I 10 migliori album di Charles Mingus da possedere in vinile

Inizialmente studiando il trombone e il violoncello, Mingus era un multi-strumentista che passò al contrabbasso, che alla fine divenne il suo motivo musicale. Mingus era ampiamente noto come un fenomeno al contrabbasso, intraprendendo tour con Louis Armstrong, Lionel Hampton e Duke Ellington prima di comporre le proprie opere e guidare le proprie band.

Mingus incapsulava il lavoro duro e l'auto-sviluppo, risultando in un'opera che supera oltre 250 pubblicazioni. Ha versato il suo cuore e la sua anima nel suo mestiere, creando un elenco di pubblicazioni variegato e sublime. Il catalogo di Mingus è un viaggio da brivido. È selvaggio, imprevedibile, instabile, ostile e brillantemente immaginativo. È tutto quello che ci si aspetterebbe da un uomo come Charles Mingus.

Pithecanthropus Erectus (1956)

Questo disco è tanto innovativo quanto audace. “Pithecanthropus Erectus” era un'opera ad alto concetto, in cui Mingus rivelò che era un poema tonale. Il poema dettava il viaggio dell'evoluzione di un uomo ominide da scimmia a uomo eretto, solo per far autodistruggere l'uomo ominide come conseguenza della natura umana.

Mingus ha anche creato l'incredibilmente affascinante “A Foggy Day (In San Francisco),” in cui dipinge esattamente quell'immagine, con la musica. I fischietti suonano, le auto clacsonano e le sirene squillano, creando un'immagine pittoresca di una giornata nebbiosa a San Francisco. Nel 1956, questo era semplicemente inaudito. Mingus era audace, avventuroso e coraggioso nel tentare una cosa del genere. La bellezza del brano è che non è un cliché, né sembra ridicolo. Sei davvero trasportato in un altro tempo e luogo.

È stato durante questo album che Mingus ha veramente sperimentato con il modo in cui compose e creò musica. Si dice che abbia creato soli e composizioni per i suoi musicisti, basandosi sulle loro personalità e non sulle loro capacità. Come compositore che tradizionalmente dettava le parti scrivendole su carta, Mingus scelse di abbandonare questa forma di composizione e invece di dettare le parti a orecchio e lasciare che i musicisti si esprimessero liberamente.

Questo album dimostrò che era un padre fondatore del jazz improvvisato, aprendo le porte a molti musicisti e incoraggiandoli a creare musica che sfidava la musicalità convenzionale. Pithecanthropus Erectus ha posto fondamenta musicali che influenzerebbero il genere per sempre.

The Clown (1957)

The Clown è un album che ha continuato con la forma improvvisata di Mingus. Tuttavia, è audace e ha un'identità così forte. È stato durante questo album che Mingus rivela di essere uno dei più grandi contrabbassisti e compositori di sempre.

Il suo solo durante “Blue Clee” è semplicemente glorioso. Ha un'aria blues, suona grezzo ed è immediatamente affascinante. Mingus richiede che tu ascolti, che tu prenda nota e che tu ti diverta. Mingus suona con una fiducia contagiosa. La sua capacità di alterare le dinamiche sia del suo strumento che della sua band è senza pari.

Questo è ancora dimostrato in “Haitian Fight Song.” Per un po', Mingus suona da solo. C'è una sensazione cupa nel suo solo. C'è un punto in cui la musica sembra senza direzione, finché la band non rientra nella canzone, allora realizzi che Mingus sapeva dove stava andando fin dall'inizio.

“Reincarnation of a Love Bird” era una canzone che non era stata originariamente composta in memoria di Charlie Parker, ma dopo un periodo di lavorazione della canzone, Mingus si rese conto che la canzone “era Charlie.” Proprio come Charlie Parker, la melodia è una composizione libera, disordinata e spesso disorientante. Le note oscillano da flat a sharp, il ritmo cambia da veloce a sonnolento. È sicura, poi confusa. In termini di metafore, non ci si avvicina di più a Charlie Parker.

Il brano di apertura “The Clown” è rivoluzionario. Intrecciato di sottotesti sardonici, il brano semi-improvvisato ti fa sentire inquieto fin da subito. La canzone è narrata da Jean Shepherd, che parla di un clown e del suo desiderio di affetto e accettazione. Anche quando il clown riesce a far ridere la gente, si sente comunque degradato. Anche se Mingus stava avendo successo come musicista, sentiva sempre che forse non era nei suoi termini. Mingus era un individuo tormentato, che spesso si sentiva controllato dalle restrizioni e dalle barriere create dalla razza, dalla classe e dalle etichette discografiche. Anche quando stava avendo successo, Mingus non era necessariamente felice. “The Clown” è una canzone che ti offrirà la più profonda e oscura visione della psiche di Mingus.

Mingus Ah Um (1959)

Mingus Ah Um è un album meraviglioso. Anche se comune ai giorni nostri, Mingus stava facendo dichiarazioni politiche dure sulle razze e sulla segregazione nel 1959 che pochissimi osavano fare. “Fables of Faubus” era un attacco diretto al governatore dell'Arkansas e alla sua opposizione all'integrazione di nove studenti afroamericani nella Little Rock Central High School. Mingus era catatonico nell'azzardare una tale dichiarazione, ma semplicemente non gli importava delle norme sociali, che riteneva governassero il contesto della sua musica. Infatti, queste regole avevano l'effetto opposto e Mingus canalizzava spesso il suo malcontento nella sua musica, come si vede in “Fables of Faubus.” La melodia sembra quasi gioiosa, forse persino comica, creando un tono ironico e quasi circense per deridere il Governatore dell'Arkansas. È un'esibizione gioiosa di ostilità intelligente.

“Goodbye Pork Pie Hat” era un omaggio al compianto Lester Young ed è una melodia lenta e meditativa, ancora una volta mostrando il genio di Mingus quando si trovava dietro il suo contrabbasso. È un'offerta musicale sontuosa. È armoniosa, gentile e morbida. “Pussy Cat Dues” è di una qualità simile, offrendo un'atmosfera elegante e alcolica mentre la musica fresca fluisce liberamente.

Mingus Ah Um è un album venerato per la sua coerenza e personalità. Anche se lo stile musicale varia significativamente, l'album è corposo e ti lascia soddisfatto alla fine di ogni canzone. Ascolta dall'inizio alla fine, lo meriti.

Presents Charles Mingus (1960)

Mingus pubblicò questo album sull'infame etichetta Candid, che gli permise più controllo creativo di quanto precedenti etichette potessero permettere. Di conseguenza, Mingus poté registrare le voci sulla già menzionata “Fables of Faubus,” che fu re-registrata e ribattezzata “Original Faubus Fables.” La Columbia Records si rifiutò di pubblicare la canzone originale con il testo poiché erano di un'ostilità tale che la Columbia considerava troppo antagonista per il paese a cui associarsi. Durante la nuova registrazione di questa canzone, Mingus e la sua band cantano che il Governatore Faubus è un “fool,” un “Nazi” e “malato.” Tali atti di eroismo erano raramente testimoniati nelle luci brillanti della cultura popolare. La canzone stessa è un capolavoro di ritmi intercambiabili, solisti alternati e trame musicali fluide. È un brano essenziale, con una sensazione semi-improvvisata. John Handi e Shafi Hadi si alternano per arricchire il brano con lussureggianti assoli di sax tenore, prima che la musica si zittisca e Mingus prenda il controllo sul suo contrabbasso. Suona furiosamente, scivolando sopra e sotto il suo manico con una ferocia intenzionale. L'aggressività e il derisione sono antagonistici, il che è un piacere da osservare.

Il piacere che si può avere da Presents Charles Mingus è quello di un controllo creativo precedentemente menzionato. “What Love” è l'opera del fenomenale quartetto composto da Mingus, Eric Dolphy, Ted Curson e Dannie Richmond. La trascendente musicalità è provocata dalla libertà che otterrebbero da Mingus. Mingus guidava la band con il suo contrabbasso, dichiarando che erano liberi di creare la musica che volevano ma dovevano adattarsi in base a quello che stava suonando sul suo contrabbasso, sia ritmicamente che tonally. Ogni musicista prende a turno un assolo, creando così una composizione inimitabile. Tra tutte le opere di Mingus, questo è un pezzo eccezionale di improvvisazione unica. L'album nel suo complesso è un capolavoro creativo.

Blues and Roots (1960)

Blues and Roots è un album potente e travolgente. Traendo da blues, gospel e soul music, Mingus dichiarò nelle note lineari che creò questo album per affrontare i critici sull'idea che non swingasse abbastanza. Quando Charles Mingus si trovava in un angolo, spesso veniva fuori colpendo. Con Blues and Roots, questo era letteralmente il caso.

Non è necessario dire che Mingus fa il suo punto dalla prima all'ultima nota. Blues and Roots oscilla forte ed emana soul. “Wednesday Night Prayer Meeting” è blues grezzo al suo meglio. La band gioca in piena forza durante il pezzo, con Horace Parlan che suona il pianoforte con un'autorità impressionante. La band si alterna per suonare il blues, suonando fresca e raffinata, ma al contempo semplice e unica.

Pepper Adams è particolarmente prolifica in questo album, con il suo sax baritono che aggiunge una sensazione terrosa ai brass che davvero porta il blues nella musica. Questo è particolarmente presente durante “Cryin’ Blues.” Pepper Adams fornisce una spina dorsale alla band, strappando un riff profondo e basso di sax baritono. I tenori Jackie McLean e John Handy si uniscono in modo impressionante a Pepper Adams, unendosi per creare un casino.

È difficile separare ogni traccia e scegliere perché è brillante. Blues and Roots è un viaggio, quindi seguilo e goditi il viaggio.

Oh Yeah (1962)

Oh Yeah presenta quello che potrebbe essere considerato un'imponente formazione di brass. Il cocktail di Booker Ervin e Roland Kirk è fenomenale, con l'ascoltatore che fatica a trovare una migliore amalgama di brass di questa.

“Devil Woman” è un cocktail shakerato con la sezione di brass sopra, creando un jam morbido e terroso che è blues e post-bop in egual misura. È un brano seducente, con Mingus che guida, questa volta al pianoforte. I tasti cadono come gocce di pioggia, mentre sono accompagnati dalla miglior combinazione di brass al mondo. Roland Kirk e Booker Ervin offrono successivamente solisti individuali che si sciolgono in bocca. Gli assoli sono delicati e ogni nota suonata perfettamente. Meno è di più, o così si dice.

Una volta che sei bello e rilassato, il ritmo cambia con “Wham Bam Thank You Ma’am.” Questo è un hard bop al suo meglio. La band scende su un ritmo veloce, guidata da un animato Mingus che grida per tutto il brano. Roland Kirk ancora una volta propone un furioso solo, mentre viene incoraggiato da Mingus. “Yeah, Roland!” urla. Non puoi fare a meno di farlo anche tu. In realtà ti fa muovere.

Lo stesso si potrebbe dire per “Eat That Chicken.” Questa melodia è un altro classico di bop gioioso. Non puoi fare a meno di annuire con la testa e ballare ovunque tu sia in quel momento.

Tijuana Moods (1962)

Tijuana Moods è la definizione del dizionario di caos organizzato. L'album presenta “Ysabels Table Dance” e sia detto, mai una canzone ha avuto un titolo più perfetto. Il ritmo di questo titolo ti fa girare la testa. Inizialmente, “Ysabels Table Dance” erutta nel caos, solo per rallentare per fare spazio a un lussuoso assolo di Curtis Porter. Come se venisse dal nulla, il ritmo riprende nuovamente e il caos regna sovrano. Ysabel Morel alle castagnette merita una menzione, con le sue castagnette che sono un particolare punto in evidenza durante questa canzone. Il suono simile a un grillo delle castagnette salta al centro dell'anarchia con il loro suono coinvolgente e impossibile da sostituire. Fate attenzione, questa musica potrebbe incoraggiarvi a partecipare anche voi a una vostra tavolata danza.

La bellezza di questo album è la metamorfosi dal caos all'impassibilità, da una lotta a un bacio. Forse questa personifica perfettamente la diagnosi bipolare di Mingus. “Flamingo” è la traccia di chiusura, ed è un finale sdolcinato e vagante. Bill Triglia suona al pianoforte mentre Clarence Shaw si esibisce al tromba. I due si completano a vicenda creando un'atmosfera vellutata da morire. È una conclusione senza pari per un album. È un caffè dopo un grande pasto; è una sigaretta dopo il sesso.

The Black Saint and the Sinner Lady (1963)

Proprio come Mingus Ah Um, The Black Saint and the Sinner Lady è stato accolto con reverenza. The Black Saint and the Sinner Lady è un'opera d'arte abrasiva e litigiosa. Si potrebbe sostenere che questo album di big band rientra nel campo dell'avanguardia, pur rimanendo fedele alle caratteristiche di un tradizionale album di big band.

Mingus registrò questo album con un'ampia gamma di musicisti dotati, incluso Booker Ervin al sax tenore, e gli arrangiamenti furono creati dal famigerato Bob Hammer. Formare questa relazione con Hammer è stata inestimabile per lo sviluppo musicale personale di Mingus. Più tardi, si riferirà a Hammer come il suo “Beethoven.”

Un brano di spicco sarebbe “Group Dancers.” Jaki Byard ha posto le fondamenta per questa canzone, con un delicato e gentile pianoforte. Inizia lentamente, con Byard che detta il ritmo del brano con autorità. Dopo momenti di quello che sembra essere un vagare, il ritmo cambia drasticamente e il brass entra nella musica come un toro in un negozio di porcellane, rompendo tutto ciò che tocca. In un attimo, il caos si calma e Jaki Byard ci riporta sulla terra, raccogliendo i cocci che sono stati sparsi. È fantastico.

Le ultime tre tracce di questo album sono fuse in un unico movimento e durano 17 minuti. Si chiamano “Trio and Group Dancers,” “Single Solo’s and Group Dance” e “Group and Solo Dance.” Le tre tracce sono un disordinato e vivace pasticcio che spesso discende nel caos, con il brass che vola a destra e a manca. La big band si unisce per creare un enorme suono che ti fa battere i piedi. La band porta a una crescendo tremenda, operando a una velocità fulminea che difficilmente puoi tenere il passo. Prima di sapere, la band rallenta completamente. The Black Saint and The Sinner Lady può essere estenuante, eppure esaltante.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus (1963)

Ancora una volta collaborando con Bob Hammer, Mingus offre un album post-bop alquanto ridotto e vivace. Sebbene una big band compaia in questo album, Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus sembra più grezzo rispetto alle registrazioni precedenti.

“II B.S” mette in mostra il poderoso suonare del contrabbasso di Mingus. Strappa le corde del suo contrabbasso, tracciando una linea di basso concreta per la band, che entra e esce quando Mingus lo permette. Mingus è in completo controllo, con questo brano che esibisce tutte le sue abilità bombastiche. “Better Get Hit in Yo’ Soul” è tagliato dalla stessa stoffa e presenta l'altro mondo Eric Dolphy che guida una sezione di brass che prende il volo attraverso questo brano. Gli assoli sono vivaci e frizzanti, con la band che mostra una sinergia e una fiducia che possono nascere solo da musicisti guidati da Hammer e Mingus.

“Theme for Lester Young” è una melodia più lenta e sonnolenta. È elementale, e intrisa di carattere. Dalla prima nota all'ultima, ti senti trasportato. Quando inizia, sei immediatamente trasportato in un bar fumoso di New York, e stai bevendo con il caro Lester stesso. Era una canzone creata in memoria di Lester Young, che lui avrebbe certamente adorato.

Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus è frequentemente trascurato, ma non dovrebbe esserlo. È un album post-bop sicuro, ben rifinito che merita la tua attenzione.

Let My Children Hear Music (1972)

Let My Children Hear Music è un delizioso pezzo di orchestrazione e ciò che Mingus considerava il “miglior album” che avesse mai realizzato. Durante questo album, Mingus sintetizzò con i compositori e trascrittori Sy Johnson, Alan Raph e Hub Miller. Essi lo aiutarono a creare una composizione ben congegnata alleviando alcune delle pressioni che in precedenza causarono a Mingus un crollo e un successivo break dalla musica.

Di conseguenza, Let My Children Hear Music era un album che adottava un approccio diverso rispetto agli altri album di Mingus. Sebbene Mingus fosse in controllo del corpo principale della musica, vi era maggiore delegazione coinvolta durante questa registrazione e contributo conseguente di altre persone. Sebbene la musica creata non fosse intrinsecamente nuova per Mingus, le tecniche di post-produzione, gestite da Teo Macero, offrirono agli ascoltatori un album di Mingus prodotto con nuove tecniche e idee. Teo Macero usò con intelligenza un cocktail di sovraincisioni, effetti sonori e campioni esistenti per creare una sensazione profonda, di ottone e assertiva.

“The Chill of Death” è sublime, sembra più una colonna sonora per un film horror che un brano bop di formazione classica che ci si aspetterebbe. La sezione degli archi è inquietante, con Mingus che recita una poesia su questi archi che ti fa venire i brividi.

“Hobo Ho” è un magnetico pezzo di bop. Bobby Jones ti lascia davvero pensare al suo sax tenore, mentre Joe Wilder e Lonnie Hillyer rispondono con assoli di tromba selvaggi su una traccia di 10 minuti, che sembra una rissa musicale tra musicisti di brass. L'orchestrazione di questo album è davvero così buona, e ti fa sentire che il supporto di una così grande e impermeabile orchestra offre al solista una confidenza che esemplifica le loro abilità.