I 10 Migliori Album di Jazz Latino da Avere in Vinile

Lo sviluppo del Latin jazz nel corso degli anni si sovrappone ai cambiamenti del jazz in generale, abbracciando una vasta gamma di stili, dalle strutture tradizionali delle canzoni al free form fino alla fusione. Già nei primi anni del 20° secolo a New Orleans, la musica latino-americana era una componente importante nello sviluppo del jazz: il pionere del jazz Jelly Roll Morton lo definì "il tocco spagnolo". Man mano che il jazz si diffondeva verso nord e attraverso i Caraibi e l'America Latina, i musicisti di ogni estrazione erano ispirati, integrando melodie e ritmi familiari con il jazz di improvvisazione. Queste creazioni a loro volta ispirarono i gruppi jazz negli Stati Uniti e la popolarità della musica da ballo delle big band negli anni '30 e '40 significava che le band erano costantemente alla ricerca di musiche capaci di attirare le folle. I musicisti latini più richiesti si univano a band esistenti o formavano le proprie. L'Afro-Cubano, l'Afro-Caraibico, mambo, salsa, charanga, boogaloo, son e bossa nova sono solo alcuni dei tanti stili di questo genere musicale vibrante. E ci sono davvero troppi grandi nomi e brani essenziali del Latin jazz da esplorare. È un genere in continua evoluzione, con le opere di musicisti attuali come Pedrito Martínez e Arturo O’Farrill che lasciano un segno progressivo. Ma questi 10 album possono farti iniziare.

  

Machito: Kenya

Non si può parlare di Latin jazz senza menzionare uno dei suoi padri, Francisco Raúl Gutiérrez Grillo, meglio conosciuto come Machito. Si trasferì a New York da Cuba, formando eventualmente la sua band, gli Afro-Cubans, nel 1940, che, grazie all'aiuto del direttore musicale Mario Bauzá, furono tra i primi a combinare arrangiamenti jazz tradizionali con ritmi afro-cubani, assumendo frequentemente compositori jazz americani per arrangiare brani cubani. Kenya (1958) presenta principalmente brani originali scritti e arrangiati da A.K. Salim. A prima vista potresti pensare che l'album sia tutto glamour da big band con una sezione di ottoni potente che sfrutta la moda exotica degli anni '50, ma se scavi più a fondo puoi anche sentire cosa distingue Machito dagli imitatori. La rigida maestria musicale, gli arrangiamenti jazz complessi che passano rapidamente da frasi ad alto impatto a quelle più delicate; non c'è modo di poter considerare Kenya un album di moda. L'album presenta anche alcuni assoli jazz straordinari da parte di musicisti come il trombettista “Doc” Cheatham (“Holiday”), il grande dell'alto sax Cannonball Adderley (“Oyeme” e “Congo Mulence”) e altri.

  

Tito Puente: Dance Mania

Tito Puente mostrò un interesse precoce per la musica mentre cresceva a Spanish Harlem. Dopo aver frequentato il Juilliard, finì per ottenere un lavoro come percussionista nella band di Machito, con i timbales come strumento principale. Quando formò la sua band nel 1948, si ispirò alle orchestre di Machito e Count Basie, combinando la sofisticatezza del jazz da big band con ritmi latini. Dance Mania (1958), il suo album più venduto, è pura energia. La maggior parte delle tracce sono originali composte da Puente e includono vari stili come mambo, son, cha-cha-cha e boleros. Ciò che risalta è quanto siano ben curate le performance, eppure non sembrano mai opprimenti. Puente suona magistralmente timbales e vibrafono; le congas, i bonghi, i sax e le trombe ruggenti supportano egregiamente il vocalist Santitos Colón. I punti salienti includono l'apertura a medio tempo “El Cayuco”, che dimostra la maestria musicale dell'orchestra di Puente e la sua abilità come arrangiatore (le esplosioni di ottoni non sovrastano mai il ritmo), il vivace “Mambo Gozón” e l'energico brano finale “Saca Tu Mujer”, un classico.

  

Cal Tjader: Soul Sauce

Cal Tjader, re del vibrafono, aiutò a popolarizzare il Latin jazz in forma di piccolo gruppo, allontanandosi dal suono della big band. Sebbene non avesse eredità latina, la discografia di Tjader e la sua devozione all'idioma parlano da sole. Soul Sauce (1965) è stato uno dei suoi album più venduti, un grande mix di mambo, boogaloo e persino un po' di bossa nova (il brano “João”, ispirato a João Gilberto). Le vibrazioni soul sorprendono con le loro esplosioni frequenti, ma Tjader lascia brillare anche i suoi collaboratori. Il piano di Lonnie Hewitt contrasta perfettamente con i toni eterei e i contributi percussivi di Willie Bobo, Armando Peraza e Alberto Valdes ancorano i vari ritmi influenzati da Cuba e dai Caraibi. Tjader ripropone con disinvoltura ballate come “Somewhere in the Night” e “Spring is Here”, con le vibrazioni e il piano che penetrano nelle tue ossa. Un mio personale favorito è l'iniziale dall'album self-titled, una versione troppo breve di una composizione di Chano Pozo/Dizzy Gillespie contrassegnata dagli shout-out di Bobo. Un altro punto saliente è l'interpretazione di Tjader del classico di Mongo Santamaría “Afro-Blue”, arricchita dalle trombe di Donald Byrd, il sax di Jimmy Heath e la chitarra di Kenny Burrell, creando un'eccitante miscela di jazz e ritmi influenzati dall'Africa.

  

Antônio Carlos Jobim: Wave

Hai bisogno di un album per accompagnare una cena romantica a casa e vuoi evocare brezze calde e notti calde? Allora non cercare oltre rispetto al terzo e più riuscito album di Antônio Carlos Jobim, Wave (1967). Esso esemplifica la bossa nova (che significa nuova tendenza o nuova onda), uno stile musicale brasiliano che è come un samba rallentato combinato con jazz. Jobim, un compositore e musicista brasiliano, è stato uno dei suoi pionieri. In Wave, c'è il tipico strumm di chitarra ritmica e percussioni morbide, ma anche flauto, trombone e archi. La copertina con una giraffa su una spiaggia esotica trasuda evasione e passione, che si abbina alla sofisticatezza rilassata della musica. I punti salienti includono il brano self-titled e “Look to the Sky”, dove il trombone è solo e brama. “Triste” seduce con un piano gentile, ma il trombone entra brevemente, riecheggiando la melodia con delicata insistenza. L'unico brano vocale “Lamento” è anche un punto saliente poiché presenta lo stesso Jobim che canta, cosa che non faceva molto spesso. Fai un favore a te stesso e al tuo partner e procurati questo disco.

  

Willie Bobo: Bobo Motion

Willie Bobo è stato un prolifico percussionista e ha suonato con grandi musicisti come Dizzy Gillespie, Tito Puente, Mongo Santamaría, Cal Tjader e altri. Come bandleader, Bobo è meglio conosciuto per aver fuso ritmi latini con soul e pop, ed è stato uno dei pionieri del boogaloo, soul-jazz e brown-eyed soul. Bobo Motion del 1967 presenta un mix di brani strumentali e vocali (con Bobo alla voce), ma Bobo assume un tono più serio con jazz su standard come “Midnight Sun”, “Cute” e “Tuxedo Junction.” La musica pop è rappresentata con una versione latin jazz di “Up-Up & Away” e “Show Me” di Joe Tex, che brucia con trombe e timbales incessanti. La tradizionale messicana “La Bamba” riceve il trattamento Bobo qui e “Ain’t That Right” è un fantastico numero boogaloo, una cover ricca di percussioni di una canzone di Arthur Sterling. Il chitarrista di Bobo, Sonny Henry, contribuisce con due composizioni “I Don’t Know” e “Evil Ways”, la prima versione registrata poi resa popolare da Santana. Bobo Motion è un mix eclettico di jazz e ritmi latini complessi, illustrando esattamente perché i DJ vadano alla ricerca dei suoi dischi.

  

Astrud Gilberto: Beach Samba

La cantante brasiliana Astrud Gilberto è forse meglio conosciuta per aver contribuito con le sue voci al brano di successo “The Girl from Ipanema” da Getz/Gilberto, una collaborazione del 1963 tra Stan Getz, suo allora marito João Gilberto e Antônio Carlos Jobim. Dopo aver ottenuto un contratto da Verve, gli album da solista di Gilberto non rompano nuovi terreni, ma è proprio questo il punto; la sua forza e freschezza risiedono nella sua interpretazione vocale rilassata, che, insieme all'arrangiamento lussureggiante, evoca istantaneamente spiagge sabbiose e cocktail rinfrescanti. Si tratta tutto di musica atmosferica, gente. L'appropriatamente intitolato Beach Samba (1967) è un esempio primario di questo con il suo stile bossa nova/pop senza sforzo. Anche se non ha generato un successo simile a “Ipanema” che la Verve desiderava, è un album solido che ti rimane addosso. La dolce “Misty Roses” seduce, “The Face I Love” incanta e c'è anche il miglior duetto tra madre e figlio mai realizzato sulla sua cover di “You Didn’t Have to Be So Nice” dei Lovin’ Spoonful. A volte i migliori dischi per creare atmosfera sono quelli a cui ci si rivolge più spesso.

  

Eddie Palmieri: Superimposition

Il pianista Eddie Palmieri suonò in diverse band, inclusa quella di Tito Rodríguez negli anni '50, prima di formare la sua band nel 1961 e innovare lo stile charanga (una danza cubana caratterizzata da flauto e violini) sostituendo i violini con due tromboni e contribuendo così a sviluppare e popolarizzare la musica salsa. Superimposition (1970) è stato il terzo album di Palmieri dopo aver sciolto la sua band per concentrarsi su stili musicali più sperimentali. Il primo lato dell'album è composto da tre brani salsa incendiari. “La Malanga,” “Pa’ Huele” e “Bilongo” mescolano ritmi cubani, i due tromboni danzano l'uno attorno all'altro. I soli di tromba di Alfredo Armenteros in “Pa’ Huele” e “Bilongo” valgono il prezzo da soli. Ma è il jazz strumentale e improvvisato sul secondo lato a catturare l'attenzione. La percussione stabilisce liberamente il ritmo in “Que Lindo Eso, Eh!” e il piano esplora, senza mai stabilizzarsi su una melodia. “Chocolate Ice Cream” si apre come un cha-cha-cha, ma il piano e i soli di tromba in modo modale lo fanno sembrare più una jam session. Il piano dissonante di Palmieri prende un secondo piano rispetto alla sezione di percussioni nell'ultimo brano, appropriatamente intitolato “17.1,” che è l'età media dei tre percussionisti.

  

Mongo Santamaría: Sofrito

Sofrito (1976) è quel crocevia tra cibo confortante e complessa delicatezza. Offrire una visione sfumata è esattamente il genio di Mongo Santamaría, maestro conguero, percussionista e bandleader. Nato a Cuba prima di emigrare negli Stati Uniti, Santamaría portò con sé uno stile fortemente influenzato da ritmi africani ed è stato tra i protagonisti della popolarizzazione del jazz afro-cubano negli anni '40 e '50, tanto in lavori solisti quanto con Peréz Prado, Tito Puente e in seguito con la band di Cal Tjader. Inizialmente bocciato al momento della sua uscita, Sofrito è in realtà molto rappresentativo del movimento jazz degli anni '70 e vede Santamaría nei suoi 50 anni disposto a sperimentare un po', fondendo ritmi latini con groove funky e influenze dell'Africa occidentale insieme a chiavi elettriche e sintetizzatori. Ascolta il brano tradizionale “O Mi Shango” e lasciati sorprendere. L'album perfetto per le serate estive con gli amici, “Iberia” fluttua attraverso finestre esotiche aperte, il brivido è forte in “Cruzan” e poi vieni trasportato per le strade cubane in “Spring Song” e nel mio preferito personale “Sofrito.”

  

Ray Barretto: La Cuna

Uno dei più grandi congueros di sempre, Ray Barretto ha mosso i primi passi nel mondo del jazz di New York negli anni '50, unendosi infine alla band di Tito Puente quando Mongo Santamaría se n'è andato. Dopo aver formato la propria band negli anni '60, Barretto ha reso popolare la sua versione di charanga, pachanga e stili di musica boogaloo, che hanno contribuito a guidare la frenesia salsa degli anni '70. Oltre ad illuminare le piste da ballo, ha avuto anche una grande rivalità con Eddie Palmieri, la loro serie di album dimostra un forte desiderio di superarsi a vicenda. A metà degli anni '70, Barretto ha lasciato la salsa alle spalle (grazie all'abbandono della sua band) e ha iniziato a fondere queste influenze latine con il suo primo amore, il jazz. Nel La Cuna del 1979, Barretto si unisce a un cast di stelle come Tito Puente, John Tropea, Charlie Palmieri, Steve Gadd e Joe Farrell, tra gli altri. La Cuna è una lezione di abilità e musicianship; è un viaggio di funk elettrico e ritmi latini. I punti salienti includono “Doloroso,” il sax caldo di Farrell in “Mambotango” e “The Old Castle,” dove la chitarra di Tropea brilla.

  

Arturo Sandoval: Flight to Freedom

Arturo Sandoval, un brillante trombettista, fece il suo debutto americano in Flight to Freedom (1991) dopo essere fuggito da Cuba. Formatosi classicamente e influenzato da grandi jazzisti come Charlie Parker e Dizzy Gillespie (che divenne un amico e collega dopo essersi incontrato nel 1977), Sandoval ha lottato con le restrizioni imposte dal governo cubano, controllando dove e quando si esibiva e quale musica potesse suonare. Come artista bramava libertà espressiva. Così, quando gli fu permesso di esibirsi con Gillespie in Europa nel 1990 e sua moglie e suo figlio furono autorizzati a vacanzare con lui lì, Sandoval colse l'occasione, chiedendo aiuto a Gillespie e alle ambasciate statunitensi per portare lui e la sua famiglia negli Stati Uniti, dove alla fine si stabilirono a Miami. Flight to Freedom libera la passione di Sandoval, permettendogli di esibire le sue abilità virtuose su afro-cuban bop (il brano dal titolo e “Caribeno” sono i punti salienti), samba delicata (“Samba de Amore”), numeri ad alta energia che includono anche chitarre rock (“Tanga”) e ballate dal lento bruciare come “Body and Soul.” La tromba appassionata di Sandoval si eleva e brilla.