away, który został wydany zaledwie rok wcześniej. Wersje Jamesa oferują unikalne spojrzenie na dobrze znany materiał źródłowy, tak jak miały w zwyczaju.

Etta James to najsilniejszy LP z późniejszej kariery Jamesa, która została naznaczona uwięzieniem i uzależnieniem od heroiny. James zdołał zmienić swój styl, zachowując jednocześnie istotę tego, co czyniło ją pociągającą w po pierwsze. James była skomplikowaną postacią, której albumy często były udane lub nie, ale to świetny LP od początku do końca.

John Lee Hooker: Plays & Sings The Blues

John Lee Hooker był rzadkim gitarzystą, którego muzyka była tak emocjonalnie komunikatywna, że nie miało znaczenia, że nie był klasycznie wykształcony. Hooker był znany z tego, że nie potrafił utrzymać tradycyjnego rytmu, co sprawiało, że było prawie niemożliwe zorganizowanie tego rodzaju sesji studyjnych z innymi muzykami, które stanowiły podstawę najlepszych albumów Muddy Watersa i Chucka Berry’ego. Hooker oczywiście miał wrodzone poczucie muzykalności, ponieważ jego wokal jest intonacyjny, a gra na gitarze jest porównywalna z wielkimi. Po prostu grał, co chciał, szybko albo wolno, jak mu się podobało. Utwór „Lonely Boy Blues” na tej LP, na przykład, jest oszałamiającym dziełem nietypowej struktury i rytmu, które tylko Hooker mógł stworzyć.

John Lee Hooker Plays & Sings The Blues to kolejny album kompilacyjny wydany przez Chess jako showcase najlepszych utworów Hookera. LP ma inny nastrój niż większość wydań Chess. Jest minimalistyczny jak LP Watersa Folk Singer, ale ma surowe brzmienie bluesowe bardziej podobne do Fathers & Sons. Jakość nagrania różni się z utworu na utwór, gitara Hookera brzmi niemal jakby była niedostrojona, a jedyną sekcją rytmiczną jest stąpanie Hookera na drewnianym bloku. To jest tak realne, jak tylko można uzyskać bluesa.

Chuck Berry: The Great Twenty-Eight

The Great Twenty-Eight to nic innego jak album z największymi hitami, podkreślający najlepsze utwory wczesnej kariery Chucka Berry’ego. Jak sugeruje tytuł LP, zawiera 28 świetnych piosenek, cztery strony z siedmioma utworami każda. Album zaczyna się od „Maybellene” z 1955 roku i przechodzi przez karierę Berry’ego chronologicznie, kulminując w „I Want To Be Your Driver” z 1965 roku. Na albumie są niektóre powtórzenia z St. Louis To Liverpool, ale wystarczająco różnorodne utwory, aby uzasadnić posiadanie obu LP.

Rock, Rock, Rock

Jak Purple Rain czy The Harder They Come, Rock, Rock, Rock LP stanowi niespodziewane, ale świetne uzupełnienie każdej kolekcji winyli, ponieważ podsumowuje dźwięk konkretnej ery i gatunku w formie ścieżki dźwiękowej. W tym przypadku era to połowa lat 50., a gatunek to rock ’n’ roll.

Ścieżka dźwiękowa, pierwsza wytwarzana przez Chess LP, zawiera utwory wzięte z czarno-białego filmu z 1956 roku Rock, Rock Rock. Jedyni artyści występujący na albumie to Chuck Berry, The Flamingos i The Moonglows. Te ostatnie dwa zespoły można by łatwiej zakwalifikować jako doo-wop, chociaż, podobnie jak inne zespoły tamtych czasów, przyczyniły się do nowego stylu rock ’n’ rolla. Film, który nie był koniecznie hitem i pozostaje stosunkowo nieznany, ma narracyjny wątek, ale zawiera również występy wszystkich artystów przedstawionych na ścieżce dźwiękowej.

Jack McDuff: Sophisticated Funk

Jack McDuff jest być może najbardziej znany współczesnym słuchaczom za „Oblighetto,” utwór z samplowany przez A Tribe Called Quest w „Scenario.” Oprócz tego ponadto wiele świetnych riffów organowych, przyczynił się w dużym stopniu do sceny jazzowej początku lat 60.

Jedynym albumem McDuffa w Chess Records jest Sophisticated Funk, jeden z rzadkich jazzowych LP, które Chess nie przesunęło do swoich spółek zależnych. Pomimo tytułu albumu, Sophisticated Funk można charakteryzować raczej jako soul jazz niż funk. Bas i perkusja wchodzą w groove, jakby była kapela funkowa, a wokale wplatają się i wyplatają z akcentami przypominającymi Parliament, ale gra na organach McDuffa pozostaje lekka i stonowana.