De innemende gekheid en oprechtheid van Goon Sax

Louis Forster keek naar de Japanse horrorfilm uit 1977 House toen hij een idee kreeg. Geïnspireerd door de hoofdpersonages van de film, die naar hun belangrijkste persoonlijkheidstrekken waren genoemd — een vrouw die constant haar make-up bijwerkt wordt Gorgeous genoemd, een ander die van muziek houdt heet Melody — deed Forster hetzelfde voor zijn bandleden James Harrison en Riley Jones, die met hem optreden als The Goon Sax. Forster doopte Harrison als Lazy, Jones als Busy en zichzelf als Bendy.

“Ik denk dat James de meest relaxte kerel is,” zegt Forster. “James ligt niet achterover, hij is James Horizontal Harrison.”

“Ik denk dat ik een beetje lui ben,” antwoordt Harrison, zijn stem een sonische manifestatie van een schouderophaling. “Maar ik denk dat er andere mensen in de band zijn die net zulke onzinnige dingen doen.”

Sinds hun debuut in 2016, Up To Anything, heeft het Brisbane indie-pop-gaat-naar-post-punk trio veel beschrijvingen doorlopen — “even slim als ze treurig zijn,” “zelfspotters maar nooit sentimenteel,” “schattig eenvoudig” — hoewel “onzinnig” nooit de leiding leek te nemen. The Goon Sax, die in 2013 als duo van Harrison en Forster zijn gevormd, waarbij Forster de zoon is van Robert Forster van de Go-Betweens (Jones voegde zich in 2014 na slechts een paar maanden drummen toe), hebben een gave voor het kaderen van kleine momenten als nog kleiner. Up To Anything, uitgebracht toen de bandleden 16 en 17 jaar oud waren, schetst loom de intimiteiten van het tienerleven doordrenkt met een depressieve verlangen — “Ik wil dat mensen aan mij denken,” zingt Forster op het titelnummer van het album.

Hoewel slechts een paar jaar ouder, verkent The Goon Sax nieuw terrein op hun tweede album, We’re Not Talking, dat nu uit is: angst. De LP is op sommige momenten zenuwachtig, romantisch, weemoedig, jeukend. Op “Love Lost,” een nummer geleid door Harrison met strijkers en castagnetten, klaagt hij: “Ik heb problemen waar ik niet mee weet om te gaan / en ik heb issues die ik niet wil tonen.” Elders cooie Jones: “Ik zal de droefheid missen / dat is het enige wat ik ooit heb gekend” op “Strange Light,” een ode aan Brisbane en de fouten die daar zijn gemaakt.

Op We’re Not Talking droegen alle drie de leden van de Goon Sax bij aan de vocale en instrumentale compositie, een afwijking van de primaire songwriting van Harrison en Forster op Up To Anything. Live wisselen ze van instrumenten, waarbij Jones af en toe gitaar speelt en Forster achter de drums kruipt, elk lid een tandwiel in een steeds draaiende machine, voortdurend voorbereid op impact.

“We verwachten altijd het ergste,” grapt Forster.

“Misschien crasht het vliegtuig nog niet,” antwoordt Jones, “maar er is dat gevoel dat het kan crashen.”

VMP: Hoe veranderde de dynamiek van het schrijven op We’re Not Talking?

Louis Forster: Ik denk niet dat het een bewuste keuze was om anders aan dingen te werken. Het gebeurde gewoon dat Riley meer comfortabel werd met zingen. Op het eerste album schreef ik een paar meer nummers dan James en deze keer schrijft James veel nummers echt snel. We hebben allemaal meer inbreng op elkaars nummers.

Hoe werkt het kritiekproces wanneer je elkaars werk bewerkt?

Riley Jones: We hebben elkaar niet echt gekritiseerd. Ik denk niet dat ik ooit de behoefte voelde. We waren een beetje van: “Ja, dat is goed. We hebben weer een nummer. Geweldig,” wat gelukkig is.

LF: Ik denk niet dat het was: “Ik hou van dit nummer, maar verander die teksten en haal dit eruit, en dan is het goed.” Ik denk niet dat zo iets ooit gebeurt. Het was meer inbreng hebben op de structuur van elkaars nummers of terwijl we oefenen, dat dingen niet meteen zo concreet zijn wanneer we beginnen met een nummer en het veel verandert. Sommige [nummers] hebben we twee jaar gespeeld voordat we ze opnamen. In die tijd waren ze waarschijnlijk behoorlijk onherkenbaar van de oorspronkelijke staat.

Het is altijd leuk om de ontwikkeling van bepaalde nummers in kaart te brengen: Ik had dit gevoel één keer, nu is het dit totaal andere levendige ding.

RJ: Het is vreemd hoe het zo snel zijn eigen ding wordt.

LF: En zodra je het opneemt, heb je het gevoel dat het in een permanente staat wordt vastgehouden, wat ik haat. Soms denk ik niet dat muziek opgenomen zou moeten worden omdat het daarna blijft veranderen. Alle nummers blijven voor mij veranderen omdat we ze anders spelen, sneller of langzamer of met andere mensen die zingen. Iets opnemen geeft het bijna een valse permanente staat.

RJ: Maar het is gewoon een opname. Gewoon een registratie van hoe het klonk.

Maar iemand zou Spotify kunnen openen en dat is de enige context die ze voor de nummers hebben in tegenstelling tot iemand die je vaak live ziet spelen.

LF: Ik denk dat als je het anders speelt dan hoe het is opgenomen, het lijkt alsof je het veranderd hebt.

NPR vernoemde iets interessants toen ze schreven dat veel nummers oprechtheid missen als het gaat om liefde. Denk je dat je die oprechtheid hebt? Wat is ervoor nodig om werkelijk oprecht te zijn in muziek?

LF: Ik denk dat het oprecht is. Het is grappig om terug te kijken op die nummers nu we ze hebben opgenomen en ze een tijd geleden hebben geschreven. Ik ben er volledig van overtuigd dat alles wat we zeiden oprecht en waar is. Dat is iets waar ik zeker geen [fout] in kan vinden.

Wat zijn die momenten die je inspireren om te schrijven?

LF: Ik heb vaak het gevoel dat ik niet noodzakelijk schrijf over dingen terwijl ze gebeuren. Ik schrijf altijd over dingen die enige tijd later zijn gebeurd. Het zijn gewoon gebeurtenissen en gevoelens die worden bewerkt tot teksten. Observaties over dingen. Er was dit nummer dat ik schreef om te proberen te herinneren waar ik opgroeide voordat ik wegging omdat ik dat specifiek wilde onthouden. Het was bijna een mentale notitie.

Welk nummer was dat?

LF: Sommige delen van “Strange Light.” Riley schreef ook veel van die teksten. Het had oorspronkelijk een heleboel andere teksten, maar dat was het oorspronkelijke doel van die nummers.

Hoeveel speelt tijd en plaats een rol in de manier waarop je songteksten schrijft?

James Harrison: Misschien speelt tijd en plaats een grote rol omdat wanneer ik schrijf, er iets is gebeurd en ik ga naar huis en misschien neem ik een drankje. Ik hou van veel Brisbane-bands en sommigen van hen maken mijn muziek klinken als andere Brisbane-bands.

LF: Ik denk dat deze plaat voor mij zeer tijd- en plaatsgebonden is. Brisbane in 2015, 2016, begin 2017. Ik denk heel erg in termen van jaren.

Wat gebeurde er in jullie levens in Brisbane in 2015?

LF: Ik zat in het 11e jaar, Riley en James zouden in het 12e jaar zijn geweest. Het was een behoorlijk emotioneel verwarrende tijd. Voor mij ging het om de eerste keer verliefd zijn en zo overweldigd worden door dat gevoel.

JH: Ik zat in het 12e jaar en het was verwarrend en een beetje verliefd.

LF: Voor mij gaat deze plaat veel over angst. Het laatste album, de eerste, herinner ik me dat ik dacht dat het echt depressief klonk en deze klinkt meer angstig dan depressief.

Jullie rennen door alle emoties.

JH: Ik denk dat angst een groot onderdeel daarvan is.

LF: Je moet je focussen op een bepaalde zaak. Op dit moment schrijf ik vooral over angst en [wanneer] je die onderwerpen of motivaties verandert, welke gevoelens veranderen in schrijven? Je voelt nog steeds al die andere dingen, maar welk punt van je denken gaat naar een nummer?

Zelfs de manier waarop het album sonisch is uitgekomen, is het iets upbeat. Het vertaalt zich in een meer angstige sound.

RJ: Het is snel en ik dacht net aan ritmes en probeerde de ritmes interessanter te maken op dit nummer. Ik hoop dat ons volgende album niet klinkt als angst.

Waar hoop je dat het op lijkt?

RJ: Gewoon een beetje meer kosmisch.

JH: Kosmisch zijn zou veel beter zijn.

RJ: Wie weet of het mogelijk is om iets te maken dat geen product van negativiteit of angst is. Het is misschien niet mogelijk. Misschien is het mogelijk maar zullen we het niet leuk vinden.

Omdat er dit idee is dat uit pijn groot kunst voortkomt.

RJ: Het kan komen van vroege bluesmusici die de meest pijnlijke, hartverscheurende, mooie muziek schrijven. Misschien moeten we pijnlijker worden of zoiets. Misschien is het niet genoeg.

JH: Ik denk niet dat het genoeg is.

LF: Ik denk dat nummers ook kunnen voortkomen uit je echt goed voelen. Veel goede muziek komt voort uit je geweldig voelen. Misschien is het meer een idee dat voortkomt uit pijn omdat veel van de tijd, wanneer mensen zich echt goed voelen, ze daar te veel mee bezig zijn om daarover te willen schrijven.

Leidt schrijven je dichter bij helderheid over de dingen waar je over schrijft?

LF: Tot op zekere hoogte. Soms doet het dat helemaal niet. Het maakt het bijna verwarrender en frustrerender omdat muziek en wat je ermee doet beperkt is. Het is moeilijk om iets te veranderen in een paar geluiden en woorden.

RJ: Ik denk dat we met dit album dachten dat we dat konden doen. Voor mij leek het alsof we dat konden door zo eerlijk mogelijk te zijn. We zouden zoveel muziek horen die niet oprecht aanvoelde en waardeerden het echt wanneer dat wel het geval was. Ik weet niet of ik dezelfde benadering nu zou hebben. Zeker, ik zou altijd eerlijk willen blijven, maar ik zou ook meer speels willen zijn ermee.

LF: Ik denk dat je begint te beseffen, gewoon door dingen exact zo te spellen als ze zijn gebeurd, niet de gevoelens kan geven die je had. Dat was een vreemde realisatie voor mij. Je kunt die dingen niet communiceren.