Å følge utviklingen av Natalie Merings musikk er en glede. Fra den DIY-følelsen av hennes første uavhengige utgivelse som Weyes Blood i 2011, til den glansede, selvbevisste psyk-popen i hennes nyeste album, 2016’s Front Row Seat To Earth, viser det femårige intervallet en artist som har lært å ta kontroll over sine gaver i stedet for å la dem kontrollere henne. Hennes arbeid som Weyes Blood er preget av subtile, filosofiske tekster som dykker dypt inn i det personlige, og en høy, klar alto som surrer med boblende følelser. Kombiner dette med en evne til låtskriving som trekker mot de eldgamle elementene av middelaldersk folk og de lyseste bitene av 21. århundres pop, og det blir helt klart at Mering er en kraft å regne med, og Weyes Blood er fortsatt på vei opp, fortsatt i prosessen med å bli.
Det blir tydeligere med nyheten om hennes neste album, Titanic Rising, som kommer i april via det historiske Pacific Northwest-merkene, Sub Pop. Dette blir hennes første utgivelse med Sub Pop, og musikken inneholder en økt følelse av selvtillit og smidighet som følger med å leve opp til plateselskapet. Titanic Rising bygger videre på de deilige tonene fra Front Row Seat To Earth, og dykker dypt inn i den mytiske kraften fra filmer og utforsker hvordan kreftene fra disse uoppnåelige kjærlighetshistoriene vrir på våre verkende, ensomme psyker.
Likevel er Titanic absolutt ikke et trist album, men et gjennomtenkt ett, og helt klart et ambisiøst verk. Det gir Mering, en gang for alle, muligheten til å ta sin plass blant de store låtskriverne i vår tid, hun er, hvis jeg må komme med en sammenligning, den millenniums Joni Mitchell, som kombinerer hjerteverk med politiske tanker og fantastiske universelle temaer. Før utgivelsen av albumet – det kommer ut 12. april, men du kan forhåndsbestille en begrenset utgave av vinylversjonen fra Vinyl Me, Please nå – snakket jeg med Mering om albumets plass i hennes karrieres utvikling, den innledende nye sangen “Andromeda” og hvorfor Titanic er en av våre få moderne udødelige myter.
Du har spilt musikk i mange år, men albumet fra 2016, Front Row Seat To Earth, føltes som et album hvor alt klikket for deg, som om du var på det fulle nivået av kreftene dine. Men nå, når jeg lytter til Titanic Rising, føles det som om det er et enda høyere nivå enn det. Hva er forholdet mellom de to siste platene for deg, og hvordan føles ting annerledes frem mot utgivelsen av Titanic?
På Front Row Seat to Earth tok jeg definitivt mer av styringen når det kom til produksjonen. Jeg fikk noen fantastiske muligheter fra mitt første album med Mexican Summer, The Innocents, til å turnere mye og virkelig skjerpe sangferdighetene mine og låtskrivingen min, og fikk muligheten til å opptre i måneder om gangen, noe som absolutt er et privilegium for indieartister, fordi jeg tror DIY-scenen de siste årene har tatt en liten dukkert. Å få til de konsertene og spille konsekvent for et publikum som virkelig lytter er stadig vanskeligere.
Front Row Seat var kulminasjonen av meg som spilte disse konsertene, tok styringen og jobbet med noen som [produsent] Chris Cohen, som jeg stoler dypt på. Med denne nye, var det bare enda mer av det. Jeg hadde fått sjansen til å turnere enda mer, jeg hadde muligheten til å spille med hvem jeg ville. Og Jonathan Rado, som hjalp meg med å produsere platen, lot meg til og med ha mer frihet i forhold til sitt synspunkt som alltid var på min side, i motsetning til Chris og jeg, som pleide å komme i uenighet om noen ting. Så det var interessant å plutselig ha enda mer frihet til å utforske forskjellige områder. Jeg tror det for meg har vært en lang prosess å komme til dette punktet fordi jeg rett og slett ikke har blitt gitt slike muligheter før nå.
Dette er ditt første album med Sub Pop, som personlig er et av mine favorittplater. Jeg vokste opp i Nordvest, så de var overalt der. Hva førte til at du ønsket å jobbe med dem, og hvordan har opplevelsen vært?
De er en stor greie for meg også. Da de var interessert i meg, ble jeg ganske overveldet. Det var noen andre plater som var litt mer, hvordan skal jeg si, litt mer som grense-major-leverandører, eller bare litt mer av et hottnavn du kunne slippe løs. Og måten de merkene behandlet meg på var bare så tilfeldig – som det var mye vin og middag, og så ba de om demoer, og det er bare så... platene mine taler for seg selv. Jeg er på ett punkt i livet hvor jeg ikke trenger å lage demoer for å få en platekontrakt. Det er ikke min stil.
Så Sub Pop kom ut fra ingenting og ville ikke ha noen demoer. De ville bare signere meg basert på hvem jeg var, og de hadde en virkelig fantastisk DIY/indie-etos og de prøvde ikke å kjøpe hele livet mitt. Jeg følte en slags sjelsfrender med dem og bare en overveldende mengde vennlighet og støtte og legitim interesse. Folk på plateselskapet har faktisk lyttet til musikken min på et personlig nivå, og det føltes virkelig som familie, det var kult.
Det er min opplevelse med dem også. Gitt noe av tradisjonene i musikken din — hvordan den refererer tilbake til noen av disse gamle folke- og vokalelementene, men også inkorporerer 21. århundres pop-låtskriving — tenker jeg absolutt at det gir mening å gi den ut på vinyl. Det er en av måtene vi kan fysisk bevare musikk, men hva var det for deg som fikk deg til å jobbe med Vinyl Me, Please på dette prosjektet?
Jeg er en stor fan av folk som heier på fysiske kopier av musikk. Det er så forskjellig fra streaming. Alle disse streamingtjenestene legger kompressorer og forskjellige ting på låten for å endre lyden, og å ha en rå analog kopi av platen er i stor grad det artistene ønsker at alle skal høre. Og det er en så annen opplevelse når du legger en plate på platespilleren for å lytte til den mot streaming, spesielt med disse forbaskede algoritmene. Jeg er bare så trist for at så snart du er ferdig med en plate på Spotify, så blir du sendt til et søppel som du ikke engang vil høre, vet du hva jeg snakker om? Det er bare veldig trist. Men vinyl, spesielt, engasjerer deg med musikken og får deg til å pause. Jeg tror det er en flott måte å høre albumene på.
La oss snakke om sangen du brukte for å introdusere den nye epoken, “Andromeda.” Den har åpenbart allusjoner til fortiden og universet i stor målestokk samt forbindelser til moderne teknologi. Hvorfor ønsket du å innlede dette nye albumet med den sangen?
Jeg tror det var mange sanger på albumet vi alle var spente på, og det føltes alltid som om “Andromeda” var dette virkelig kule møtepunktet mellom de mer elektroniske og sparsomme, og romlige arrangementene, sammen med den nostalgiske låtskrivningen. Det så ut til å ha alt rullet inn i én, og jeg bare tenker at det er en virkelig vakker sang. Da jeg skrev den sangen kunne jeg føle mye følelser i den. Jeg er en stor fan av country, spesielt ’80-talls country og slags lo-fi country i ’80-tallet som ville brukt LinnDrum, som er trommemaskinen vi brukte på sporet. Det er også den første sangen som Rado og jeg gjorde sammen, så det hadde en spesiell liten følelse fordi jeg ikke hadde en LinnDrum, men han hadde, og jeg tenkte bare, ‘Nå er det perfekt, jeg skrev denne sangen i håp om at det var en LinnDrum i nærheten’ og vi fikk det hele satt sammen, og det var ganske magisk, så det er bare en god intro.
En av mine favoritter på albumet er sangen “Movies,” spesielt som noen som bor i L.A. og tenker på måten disse historiene former livene våre og bidrar så mye. Denne sangen ser ut til å se den lyse siden av den industrien i stedet for den mørke siden, men albumtitlen får meg til å tenke at det var en spesifikk film og opplevelse som utløste skrivingen av den.
For meg, som barn ble jeg så følelsesmessig påvirket av filmer, og jeg ble virkelig følelsesmessig påvirket av Titanic fordi det var litt rettet mot små hvite jenter på slutten av ’90-tallet. Det ble konstruert for oss på denne rare måten, og jeg hadde denne intense åpenbaringen ved 12-årsalder at disse filmene hjernevasket folk fordi de var den eneste kilden til universelle myter som kulturen vår ga. (Bortsett fra religion, som var på vei ut, og som opprørte de fleste.)
Jeg følte at det var noe så utrolig urettferdig med Hollywood og måten det er en kapitalistisk industri på. De kan ikke hjelpe men være på den søppelaktige siden, så på mange måter er det bare en rar ting, fordi du kan ikke virkelig hate filmer, det er noe så magisk med dem, fordi, psykologisk sett, er det slik vi opererer. Vi opererer gjennom myter og det er måten vår forståelse av virkeligheten fungerer på, så på mange måter føler jeg at den sangen handler om å se på disse mytene, ta dem for hva de er, akseptere den negative siden – som er denne veldig spesifikke strømmen av erfaring og utelukkelse av fargede personer, og folk med forskjellige opplevelser.
Å se på det skiftet, bare de siste to årene, kan du virkelig føle virkningen det har hatt på folk! Hele teksten med “Jeg vil være i min egen film” er representativ for vår virkelighet hvor, på mange måter, folk ikke lever i sin egen virkelighet. Enten det er å se på andres Instagram, enten det er kapitalismen som forteller folk at de trenger dette eller at de må være slik, eller en film som fremviser virkeligheten på en virkelig bakvendt måte eller viser romantisk kjærlighet på en virkelig overdreven måte. Jeg tror at på mange måter ønsker folk å leve sine myter og de vil at det skal være deres egne. Det er som om filmer er disse underpar versjoner av våre dypeste psykologiske behov.
Riktig, og du skriver som en redemptiv tilnærming — i det minste i tittelen — på den historien, som er en av de store tragediene i vår moderne kultur. Jeg likte hvordan titelsporet stort sett var instrumentalt og nesten som en overture for en film på sin egen måte.
Vel, grunnen til at Titanic har så stor symbolikk for meg, ikke bare ble det bygget for små jenter, men det viste menneskets overmot på slutten av ’90-tallet, menneskets overmot er blitt ganske intens og jeg tror vi alle kunne ane at noe var i ferd med å skje og det ville bli veldig dårlig. Selv som liten jente følte jeg meg litt som, ‘Å herregud, vi har ikke herredømme over naturen og vi må virkelig sette det på plass.’ Det føles bare så passende for tiden, fordi skipet kolliderte med et isfjell og fordi for oss nå smelter isbreene, og i stedet for at skipet synker, synker tredje verdensland. Jeg føler at det er en slags [en] latterlig parallell og konseptet av Titanic Rising er mer som denne langsomme bevegelsen av menneskehetens overmot, som oversvømmer menneskeheten i et tempo vi ikke kan fullt ut forstå, litt som en frosk som koker i vann. Uansett hvor stor en film du kan lage om hele konseptet, uansett hvor stort inntrykk den filmen hadde på livet mitt, kjemper vi fortsatt mot disse mennene som kontinuerlig velger å anta at vi har kontroll.
Det instrumentale tittelsporet kommer midt i albumet, og så refererer avslutningen til en veldig kjent hymne. Du har snakket om hvordan det å vokse opp i kirken påvirket barndommen din og arbeidet ditt, så jeg lurer på, var det viktig å ha en referanse tilbake til dette inkludert i dette albumet?
Ja, og når det gjelder den hymnen, var det også den siste som bandet angivelig spilte på Titanic. Så det er alt knyttet til det. Den fullstendige tittelen er faktisk “Nearer, My God, To Thee,” jeg utelot “my God” fordi jeg føler at Gud nå har blitt et utdatert begrep og for folk er “thee” mer av en stor relaterbar idé om supermakten som overvåker alt som skjer. Så “Nearer To Thee” er litt mer som stor enhet-stil og strykearrangementet er det samme fra “A Lot’s Gonna Change,” som er den første sangen på albumet og på en måte temaet i hele albumet; at vi alle gjennomgår enorme skift, spesielt folk på min alder som husker tidene før internett og har disse minnene fra da miljøet var litt annerledes. Jeg føler at livet i L.A. — og spesielt i Pennsylvania — var veldig annerledes før 21. århundres klimaendringer. Jeg har sett noen sprø ting forandre seg, så jeg tenker at det er passende å avslutte med det: Ja, mye kommer til å endre seg, la oss gjøre det beste ut av det. Litt som Titanic-bandet, som spiller til det aller siste minutt.