I 10 migliori album jazz moderni di Londra da possedere in vinile

Facilitare questa ascesa nel jazz moderno di Londra è lo spirito di collaborazione che collega le sue stelle. Questi virtuosi appaiono frequentemente nei dischi degli altri. Saltano sul palco insieme e si ritrovano nei salotti degli amici quando necessario. La chimica di una comunità artistica così unita può essere difficile da racchiudere e quasi impossibile da definire. Quando riesci a trasferire quella chimica su vinile, sembra un piccolo miracolo.

Per i neofiti che cercano un modo per entrare nel jazz moderno di Londra, un ascolto fondamentale è la compilation Brownswood We Out Here, una delle prime uscite a racchiudere la magia. Qui, ci siamo concentrati su 10 delle migliori dichiarazioni complete illuminate da band e artisti individuali provenienti da The Old Smoke negli ultimi anni. Ognuna di esse funge da Prova A di una scena jazz fumante, indelebile e innegabile, che richiede attenzione a livello globale. Nessuno che si sintonizza adesso lo dimenticherà mai.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders (2016)

Cerca Londra per le figure centrali nella sua nuova rinascita jazz e presto ti imbatterai nel sassofonista inquieto e bandleader Shabaka Hutchings. Il bohemien britannico di Barbados ha fatto quanto chiunque altro per definire la scena. Tra il suo coraggioso e ampio corpus di opere, Wisdom of Elders è un evidente punto di forza. Per creare il disco, Hutchings si è recato a Johannesburg e ha fatto amicizia con un gruppo di musicisti locali conosciuti come The Ancestors. Il risultato è un disco ricco e potente che mescola i toni melodici di Hutchings, il patrimonio sudafricano della band e le lezioni di Sun Ra. Descritte come "un salmo in nove parti," queste sono composizioni che suonano come il lato maledetto della spiritualità. I cantici vocali logori somigliano a antichi mantra o a tragiche processioni funebri. Eppure il sassofono di Hutchings è rilassato e lussureggiante su canzoni come "Joyous." Nel frattempo, "Give Thanks" presenta il supporto delle scintillanti percussioni di Tumi Mogorosi e poco altro, offrendo spazio chiaro per Hutchings per respirare fuoco ardente attraverso il suo strumento di scelta.

Yussef Kamaal: Black Focus (2016)

Probabilmente troverai Black Focus nella sezione jazz del tuo negozio di dischi locale. Certo, questo è jazz — gli strumentali non vincolati di Yussef Dayes e Kamaal Williams si muovono con lo spirito del genere. Ma i due londinesi del sud-est mescolano i suoni classici di funk, soul, boogie, afrobeat e hip-hop in una miscela elegante che distilla questo angolo pluralista e glorioso del Regno Unito. Richiamando, in particolare, i classici suoni soul-jazz di Roy Ayers e Lonnie Smith, così come la musica moderna delle stelle della scena di Los Angeles come Robert Glasper e Thundercat, gli arrangiamenti sono senza tempo come una cravatta sottile o un bourbon. Le percussioni di Dayes schioccano davvero, mentre le chiavi stilose di Williams vagano liberamente, contribuendo a sostenere le melodie fluide dell'album. La chimica della coppia è forse meglio esibita nella finale "Joint 17." Ci vuole suprema abilità e un'illimitata tranquillità per rendere un arrangiamento così sbilanciato così rilassato e senza sforzo.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive (2017)

Su Nubya’s 5ive, il sassofonista Nubya Garcia, nata a Camden, offre il nettare più liscio di Londra. Prendi "Lost Kingdoms," che scorrono dolcemente come il raso all'orecchio, mentre il più tradizionalista "Red Sun" evoca l'approccio libero di Wayne Shorter. Anche se Garcia è indubbiamente la stella qui, raduna una band stellare dalla scena locale che aggiunge il proprio senso di stile all'album. Le percussioni eccentriche di Moses Boyd offrono la base perfetta per l'album, mentre il pianoforte distorto e senza confini di Joe Armon-Jones in "Fly Free" è un pezzo energetico e in crescendo di gioco libero. "Hold" è alimentato da una sezione di ottoni profonda e ruggente. Che la canzone sia presente qui in due versioni diverse sottolinea la dedizione del gruppo all'espressione libera.

Zara McFarlane: Arise (2017)

La musica di Zara McFarlane assorbe frammenti del suo background nell'East London, dell'eredità giamaicana e di una vasta formazione musicale formale, che include periodi al London College of Music e al Guildhall School of Music and Drama. Ha messo in mostra la sua voce tremolante e il suono da club jazz notturno nel rimarchevole album If You Knew Her, che ha vinto il premio come Miglior Atto Jazz ai MOBO Awards 2014, ma Arise è il lavoro completo più riuscito nel catalogo della cantante. Lavorando con il batterista e produttore Moses Boyd, che condivide con McFarlane l'origine caraibica, l'album esplora i ritmi della Giamaica: reggae, Kumina, nyabinghi e calypso. Il focus sulla storia è evidente fin dalla breve pista di apertura "Ode To Kumina," che è ispirata dalla tradizione Kumina, una religione afro-giamaicana sviluppata da lavoratori sottopagati provenienti dal Congo nel XIX secolo. Altrove, il ritmo incantevole di "Peace Begins Within" sottolinea un inno di autodeterminazione, con il falsetto fluttuante di McFarlane che dimostra di essere il suo strumento più importante.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile (2018)

La scena jazz di Londra offre frequentemente tranquillanti antisettici al Regno Unito nell'era della Brexit. Guidati da quell'uomo di Shabaka Hutchings, i Sons of Kemet rilasciano uno dei dischi più impegnati politicamente emersi dal caos. I titoli delle canzoni sono immediatamente sorprendenti, ognuno dedicato a grandi e influenti donne nere. L'apripista "My Queen is Ada Eastman," ad esempio, è dedicata alla bisnonna di Hutchens. Quando il vocalist ospite Joshua Idehen grida: "Burn UKIP, fuck the Tories / Fuck the fascists, end of story," scatena la furia della capitale multiculturale che ha respinto decisamente la Brexit ma deve vivere con l'ascesa del sentimento nazionalista. Sonicamente, Your Queen is a Reptile, il terzo album del gruppo, amplia la loro tavolozza musicale. Il movimentato "My Queen is Harriet Tubman" unisce alcuni ottoni bassi, assoli vivaci e una percussione iperattiva che è facile da ballare, mentre il rombante "My Queen is Mamie Phipps Clark" porta le impronte delle bande ska come The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today (2018)

Il tastierista Joe Armon-Jones ha affinato il suo mestiere come membro degli Ezra Collective e insieme al suo buon amico Maxwell Owin nell'EP congiunto Idiom, ma l'album di debutto da solista Starting Today offre una piena rappresentazione dell'ampiezza delle inclinazioni musicali di Armon-Jones. Il suo amore per il R&B, funk, hip-hop e boogie del passato si fa sentire nei solchi dell'album. Anche la copertina dell'album, realizzata dall'artista e amico Divya Scialo, presenta immagini dell'appartamento di Armon-Jones a Londra, riflettendo la natura personalizzata delle sei canzoni.

I punti salienti includono "Almost Went Too Far," un numero setoso che raggiunge i suoni R&B americani degli anni '70 di Larry Levan, Paradise Garage e Shuggie Otis. La title track presenta le cadenze appassionate del vocalist Asheber, offrendo un tempestivo appello alla comunità più svantaggiata di Londra (“Starting today, I’m gonna wipe the blood off these streets,” canta. “Starting today, spread love in the community”). A volte i migliori dischi di debutto sono un'amalgama di idee — come se il creatore non fosse sicuro di poter mai entrare di nuovo in uno studio di registrazione, quindi è meglio sfruttare al massimo il tempo. Qui, Armon-Jones ci dà tutto ciò che ha.

Kamaal Williams: The Return (2018)

Potremmo non sapere mai cosa ha causato la frattura improvvisa di Yussef Kamaal. Dopo Black Focus, la perdita della coppia è sembrata un colpo devastante per la scena jazz di Londra. Qualunque siano le ragioni dietro la separazione, Kamaal Williams è stato rapido a proporsi come il naturale continuum del gruppo. La copertura dell'album e i caratteri di copertura di The Return corrispondono a quelli di Black Focus, un chiaro atto di riappropriazione dell'eredità del gruppo. Più importantemente, The Return ha offerto più delle sonorità cosmiche che hanno soddisfatto altrettanto nella seconda occasione. Le percussioni sono funky, il basso è alzato al massimo, e le chiavi retro-futuristiche di Williams sono gloriosamente setose. Non appena gli accordi lenti e le onde di synth spaziate dell'apripista "Salaam" colpiscono, non serve un musicologo per capire che questo rappresenta un rapido ritorno alla vita attiva per il londinese del sud.

Tenderlonious: The Shakedown (2018)

Tenderlonious, alias Ed Cawthorne, è un sassofonista, DJ, responsabile di etichette e figura chiave nell'arena jazz di Londra. The Shakedown è il risultato di una singola sessione di otto ore, ma con alcuni dei migliori musicisti della scena nel gruppo — soprannominato The 22archestra, che include Yussef Dayes alla batteria e Hamish Balfour alle chiavi — è un disco funky di groove freschi, un elegante lavoro di flauto e chiavi rilassate. C'è anche una forte influenza hip-hop qui: “SV Interlude” e “SV Disco” sono un omaggio a Slum Village, mentre il suono del flauto di Tenderlonious in “Togo” è ispirato dai groove del virtuoso di Slum, J Dilla o MF DOOM.

The Shakedown, però, è un disco jazz fino al suo cuore. "Yussef’s Groove" si apre con percussioni trainanti, e ciascuno dei The 22archestra entra progressivamente, sfruttando pienamente il loro potere virtuosistico, alternando tra basi basse, chic assoli di pianoforte aperti e piano elettrico sfocato. Ci sono momenti di maggiore contenimento, con un'atmosfera in stile Bitches Brew che fornisce un palpabile senso di attesa e passione, mantenendo comunque quel saltare, dondolare degli anni '70 che fanno così bene. The Shakedown potrebbe essere stato registrato in circa il tempo che ci vuole per volare da Londra a New York, ma la band è in un groove così dolce, sembrano come se avessero tutto il tempo del mondo.

Moses Boyd: Displaced Diaspora (2018)

Può esserci solo un Flying Lotus, ma ciò non significa che Moses Boyd non possa adattarsi comodamente nella corsia esoterica di FlyLo. Boyd crea musica elettronica radicata nella tradizione jazz. Dopo aver delineato per la prima volta il suo insolito ambito nell'uscita a quattro tracce del 2017 Absolute Zero (una canzone come “Square Up” sembra estratta da un Sega Genesis hackerato), Boyd espande i confini del suo suono su Displaced Diaspora. Vedi come l'apripista "Rush Hour/Elegua" mescola canti africani tradizionali con le elettroniche soul di Boyd. Zara McFarlane appare nella ballata blu di mezzanotte "City Nocturne." Nel frattempo, la band esperta Kevin Haynes Grupo Elegua è presente in quattro tracce, aiutando a dare un tocco jazz più tradizionale ai brani. Il migliore di tutti potrebbe essere "Rye Lane Shuffle," la frizzante miscela di ottoni sferraglianti, assoli di chitarra e batteria veloce cattura la vivace Peckham da cui prende il nome.

Camilla George: The People Could Fly (2018)

Da bambina, la madre di Camilla George le leggeva spesso storie tratte da The People Could Fly, un libro di racconti africani imperniati sul tema della schiavitù. Il forte senso dello spirito umano da cui l'artista nigeriana con base a Londra trae ispirazione da queste storie influisce sul suo album con lo stesso nome. Questo insieme di jam immaculatamente prodotte e ben strutturate ha un'atmosfera leggera — nessuna supera i sei minuti. Ma il sentimento di George brano dopo brano è palpabile. Il suono delle catene tintinnanti sottolinea potentemente il sassofono di George all'inizio della malinconica "The Most Useful Slave." Lontano dall'essere un solo tono, "The People Could Fly" offre un lato più vivace della sua arte. L'album si conclude con una cover di "Here, but I’m Gone" di Curtis Mayfield, collegando George ai groove socialmente consapevoli degli anni '70, riportando in vita racconti tempestivi per il qui e ora.