Cyfrowy/Dzielenie: Czerwcowa recenzja muzyki elektronicznej

Dwadzieścia lat temu wyróżniający się gatunek muzyki house powstał w metropolitalnym podziemiu paryskich klubów i zyskał szerszą popularność. Na czoło stawali mistrzowie tańca i przyszłe gwiazdy, takie jak Thomas Bangalter i Étienne de Crécy. Scena wcześniej odnosiła skromne sukcesy poza znaną atmosferą parkietu tanecznego, a szczególnie dzięki debiutanckiemu albumowi Daft Punk z 1997 roku Homework. Mimo to stosunkowo szybka kodifikacja tzw. french touch, świeżego brzmienia wyróżniającego się przefiltrowanymi, przerobionymi pętlami starych funkowych i disco nagrań, szybko znalazła się na skraju akceptacji popowej dzięki zaledwie przedmillenijnym singlom, takim jak Cassius’ „Feeling For You”, „I Feel For You” Bob Sinclara oraz „Music Sounds Better With You” Stardust. Kiczowate, campowe teledyski reżyserowane przez alternatywnych twórców przyczyniły się do tych sukcesów, co było niezwykle istotne pięć lat przed założeniem YouTube’a. Nawet artyści spoza społeczności frankofońskiej skorzystali na rosnącej fali, a wśród nich zabawni Brytyjczycy Basement Jaxx, którzy bez skrupułów nazwali jeden ze swoich singli „Rendez-Vu”.

Pomimo wczesnych sukcesów i wyraźnej miłości do tej muzyki, Zdar i jego kreatywny partner Hubert „Boom Bass” Blanc-Francard szybko pokazali brak zainteresowania formułą, która była wręcz stereotypowo związana z Cerrone. Być może to ma związek z historią współzałożyciela Philippe’a Zdara przed debiutanckim albumem duetu 1999. On i wspomniany de Crécy stworzyli jedną z pierwszych długogrających pozycji w tym podgatunku, jednorazowy LP Motorbass Pansoul, który uchwycił wtedy rodzące się brzmienie. Trzy lata po debiucie, drugi album Cassius Au Rêve znacznie odbiegał od podwójnego uderzenia przełomowego albumu Daft Punk z 2001 roku Discovery. Choć house pozostał w DNA projektu, co było widoczne w singlu „The Sound Of Violence” oraz atrakcyjnych współpracy z weteranami R&B Jocelynem Brownem i Leroyem Burgess, zdawali się dążyć do mutacji. Ustrukturyzowane, zorientowane na piosenkę podejście nosiło ten gatunkowy album i kontynuuje na jeszcze bardziej różnorodnym albumie 15 Again z 2006 roku.

Ten najnowszy — a niestety, ostatni — pełnometrażowy album Cassius, ** Dreems (Justice/Love Supreme)** niesie ze sobą niemałą dawkę bólu. Zdar, którego prace producenckie dla Phoenix i The Rapture trochę przyćmiły jego własne osiągnięcia muzyczne, zmarł w tragiczny wypadku zaledwie kilka dni przed tym wydaniem, co w niewygodny sposób wprowadza smutek w to, co powinno być całkowicie radosne. Perfekcyjnie zmiksowany i błogo głęboki, ten niezamierzony koniec sprawia, że para czuję się zadowolona i komfortowa w klubie jeszcze raz, chociaż w szarej aurze cool. Uderzenie house’a brzmi równie dobrze tutaj na chwytliwych wokalnych partiach, takich jak „Don’t Let Me Be” Owlle’a oraz „Cause Oui” Mike’a D z Beastie Boys, jak i na euforycznych instrumentalach takich jak „Calliope” i „Chuffed”. Witaj w zamian za pastoralne intro, „Rock Non Stop” przywołuje wiele z tego, co sprawiło, że 1999 był tak czystą radością do słuchania w tamtych czasach, oraz czemu Dreems zasługuje na dzielenie swojego rzadkiego powietrza.

Anderholm: Fractures (This Never Happened)

Brutalizowany na niespotykaną wiarę przez komercyjny nadużycie i złe męskie spojrzenie przez lata, progressive house kiedyś był jednym z najbardziej wciągających form muzyki tanecznej. Złożone, skręcone melodię i euforyczne emocje starych hymnów Johna Digweeda z Bedrock zamieniały wiele nocnych imprez w epickie przygody, a na szczęście wciąż są producenci, którzy kontynuują tę tradycję. Podpisany z wytwórnią Lane 8, This Never Happened, Anderholm dostarcza projekt z ośmioma utworami, który ostrożnie bada swoje otoczenie. Sugeruje wielkie gesty w „Monologue” i „Mope”, zachowując powściągliwość, którą niewielu jego rówieśników potrafiłoby okazać. Zawarty w odruchowych pomysłach, praktykuje odrobinę tworzenia świata w tribalowym „Wonderland” przed oddaniem miejsca dla Moskwy Alexandra Pride w tytule utworu, który błyszczy syntezatorowym brzmieniem. W całym Fractures sprawy wydają się delikatne i cenne, nawet w oczywistych hitach tanecznych. W krystalicznym zamknięciu „Sunflower” Anderholm zwalnia tempo wystarczająco, aby lepiej obserwować i, idealnie, podziwiać tę delikatność.

Debit: System (NAAFI)

Z wpływami rozprzestrzeniającymi się daleko poza swoje terytorium, ekipa NAAFI z Mexico City nie żartuje. Słuchając najnowszego EP od Debita z Brooklynu, reputacja wytwórni za bezkompromisową i myślącą naprzód pracę pozostaje nienaruszona. Z bezwzględnie żrącą aktualizacją tribal guarachero sound, rodowity z Monterrey buduje nowe struktury z fragmentów uznania. Glitchowe dźwięki i brzęczenie maszyn łączą się w rytmiczny hałas w „My House”, struktura znacznie mniej przytulna, niż sugeruje tytuł. Przyjazność na parkiet w tej industrialnej basowej piosence „Market” stanowi mniej niż tylko przemyślenie, chociaż stanowi najczytelniejszą broń klubową System. Natychmiast po tym następuje „Medicine”, pilny i energetyczny utwór, który na początku flirtuje z techno, a potem zamienia to w polirytmiczny uderzenie. Aby nikt nie pomyślał, że architektura Debita jest w jakiś sposób zbyt abstrakcyjna, zamyka projekt oszałamiającą współpracą z DJ Earl’em „Numbering” w stylu footwork.

Jung An Tagen: Proxy States (Editions Mego)

Test granic techno i teoria obietnic poza tymi granicami, wydają się być zamiarem trzeciego wydania austriackiego Stefana Justera dla rzadko zawodzącej wytwórni Editions Mego. Niezależnie od tego, czy chcesz zrozumieć filozoficzne fundamenty oraz strukturalne podstawy Proxy States, wykonanie przynosi wiele do podziwiania i cieszenia się. Po uruchomieniu systemu za pomocą inwazyjnych dronów i cyfrowych odpadowych dźwięków „Instructions for a Sound Machine”, puszcza swobodnie sprężyste i zwinne „Wreath Products (C#, D#)”. Z trzech pozostałych wariantów motywu, „Wreath Products (F#, G#)” jest najbliższy klasycznym przebudzeniom techno Plus8. Rozwijając się przez 10 minut, „Compressions in a Chamber of Hard Light” schodzi w kontrolowany przez komputer chaos, dezorientująca, ale chwalebna mieszanka sygnałów i błędów konkurujących o uwagę i cel.

Lust For Youth: Lust For Youth (Sacred Bones)

Na albumie International z 2014 roku, smukły synthpop kierowany przez szefa Posh Isolation Hannesa Norrvide’a, retro urok zwykle górował nad umiejętnościami kompozycyjnymi. Nie ma nic koniecznie złego w tym, jak ta konkretna iteracja Lust For Youth działała, ale modernizacja z 2019 roku ma większą substancję, aby dorównać stylowi. Punkowy grymas otwiera tę eponimiczną płytę, gorzką twardość, która sprawia, że „New Balance Point” zasługuje na natychmiastowe przewinięcie. Deprecjonujący „Insignificant” przerabia klasyczne elementy New Order z uderzającym bitem i delikatnym „rozpylaczem ciała”. Jak wcześniej, Lust For Youth pozostaje zakorzenione w tym, co kiedyś było, ale w przeciwieństwie do wielu, którzy bawią się w Depeche Mode, zespół ten postanawia chodzić własną drogą. Czasami, glottal stops i poetycka licencja przyciemniają intencje intrygujących tekstów Norrvide’a, pozostawiając jedno zastanawiające się z ekscytacją, czy „Venus De Milo” wyraża zauroczenie czy złość. (On jest znacznie bardziej bezpośredni w swojej złości w „By No Means”.) Później, odpowiednia powaga przyznawana jest brutalnemu morderstwu transpłciowej kobiety Larissy Rodrigues da Silva w potężnym „Imola”.