Le jazz radicalement moderne de BADBADNOTGOOD et 'IV'

Alors que vous lisez ceci—que ce soit tout juste sorti de son emballage ou récupéré après des années sur une étagère—il y a de fortes chances que les quatre membres de BADBADNOTGOOD soient en train de parcourir le monde en route vers ou depuis une nouvelle série de performances. Depuis qu'ils ont commencé à jouer ensemble au début de cette décennie, ce groupe de jazz canadien (enfin, pas uniquement du jazz, mais nous y reviendrons) est devenu l'un des groupes les plus plébiscités de la musique live pour leur combinaison unique de précision et de fluidité. Pour soutenir la sortie de IV, leur quatrième album studio sous la bannière BBNG, le groupe a terminé une tournée mouvementée sur le sol américain avant de traverser l'Atlantique pour se produire à travers l'Europe. Et comme une écoute même superficielle vous le convaincra, les tampons de passeport ont été mérités.

Les membres fondateurs de BBNG se sont rencontrés alors qu'ils étaient étudiants en musique — jazz — au Humber College, juste au nord de l'aéroport international Pearson de Toronto. Ils ont rapidement acquis une petite base de fans en ligne pour avoir réimaginé des chansons de hip-hop ; certaines de ces expériences figurent sur leur premier album éponyme (officiellement BBNG) l'année suivante. Chester Hansen (basse), Alexander Sowinski (batterie), et Matthew Tavares (claviers) exploraient quelque chose qui s'avérerait puissant au fil des ans.

Ce disque a beaucoup contribué à renforcer le battage médiatique qui avait porté le groupe depuis que des singles avaient commencé à apparaître sur YouTube. Moins d'un an après que BBNG ait trouvé (ses) rayons (digitaux), ils sont revenus avec BBNG2, un album plus sombre, souvent plus technique qui a accéléré leur buzz, qui commençait alors à prendre de l'ampleur.

Dans la suite, le saxophoniste Leland Whitty, un collaborateur de longue date, a été officiellement crédité comme invité d'honneur sur deux morceaux. Pour IV, Whitty a été intégré au groupe après avoir été autour de BBNG pendant des années. Mais comme l'explique Hansen, les ressources n'étaient pas disponibles pour le considérer comme un vrai partenaire jusqu'à récemment. “Il était grand temps d'avoir les moyens de l'intégrer à plein temps et de jouer à chaque concert, et d'être en studio,” dit-il. Mais l'avoir autour de façon permanente “étend ce que nous faisons d'une toute autre dimension. Avoir cet élément supplémentaire est incroyable—et il joue tous les instruments, donc cela aide aussi.”

Mais revenons à l'ascension initiale : Le même mois où ils ont sorti BBNG2, le trio à l'époque a servi de groupe résident à Coachella, où ils ont tiré parti de l'une des plus grandes audiences captives que n'importe quel musicien puisse avoir. De plus, ils ont été le groupe d'accompagnement pour Odd Future et pour les performances solo de Frank Ocean, soulignant davantage leur position entre le jazz pur et quelque chose de plus proche du hip-hop et de la pop. (C'est à cette époque que BBNG a créé “Hoarse,” la chanson monolithique et haletante du début commercial de Earl Sweatshirt, membre d'Odd Future, Doris.)

À partir de là, la direction créative du groupe a pris deux voies concurrentes mais divergentes. Pour leur troisième album, sobrement intitulé III, BBNG a délaissé les reprises de chansons populaires, généralement de hip-hop, de leurs deux premiers LP au profit de compositions originales. Ce faisant, ils ont trouvé un équilibre délicat, s'intégrant auprès des fans et critiques plus conservateurs tout en conservant la légèreté et le chaos maîtrisé qui les avaient rendus si populaires chez les auditeurs plus jeunes et plus expérimentaux.

Cependant, les incursions pleines de rap ont continué, atteignant finalement un dénouement peu probable. BBNG a été programmé aux côtés de Ghostface Killah, le légendaire rappeur du Wu-Tang Clan, pour son album Sour Soul. Avec le vénéré Frank Dukes, BBNG a produit la totalité de l'album, qui a été bien reçu par les auditeurs et les critiques. En plus de mettre en avant les voix uniques et le style d'écriture du natif de Staten Island, Sour Soul présentait des collaborations avec des figures emblématiques de Detroit comme Danny Brown et Elzhi, le nouvel espoir de Chicago Tree, et le héros underground MF DOOM. En bref, cet album était un incontournable pour de nombreux amateurs de musique, et a encore renforcé BBNG comme l'un des piliers cross-genre les plus importants du moment. Mais avant longtemps, il était temps de retourner en studio.

Tout comme le théâtre musical et la télévision scénarisée, le jazz et le hip-hop sont des formes d'art nord-américaines uniques et indéniables. Bien que ce dernier genre soit né de la funk et du disco à la fin des années 1970, beaucoup de ses artistes emblématiques incarnent l'éthique du jazz : libre, viscéral, instinctif. Certains artistes de hip-hop—A Tribe Called Quest, ou plus récemment Kendrick Lamar—ont réussi à réutiliser le jazz, mais le genre plus ancien a rarement réussi à s'imposer auprès des nouvelles générations de fans de rap. Et c'est ce qui rend BBNG si unique : leur capacité à fusionner le jazz et le hip-hop instrumental en quelque chose d'aussi insaisissable, d'aussi unique, quelque chose qui leur est propre.

Dans IV, BBNG décide d'élargir leur univers, qui était déjà l'un des mondes les plus captivants et labyrinthiques de la pop music d'aujourd'hui. Ceux qui décrivent la musique instrumentale font souvent référence à ses textures, notamment lorsqu'il s'agit de l'interaction entre deux instruments ou de la manière dont un producteur manipule deux échantillons disparates. Mais IV est si soigneusement élaboré que le même effet peut être obtenu par le même instrument sur la même chanson : des caisses claires qui attaquent et se retirent, des pianos qui semblent articuler des monologues internes compliqués.

Cela provient sans doute des voyages offerts à BBNG par leur récent succès. “Aller dans des endroits comme le Brésil ou certains pays d'Europe et voir des DJs là-bas, ou aller dans un club en Afrique du Sud, vous expose à des scènes locales, et c'est vraiment inspirant,” dit Hansen. “Voir ce qui excite les gens dans différentes régions sur le plan musical peut vraiment vous donner une perspective sur les choses que vous écrivez chez vous.” Il ajoute que le nouveau matériel “semble plus informé par toutes les expériences que nous avons vécues ces dernières années, les endroits où nous sommes allés.”

Pour la première fois, des chanteurs invités sont accueillis dans le groupe. Certains artistes trouvent la collaboration stressante et encombrante, mais BBNG semble simplement plus libre de poursuivre des idées créatives que jamais auparavant. “Tout le monde est venu dans nos studios et nous avons tout fait là-bas,” explique Hansen. Il est rapide à nuancer ses propos, en disant qu'il n'a aucune animosité envers les personnes qui assemblent des chansons par email, mais in fine, il plaide en faveur du contact réel. “Être dans la même pièce que n'importe qui avec qui vous travaillez fait une énorme différence, juste pour pouvoir établir une connexion personnelle—pour comprendre ce que l'autre artiste apporte et trouver un moyen de combiner ce que nous faisons avec ce qu'ils font. Nous finissons toujours par créer quelque chose que nous n'aurions jamais écrit seul, et je suis sûr que c'est la même chose pour les autres artistes impliqués.”

L'effet est immédiatement évident. Prenez “Lavender”, une collaboration avec le producteur montréalais Kaytranada, qui associe une production délicate et rapide à un bas profond percutant. Ou considerz la virtuosique clôture, qui souligne les performances superbes de Whitty et Tavares avec un grand swell de cordes. Dans “Hyssop of Love,” le rappeur émergent de Chicago Mick Jenkins évolue langoureusement, étirant ses provocations (“J'ai entendu dire que ton contact était drrrrry”) avant de se redresser (“Je n'ai jamais eu besoin de dollars pour prouver ma valeur”). Le résultat n'est pas seulement l'effort le plus expansif et le plus dynamique de BBNG à ce jour, mais leur meilleur. Pour que quelqu'un pense que le groupe ne cherche qu'à brouiller les frontières des genres, le titre éponyme est suffisant pour s'assurer que les puristes du jazz les plus exigeants devront respecter les capacités techniques de BBNG.

S'il y a une énergie qui résonne à travers l'album, elle provient de cette proximité. Bien que BBNG soit d'une certaine manière un projet radicalement moderne, ses membres finalisent et enregistrent des morceaux avec des instruments physiques et quand les quatre membres sont dans la même pièce, même s'il n'y a pas de collaborateur impliqué. (Quant aux invités sur IV, Hansen indique que dans presque tous les cas, les sessions ont produit plusieurs morceaux qui ont ensuite dû être réduits à ceux qui apparaissent sur le LP que vous tenez actuellement.) Les membres se vantent que leur nouveau studio, dans le quartier de Little Italy à Toronto—à environ 30 minutes de route de l'école où ils se sont rencontrés—leur a offert un accès de plus en plus important aux talents locaux. Là où de superbes co-auteurs ou musiciens de session virtuoses n'étaient autrefois que des rêves, ils viennent maintenant travailler à tout moment.

IV est un cours magistral sur l'humeur. La suite de trois chansons d'ouverture (“And That, Too.,” “Speaking Gently,” et le “Time Moves Slow” assisté par Sam Herring) est une lente progression, comme se déplacer avec hésitation dans une maison abandonnée. Et bien que BBNG explore différentes tonalités sur les morceaux suivants, ce sentiment—la recherche, la poussée vers l'inconnu—est le thème dominant. “Chompy’s Paradise” est paisible et serein, mais se termine sur une note incertaine, non résolue. Comme la plupart des grands artistes avant eux, le quatuor comprend qu'il est plus important de soulever des questions que d'y répondre.

Peut-être plus que quoi que ce soit, le fait que BBNG ait pu atteindre de tels sommets créatifs témoigne de leur volonté de défier les conventions. Cela va au-delà de l'effritement des frontières des genres : alors que le jazz connaît un grand renouveau dans le paysage de la musique pop américaine, les membres du groupe sont réticents à discuter de leur place dans le genre, ou de leur rôle dans sa mise en avant. En fait, on a l'impression qu'ils passent peu ou pas de temps à ruminer sur de telles choses, ce qui est probablement une bonne chose pour des créatifs essayant de rassembler quelque chose d'unique.

On le voit dans la façon dont Hansen parle de la position du jazz au premier plan des festivals de musique d'été : “Tout ce que vous avez à faire est de regarder les programmations des festivals et de voir Hiatus Kaiyote et Thundercat et Kamasi [Washington]. Kendrick [Lamar] et tout le monde intègrent désormais des sons comme ça dans ce qu'ils font. Voir l'exposition grandir pour des gens incroyablement talentueux comme ça est génial.” Il continue, “Je suppose qu'il y a peut-être un léger changement en cours, où le public s'intéresse à voir des gens jouer de vrais instruments et à observer la façon dont les gens interagissent et jouent ensemble.

Ou peut-être est-ce parce que, comme mentionné plus tôt, “jazz” est une manière imprécise—ou du moins réductrice—de classer BadBadNotGood. “Je ne pense pas que nous nous identifierions même à notre musique comme étant du jazz, à 100 pour cent,” déclare Hansen. “C'est une influence majeure pour nous et cela inspire notre approche de la musique en général, de la façon dont nous apprenons des chansons et écrivons des parties à la façon dont nous improvisons et interagissons les uns avec les autres en studio et sur scène. Mais nous ne voulons pas prétendre que nous….” Il laisse sa phrase en suspens, avant d'évoquer les sentiments compliqués de certains vis-à-vis des itérations modernes du genre : “Ce mot a tellement de baggage pour certaines personnes.

“Pour nous, nous aimons jouer de tout,” dit-il. “Mais oui, c'est super cool quand des gens nous découvrent et nous disent que nous les avons mis sur la voie du jazz cool. Être capable d'inspirer les habitudes d'écoute de quelqu'un est incroyable, c'est le plus grand des compliments.”

Que IV provoque, ou soit partie intégrante d'une révolution, semble distinctement secondaire. L'album est concentré mais libre, virtuose mais profondément ressenti. C'est l'une des pièces de musique les plus captivantes à voir le jour cette année, et c'est le meilleur travail du groupe à ce jour. Bien que le paysage soit toujours encombré de nouvelles sorties, IV mérite du temps et de l'attention peu importe comment vous souhaitez l'appeler.

Le IV de BADBADNOTGOOD est notre album du mois ce mois-ci. Inscrivez-vous ici avant le 15 juillet pour recevoir notre édition spéciale de l'album.