I 10 migliori album post-rock da possedere su vinile

Stars Of The Lid: The Ballasted Orchestra

Il terzo album completo di questo duo strumentale, composto da Brian McBride e Adam Wiltzie, è stato anche il loro debutto con l'etichetta di Chicago Kranky Records, un punto di riferimento per la musica ambient ed esperimentale sin dai primi anni '90. Iniziando con un'esplosione di rumore bianco a bassa frequenza per tre minuti (durante “Central Texas,” un omaggio al loro stato d'origine), The Ballasted Orchestra si trasforma poi in un'amalgama di droni di chitarra scintillanti, occasionalmente attraversati da campioni vocali lo-fi; durante tutto l'album, il duo trasforma le loro chitarre in condotti per un zen infettato da overdrive.

Slint: Spiderland

Questo fu l'album formativo post-rock degli anni '90, creato da un quartetto underground di Louisville dal sapore grintoso e noir. Mentre il debutto del 1989 dei Slint, Tweez, rientra nella linea stilistica del punk nichilista e rumoroso dei Big Black (guidati da Steve Albini, che produsse quell'album), Spiderland del 1991 presenta una dissonanza diversa: è lento, cupo e carico di suspense, seppure con una produzione molto più pulita e precisa. È un album che, ad ogni ascolto successivo, rivela un nuovo strato di complessità—ci sono una miriade di riff elaborati e sezioni che non si percepiscono al primo ascolto.

Spesso in un tono pacato e parlato (tranne quando canta in “Washer”), Brian McMahan scrive testi di fantasie gotiche in tutto Spiderland, come l'incontro con una cartomante in “Breadcrumb Trail” e un vampiro solitario in “Nosferatu Man.” La voce di McMahan tende ad essere mixata in modo che sembri un sussurro elusivo, che si muove tra chitarre dal suono imprevedibile e, come suggerisce il titolo dell'album, simile a quello dei ragni.

Tortoise: TNT

David Pajo dei Slint era in realtà il chitarrista dei Tortoise per i loro primi due album—Tortoise del 1994 e Millions Now Living del 1996—ma ha lasciato la band prima di questo album, il loro terzo, venendo sostituito dal veterano chitarrista jazz Jeff Parker. TNT ha una qualità impassibile, un disco troppo volutamente inesplosivo e agitato per essere chiamato con tanto entusiasmo dinamite. Qui, il post-rock dei Tortoise è minimalista, radicato e intensamente influenzato dal jazz. Non sono poi così risoluti in termini di potenza e altezza del livello sonoro (con i Tortoise, i livelli non sono mai estremamente alti)—ciò che conta di più è quanto il percorso verso i livelli sia liscio e naturale.

E quel tipo di ascesa è immediatamente evidente in TNT. La traccia che dà il titolo all'album inizia con alcuni esperimenti percussivi e il riff principale alla fine lo sovrappone; un ritmo si stabilisce senza complimenti seguito da un altro batterista che emula quel ritmo. Per un secondo, un batterista si interrompe mentre l'altro suona una sequenza tranquilla a colpi di bacchetta, ma poi il batterista assente ritorna gradualmente con un crescendo di rollio di tamburi, portando l'intera band—anche se non è gigantesco, il percorso intrapreso dai Tortoise per coinvolgere tutta la band sembra liberatorio. “TNT” esplora note e accordi fuori dalla scala di re maggiore: con l'aggiunta di bemolle, fa e do, nasce una tensione perché non sono nella scala di re maggiore. Tuttavia, l'incorporazione di note e accordi fuori scala ispira un grande, viscerale rilascio in “TNT.” Queste note fuori scala aggiungono trepidazione, quindi sembra liberatorio (come le crescite della batteria) quando ritornano a re maggiore. Nonostante i molti modi in cui le tracce di TNT si sviluppino (si avventurano in territori che vanno dal dub al country all'IDM), una serenità pervade l'album. TNT è come una domenica pigra, di quelle che guardi indietro qualche settimana dopo e concludi fosse una giornata dannatamente bella.

Dirty Three: Whatever You Love, You Are

Trovare un suono veramente vivace e vibrante in un trio è un compito arduo, specialmente uno senza un bassista, ma nonostante il loro setup minimalista (solo batteria, violino e chitarra) e la loro propensione per toni/effects di base, i Dirty Three eccellono in quel tipo di suono in Whatever You Love, You Are del 2000. Insieme alla sua copertina celeste, dipinta dal chitarrista Mick Turner, e ai temi celesti delle canzoni—come il bruciatore lento di 13 minuti “I Offered It Up To The Stars & The Night Sky” e la meditazione free-jazz “Stellar”—l'album mostra che i Dirty Three sono come i Van Gogh del post-rock: sfoggiano un suono che è bucolico, simultaneamente grezzo e colorato, carico di movimento aggraziato e accuratamente reso. (Quella qualità grezza ha sicuramente qualcosa a che fare con la presenza del trio nel roster della leggendaria etichetta punk Touch And Go Records.)

Godspeed You! Black Emperor: F#A#Infinity

Il gruppo di Montreal inizia il loro album d'esordio con un drone distante e un lirismo monotono, ma emotivamente devastante: “The car is on fire, and there's no driver at the wheel / And the sewers are all muddied with a thousand lonely suicides / And a dark wind blows” (da “Dead Flag Blues”). F#A#Inifinity è subito un'immersione nell'angoscia irreversibile—anche se la distopia è trattata in modo più approfondito su “Dead Flag Blues,” e meno sui brani successivi. Ma ciò che rende questa angoscia così attraente è che i Godspeed la esprimono in modo sontuoso ed evocativo.

Efrim Menuck e Mike Moya sono forze complementari, i cui tagli di chitarra sono del tutto nebulosi, bluesy e (anche se frequentano scale minori) piacevolmente melodici. E i Godspeed includono strumenti più tradizionali accanto alle loro chitarre, come violino e cornamuse; le corde danno un elemento neoclassico al post-rock della band, rendendolo ancora più elegiaco. “East Hastings” è una costruzione lenta verso la catarsi, con un apice sinfonico e veloce, il più veloce che F#A#Infinity arriva durante la sua durata. L'ultimo dei tre brani, “Providence,” è il più inquietante quando è al suo stadio più spoglio, tramite due brevi passaggi di a cappella registrati rudemente ed echeggianti—l'ultimo passaggio a cappella è particolarmente inquietante, una ripetizione della domanda “Where are we going?”

Pelican: The Fire In Our Throats Will Beckon The Thaw

Informati dai riff muscolari delle band di sludge per eccellenza come Sleep e Neurosis, Pelican centrano appieno il suono del post-metal, che è fondamentalmente un approccio molto più pesante alla musica post-rock, su The Fire In Our Throats. “Last Day Of Winter” e “Autumn Into Summer” non solo fanno riferimento alle stagioni, ma sembrano sonicamente forze della natura stesse: queste sono tracce ampie, in continua evoluzione, catastrofiche, ciascuna che colpisce per più di nove minuti. Pelican ha una dinamica incredibile durante tutto l'album, sfruttando stili che vanno dall'acustico intimo ai breakdown post-metal robusti; e il modo in cui passano da questi stili è altrettanto incredibile. Pelican ha spianato la strada ad altri atti di genere di altissima qualità, come Bongripper e Tombs.

Sigur Ros: Agaetis Byrjun

Sigur Ros è uno dei pochi gruppi post-rock a fare ampio uso delle voci (insieme agli Appleseed), nonché uno dei pochi gruppi in generale a scrivere testi in una lingua inventata, chiamata “Hopelandic;” il falsetto di Jonsi è celestiale, ma sperimenta anche con la sua vocalità liberando di tanto in tanto un ululato discordante. Agaetis Byrjun del 1999, su cui Jonsi varia tra hopelandic e islandese, è stata la svolta del gruppo, e rimane uno degli album di chitarra più belli degli ultimi 25 anni.

Le melodie richiamano il rock classico degli anni '70—l'organo magniloquente stile Dark Side Of The Moon in “Sven-g-Englar,” il noodling bluesy/soulful nei primi secondi di “Hjartao Hamast”—e come i Godspeed, i Sigur Ros sono grandi con le corde, sebbene gli arrangiamenti su Agaetis Byrjun siano molto più orchestrali e scintillanti rispetto a quelli su F#A#Infinity.

Explosions In The Sky: The Earth Is Not A Cold Dead Place

Come il terzo album per altri di questa lista—Stars Of The Lid, Appleseed Cast e Tortoise—Explosions In The Sky segnò una maturazione decisiva per la band. The Earth Is Not A Cold Dead Place ha trasportato il quartetto texano nella creazione di colonne sonore, dimostrando che questi ragazzi sono esperti nel creare suite trionfanti e culminanti. Inoltre dimostra che il post-rock in generale è uno stile che si presta bene all'arte visiva, e è stato una parte intrinseca del linguaggio delle colonne sonore contemporanee sin dalla sua uscita. I classici brani suite “The Only Moment We Were Alone” e “Your Hand In Mine” hanno anticipato il post-rock emotivo sorto nell'ultimo decennio, riguardante band come The World Is e Foxing.