Å leve i myter med Weyes Blood

Det blir klart med nyheten om hennes neste album, Titanic Rising, som kommer i april via det velkjente Pacific Northwest-selskapet, Sub Pop. Dette blir hennes første utgivelse med Sub Pop, og musikken har fått en økt følelse av selvtillit og smidighet som følger med å ta steget opp i plateselskapet. Titanic Rising bygger videre på de vakre bluesene fra Front Row Seat To Earth, og dykker dypt inn i den mytiske kraften fra filmer og utforsker hvordan kreftene fra disse uoppnåelige kjærlighetshistoriene vrir på våre smertefulle, ensomme psyker.

Likevel er ikke Titanic i det hele tatt et trist album, men et tankevekkende, og absolutt et ambisiøst verk. Det gir Mering, en gang for alle, muligheten til å ta sin plass blant de store låtskriverne i vår tid, hun er, hvis dere tillater meg å sammenligne, den millenniale Joni Mitchell, som kombinerer hjerteverk med politiske tanker og storslåtte universelle temaer. Før albumets utgivelse — som kommer 12. april, men du kan forhåndsbestille en limited-edition vinylutgave fra Vinyl Me, Please nå — snakket jeg med Mering om albumets plass i hennes karriere, den innledende nye sangen “Andromeda” og hvorfor Titanic er en av våre få moderne udødelige myter.

Du har spilt musikk i mange år, men 2016's Front Row Seat To Earth føltes som et album hvor alt falt på plass for deg, som om du var på ditt aller beste. Men nå, når jeg lytter til Titanic Rising, føles det som om det er et nivå opp fra det. Hva er forholdet mellom disse to siste platene for deg, og hvordan føles det annerledes i forkant av utgivelsen av Titanic?

På Front Row Seat to Earth tok jeg definitivt mer kontroll over produksjonen. Jeg fikk noen flotte muligheter fra mitt første album med Mexican Summer, The Innocents, til å turnere mye og virkelig skjerpe sangestilen og låtskrivingen min, da jeg fikk muligheten til å opptre i mange måneder av gangen, noe som definitivt er et privilegium for indie-artister, fordi jeg mener at DIY-scenen de siste årene har hatt en liten nedgang. Å faktisk få til konsertene og spille for et publikum som lytter er stadig vanskeligere.

Front Row Seat var kulminasjonen av å spille disse konsertene, ta styringen og jobbe med noen som [produsent] Chris Cohen, som jeg stoler dypt på. Med dette neste albumet, var det bare enda mer av det. Jeg fikk muligheten til å turnere enda mer, jeg hadde sjansen til å spille med hvem jeg ville. Og Jonathan Rado, som hjalp meg med å produsere platen, lot meg til og med ha mer frihet med hensyn til hans meninger som alltid støttet mine, i motsetning til Chris og jeg som pleide å være uenige om noen ting. Så det var interessant å plutselig ha enda mer frihet til å utforske forskjellige områder. Jeg tror det har vært en lang prosess å komme til dette punktet fordi jeg ikke har fått slike muligheter før nå.

Dette er ditt første album med Sub Pop, som personlig er et av mine favorittplater. Jeg vokste opp i Nordvest, så de var overalt der oppe. Hva trakk deg mot å jobbe med dem, og hvordan har den erfaringen vært?

De er en stor greie for meg også. Da de var interessert i meg, ble jeg ganske overrasket. Det var andre platenavn som var litt mer, hvordan skal jeg si, litt mer sånn borderline store plateselskaper, eller bare litt mer som et hot navn du kunne slenge rundt. Og måten de plateselskapene behandlet meg på var bare så tilfeldig — som, det var mye vinsmaking og middag, og så ber de om demoer, og det er som... mine plater taler for seg selv. Jeg er på et punkt i livet mitt hvor jeg ikke trenger å lage demoer for å få platekontrakt. Det er ikke egentlig min stil.

Så Sub Pop kom fra ingen steder, og ville ikke ha noen demoer. De ville bare signere meg basert på hvem jeg var, og de hadde en virkelig fantastisk DIY/indie etos og de prøvde ikke å kjøpe hele livet mitt. Jeg følte en dyp forbindelse med dem og bare en overveldende mengde vennlighet, støtte og genuin interesse. Folk på selskapet har faktisk lyttet til musikken min på et personlig nivå og det føltes virkelig som familie, det var kult.

Det er min erfaring med å jobbe med dem også. Gitt noe av den underliggende tradisjonalismen i musikken din — hvordan den minner om noen av disse gamle folkelige og vokale elementene, men også inkorporerer 21. århundres pop-låtskriving — jeg synes det gir absolutt mening å gi den ut på vinyl. Det er en av måtene vi kan fysisk bevare musikk på, men hva var det for deg som trakk deg mot å jobbe med Vinyl Me, Please på dette prosjektet?

Jeg er en stor fan av folk som heier på fysiske kopier av musikk. Det er bare så annerledes enn streaming. Alle disse streamingfirmaene setter kompressorer og forskjellige ting på lyden for å endre lyden deres, og å ha en rå analog kopi av platen er omtrent det som artisten ønsker at alle skal høre. Og det er en så annen opplevelse når du legger en plate på platespillerne for å lytte til den i motsetning til streaming, spesielt med disse jævla algoritmene. Jeg blir så frustrert over at så snart du er ferdig med en plate på Spotify, vil den sende deg til noe crap som du ikke engang har lyst til å høre, vet du hva jeg snakker om? Det er rett og slett trist. Men som vinyl, spesielt, engasjerer deg med musikken og får deg til å pause. Jeg tror det er en flott måte å høre albumene på.

La oss snakke om sangen du brukte for å introdusere den nye æraen, “Andromeda.” Den har åpenbart allusjoner til fortiden og universet som helhet, så vel som forbindelser til modernitet og teknologi. Hvorfor ville du begynne dette nye albumet med den sangen?

Jeg tror det var mange sanger på platet som vi alle var glade for, og det føltes alltid som om “Andromeda” var dette virkelig kule møtestedet mellom de mer elektroniske og sparsomme, samt romslige arrangementene, sammen med den nostalgiske låtskrivingen. Det virket som om den hadde alt samlet i én, og jeg synes det er en virkelig vakker sang. Da jeg skrev den sangen, kunne jeg føle mye følelser i den. Jeg er en stor fan av country, spesielt ’80s country og litt lo-fi country fra ’80-tallet som brukte LinnDrum, som er trommemaskinen vi brukte på sporet. Det er også den første sangen Rado og jeg gjorde sammen, så den hadde en spesiell følelse fordi jeg ikke hadde en LinnDrum, og han hadde, og jeg sa: ‘Vel, perfekt, jeg skrev denne sangen i håp om at det er en LinnDrum tilgjengelig,’ så vi samlet alt sammen og det var ganske magisk, så det er bare en god intro.

En av mine favoritter på albumet er sangen “Movies,” spesielt som noen som bor i L.A. og tenker på hvordan disse historiene virkelig former livene våre og bidrar så mye. Denne sangen virker å se den lyse siden av den industrien i stedet for dens mørke side, men albumtittelen får meg til å tenke at det var en spesiell film og opplevelse som utløste skrivingen av den.

For meg, som barn ble jeg så følelsesmessig påvirket av filmer, og jeg ble virkelig følelsesmessig påvirket av Titanic fordi den var rettet mot små hvite jenter på slutten av 90-tallet. Den var konstruert for oss på en merkelig måte, og jeg fikk en intens åpenbaring som 12-åring at disse filmene hjernevasker folk fordi de er den eneste kilden til universelle myter som vår kultur produserer. (Bortsett fra religion, som var på vei ut og forstyrret de fleste uansett.)

Jeg følte at det er noe så utrolig urettferdig med Hollywood og måten det er en så kapitalistisk industri. De kan ikke annet enn å være på den usmakelige siden, så på mange måter er det bare en rar ting, fordi du kan ikke egentlig hate filmer, det er noe så magisk med dem, fordi, psykologisk, det er slik vi fungerer. Vi opererer gjennom myter og det er vår måte å forstå virkeligheten på, så på mange måter føler jeg at den sangen handler om å se på disse mytene, ta dem for hva de er, og akseptere den negative siden — som er denne veldig spesifikke strømlinjeformingen av erfaring og kutting ut av folk av farge og folk med forskjellige erfaringer.

Å se på den endringen, bare de to siste årene, kan du virkelig føle virkningen det har hatt på folk! Hele teksten “Jeg vil være i min egen film,” er representativ for vår virkelighet der, på mange måter, folk ikke lever i sin egen virkelighet. Enten det er å se på andres Instagram, enten det er kapitalisme som forteller folk at de trenger dette eller at de må være slik, eller en film som fremstiller virkeligheten på en så bakvendt måte eller fremstiller romantisk kjærlighet på en så overdrevet måte. Jeg tror at på mange måter ønsker folk å leve sine myter, og de vil at det skal være deres egne. Det er som om filmer er disse underparversjonene av våre dypeste psykologiske behov.

Riktig, og du skriver som en redemptiv vri — i det minste i tittelen — på den historien, som er en av de store tragediene i vår moderne kultur. Jeg likte hvordan tittelsporet var stort sett instrumentalt og nesten som en overture for en film i sin egen stil.

Vel, grunnen til at Titanic har en så stor symbolikk for meg, ikke bare ble den utformet for små jenter, men den viste menneskets hubris på slutten av 90-tallet, menneskets hubris er blitt ganske intens, og jeg tror vi alle kunne føle at noe var i ferd med å skje og det kom til å bli veldig ille. Selv som liten jente tenkte jeg: ‘Åh, Gud, vi har ikke herredømme over naturen, og vi må virkelig sette det på plass.’ Det føles så passende for tiden, fordi skipet krasjet i et isfjell, og fordi for oss nå, smelter isbreene, og i stedet for at skipet synker, synker tredjeverdensland. Jeg føler at det er en slags [en] latterlig parallell, og konseptet med Titanic Rising er mer som denne langsomme hubris av mennesket, som flommer menneskeheten i et tempo vi ikke fullt ut kan forstå, litt som en frosk som kokes i vann. Uansett hvor stor film du kunne lage om hele konseptet, uansett hvor stort inntrykk den filmen hadde på livet mitt, sliter vi fortsatt med å kjempe mot disse mennene som kontinuerlig velger å anta at vi har kontroll.

Det tittelsporet, som er instrumentalt, kommer halvveis gjennom albumet, og så refererer avslutningen til en veldig kjent salme. Du har snakket om hvordan det å bli oppdratt i kirken påvirket barndommen din og arbeidet ditt, så jeg lurer på, var det viktig å ha en referanse tilbake til det inkludert på dette albumet?

Ja, og når det gjelder den salmen, var det også den siste som bandet angivelig spilte på Titanic. Så det er alt knyttet til det. Den fulle tittelen er faktisk “Nearer, My God, To Thee,” jeg utelot “my God” fordi jeg føler at Gud har blitt et foreldet begrep nå og for folk er “thee” mer av en stor relaterbar idé om supermakten som overvåker alt som skjer. Så “Nearer To Thee” er litt mer som stor singularitet-stil, og strykearrangementet er det samme som fra “A Lot’s Gonna Change,” som er den første sangen på platen og kind of temaet for hele platen; at vi alle går gjennom noen store endringer, spesielt folk på min alder som husker tiden før internett og har disse minnene om når miljøet var noe annerledes. Jeg føler at livet i L.A. — og spesielt i Pennsylvania — var veldig forskjellig før 21. århundrets klimaendringer. Jeg har sett noen sprø ting endre seg, så jeg synes det passer å avslutte på den noten: Ja, mye kommer til å endre seg, la oss gjøre det beste ut av det. Litt som Titanic-bandet, som spilte til det aller siste minutt.