La tenera sciocchezza e sincerità di Goon Sax

Louis Forster stava guardando il film horror giapponese del 1977 House quando gli è venuta un'idea. Ispirato ai personaggi principali del film, che portavano nomi dei loro tratti di personalità principali — una donna che si aggiusta costantemente il trucco è chiamata Gorgeous, un'altra che ama la musica è chiamata Melody — Forster ha fatto lo stesso con i suoi compagni di band James Harrison e Riley Jones, che si esibiscono con lui come The Goon Sax. Forster ha battezzato Harrison come Lazy, Jones come Busy e se stesso come Bendy.

“Penso che James sia il ragazzo più rilassato,” dice Forster. “James non è rilassato, è James Horizontal Harrison.”

“Credo di essere un po' pigro,” risponde Harrison, la sua voce una manifestazione sonora di un’alzata di spalle. “Ma penso ci siano altre persone nella band che fanno cose altrettanto stupide.”

Dal loro debutto del 2016, Up To Anything, il trio di Brisbane indie-pop incontra post-punk ha smistato molti descrittori — “intelligenti quanto tristi,” “autoironici ma mai melancolici,” “davvero semplici” — anche se “stupidi” non sembrava mai guidare la carica. I Goon Sax, che si sono formati nel 2013 come un duo di Harrison e Forster, figlio di Robert Forster dei Go-Betweens (Jones si è unito nel 2014 dopo pochi mesi di lezioni di batteria), hanno un talento per incorniciare piccoli momenti come ancora più piccoli. Up To Anything, pubblicato quando i membri della band avevano 16 e 17 anni, descrive languidamente le intimità della vita adolescenziale intrise di un desiderio depressivo — “Voglio che la gente pensi a me,” canta Forster nella traccia titolare dell'album.

Anche se solo pochi anni più grandi, i Goon Sax esplorano nuovi territori nel loro secondo lavoro, We’re Not Talking, uscito ora: l'ansia. L'LP è, a volte, frenetico, romantico, nostalgico, pruriginoso. Su “Love Lost,” una traccia guidata da Harrison che presenta archi e castagnette, egli lamenta: “Ho problemi che non so come affrontare / e ho questioni che non voglio che si vedano.” Altrove, Jones cinguetta: “Mi mancherà la tristezza / è l'unica cosa che ho mai conosciuto” su “Strange Light,” un'ode a Brisbane e agli errori commessi lì.

Su We’re Not Talking, tutti e tre i membri dei Goon Sax hanno contribuito alla composizione vocale e strumentale, un’evoluzione rispetto alla scrittura principale di Harrison e Forster su Up To Anything. Dal vivo, scambiano strumenti, con Jones che occasionalmente prende la chitarra e Forster che passa alla batteria, ogni membro un ingranaggio in una macchina che gira costantemente, sempre pronto all'impatto.

“Ci aspettiamo il peggio in ogni momento,” scherza Forster.

“Forse l'aereo non sta per schiantarsi ancora,” risponde Jones, “ma c'è questa sensazione che potrebbe schiantarsi.”

VMP: Come è cambiata la dinamica della scrittura su We’re Not Talking?

Louis Forster: Non credo sia stata una scelta consapevole quella di lavorare su cose in modo diverso. È successo semplicemente che Riley si è sentito più a suo agio a cantare. Nel primo disco, ho scritto qualche canzone in più di James e questa volta James sta scrivendo molte canzoni davvero rapidamente. Tutti noi abbiamo maggiore input sulle canzoni degli altri.

Come funziona il processo di critica quando editi il lavoro degli altri?

Riley Jones: Non ci siamo davvero criticati. Non credo di aver mai sentito il bisogno di farlo. Eravamo un po' come, “Sì, giusto. Abbiamo un'altra canzone. Fantastico,” il che è fortunato.

LF: Non credo fosse, “Mi piace questa canzone, ma cambia quei testi e togli questo pezzo, e poi sarà buona.” Non credo che quel tipo di cosa sia mai accaduto. Avevamo più input sulla struttura delle canzoni degli altri o mentre provavamo, le cose non erano così concrete immediatamente quando iniziamo a suonare una canzone e cambiano molto. Alcune di [queste canzoni] le stavamo suonando da due anni prima di registrarle. Nel frattempo, probabilmente erano abbastanza irriconoscibili rispetto allo stato originale.

È sempre divertente mappare la traiettoria di certe canzoni: ho avuto questa sensazione una volta, ora è questa cosa vivente totalmente diversa.

RJ: È strano come diventi subito una cosa a sé.

LF: Poi, una volta che la registri, ti senti come se fosse tenuta in uno stato permanente, cosa che odio. A volte non penso che la musica debba essere registrata perché continua a cambiare dopo. Tutte le canzoni stanno ancora cambiando per me perché le suoniamo in modo diverso, le suoniamo più veloci o più lente o con persone diverse che cantano. Registrare qualcosa le conferisce quasi uno stato permanente falso.

RJ: Ma è solo un disco. Solo un disco di come suonava.

Ma qualcuno potrebbe aprire Spotify e quello è l'unico contesto che hanno per le canzoni rispetto a qualcuno che ti vede suonare dal vivo molte volte.

LF: Penso che se le suoni in modo diverso rispetto a come è registrata, sembra che l'hai cambiata.

NPR ha menzionato qualcosa di acuto quando hanno scritto che molte canzoni mancano di sincerità quando si parla d'amore. Pensi di avere quella sincerità? Cosa serve per essere davvero sinceri nella musica?

LF: Penso che sia sincera. È divertente guardare indietro a quelle canzoni ora che le abbiamo registrate e scritte un po' di tempo fa. Sono completamente sicuro che ogni singola cosa che abbiamo detto è sincera e vera. Questo è sicuramente qualcosa su cui non posso [trovare] difetti.

Quali sono quei momenti che ti ispirano a scrivere?

LF: Spesso sento di non scrivere necessariamente di cose mentre accadono. Scrivo sempre di cose che sono accadute un po' più tardi. Sono solo eventi e sentimenti che vengono ridotti in testi. Osservazioni su cose. C'era questa canzone che ho scritto per cercare di ricordare dove sono cresciuto prima di andarmene perché volevo ricordarlo specificamente. Era quasi un promemoria mentale.

Che canzone era?

LF: Alcuni parti di “Strange Light.” Anche Riley ha scritto molti di quei testi. Inizialmente aveva un sacco di altri testi, ma quello era lo scopo originale di quelle canzoni.

Quanto influisce il tempo e il luogo nel modo in cui scrivi i testi?

James Harrison: Forse il tempo e il luogo giocano un grande ruolo perché quando scrivo, qualcosa è successo e torno a casa e forse prendo un bicchiere. Mi piacciono molte band di Brisbane e alcune di loro fanno suonare la mia musica come altre band di Brisbane.

LF: Penso che questo disco sia molto legato al tempo e al luogo per me. Brisbane nel 2015, 2016, inizio 2017. Penso molto in termini di anni.

Cosa stava succedendo nelle vostre vite a Brisbane nel 2015?

LF: Ero in undicesima, Riley e James sarebbero stati in dodicesima. Era un periodo emotivamente confuso. Per me, si trattava di innamorarsi per la prima volta ed esserne così sopraffatti.

JH: Ero in dodicesima ed è stato confuso e un po' romantico.

LF: Per me, questo disco parla molto di ansia. L'ultimo disco, il primo, ricordo di aver pensato che suonasse davvero depresso e questo suona più ansioso che depresso.

Stai attraversando tutte le emozioni.

JH: Penso che l'ansia sia una parte importante.

LF: Devi focalizzarti su una certa cosa. Al momento, sto principalmente scrivendo di paura e [quando] cambi quegli argomenti o quelle motivazioni, quali sentimenti si trasformano in scrittura? Senti ancora tutte le altre cose, ma quale punto del tuo pensiero entra in una canzone?

Anche il modo in cui è venuto fuori il disco, sonicamente, è un po' più allegro. Si traduce in un suono più ansioso.

RJ: È rapido e stavo pensando solo ai ritmi e cercando di rendere i ritmi più interessanti in questo. Spero che il nostro prossimo disco non suoni come l'ansia.

Che suono speri avrà?

RJ: Solo un po' più cosmico.

JH: Essere cosmico sarebbe molto meglio.

RJ: Chi sa se è possibile non creare qualcosa come un prodotto di negatività o angoscia. Potrebbe non essere possibile. Forse è possibile, ma non ci piacerà.

Perché c'è questa nozione che dall dolore nasca una grande arte.

RJ: Potrebbe venire dai primi musicisti blues che scrivono la musica più dolorosa, straziante, bella. Forse dobbiamo diventare più dolorosi o qualcosa del genere. Forse non è abbastanza.

JH: Non penso sia abbastanza.

LF: Penso che le canzoni possano nascere anche da un grande benessere. Molta buona musica nasce da un buon stato d'animo. Forse è più un’idea che nasce dal dolore perché molte volte, quando le persone si sentono davvero bene, sono troppo coinvolte in questo per volerne scrivere.

Scrivere ti avvicina a una maggiore chiarezza riguardo alle cose di cui scrivi?

LF: Fino a un certo punto. A volte affatto. Rende quasi tutto più confuso e frustrante perché la musica e ciò che ne fai è limitato. È difficile trasformare qualcosa in un paio di suoni e parole.

RJ: Penso che con questo disco pensavamo di poterlo fare. A me sembrava che potessimo farlo essendo il più onesti possibile. Sentivamo così tanta musica che non sembrava onesta e apprezzavamo davvero quando lo era. Non so se ora avrei lo stesso approccio. Sicuramente mi piacerebbe rimanere sempre onesto, ma mi piacerebbe anche essere più giocoso con esso.

LF: Penso che inizi a renderti conto che, semplicemente descrivendo le cose esattamente come sono avvenute non darà alle persone il sentimento che hai avuto. È stata una cosa strana da realizzare per me. Non puoi comunicare quelle cose.