Vinyle dont vous avez besoin : L'échange de disques

Vinyl You Need appelle les personnes qui travaillent dans les magasins de disques et leur demande quels disques ils pensent être essentiels. Cette édition met en vedette The Record Exchange à Boise, Idaho.

Le plus grand magasin de disques de tout l'Idaho a deux portes. Une entrée sur la 11^e rue et une sur W. Idaho Street, donnant accès au paradis musical qu'est The Record Exchange au centre-ville de Boise. Une porte vous mène à un café qui a servi de premier bar à expresso de Boise, menant à un monde de produits locaux, de bibelots de la culture pop et de marchandises de marque. L'autre, cependant, vous mène directement dans le labyrinthe des rayons de vinyles. Dos à dos avec le mur du côté musical se dresse une petite scène, ne dépassant pas un pied, mais assez prestigieuse pour accueillir des artistes comme La Luz et Willis Earl Beale lors du récent Treefort Music Festival en mars dernier.

Alors que la population de Boise continue de croître (Forbes l'a récemment nommée l'une des 20 métropoles américaines à la croissance la plus rapide), le besoin des gens pour la musique live et enregistrée, le café et un sentiment de communauté devrait théoriquement suivre cette tendance. Heureusement, The Record Exchange sert les bons habitants de Boise depuis 36 ans et est prêt à continuer de le faire. Nous avons rencontré cinq employés de The Record Exchange pour voir quels disques ils pensent que vous devriez posséder en vinyle.

Cinq disques essentiels à posséder en vinyle selon The Record Exchange

Rachel Prin, Acheteuse

Artiste : The Clash
Album : Combat Rock
Raison : C'était le tout premier album que j'ai écouté en vinyle. Vraiment écouté. Mon père m'a assise avec une paire d'écouteurs, m'a donné les notes de pochette et j'ai été captivée dès les premières notes de guitare. Après Sandinista! de 1980, cet album ressemble à un véritable retour aux sources pour The Clash. Les paroles de Combat Rock montrent certaines des meilleures œuvres de Joe Strummer lorsqu'il aborde le Vietnam, les droits civiques, l'apocalypse, la toxicomanie et un sentiment général de frustration. Et pourtant, malgré la gravité de certains des contenus lyriques, The Clash parvient à équilibrer l'intensité avec des chansons pop incroyables. « Should I Stay or Should I Go? » est de l'or pop, et je vous défie de ne pas danser sur « Rock the Casbah ». Il y a quelque chose qui se dégage en écoutant cet album en vinyle que j'ai toujours pensé être perdu dans tout autre format. L'intensité et le désespoir des paroles, le flou de la basse de Paul Simonon, le twang de la guitare de Mick Jones et le rugissement de la voix de Strummer semblent tous plus puissants lorsqu'ils passent à travers le vinyle. Avec la formation classique pour la dernière fois, Combat Rock est sans doute le meilleur travail de The Clash et un incontournable pour tout collectionneur.

Brion Rushton, Assistant Gérant de Magasin/Acheteur Indie

Artiste : Arthur Russell
Album : World of Echo
Raison : Enregistré avec rien de plus qu'un violoncelle, une piscine de réverbération et sa voix désirante, l'album World of Echo d'Arthur Russell de 1986 est le son des ballades tristes se disloquant et dérivant dans l'éther. C’est une écoute essentielle pour ceux qui, comme Eleanor Rigby, le Père McKenzie et toutes les personnes seules.

Chad Dryden, Directeur Marketing et Promotions

Artiste : Leonard Cohen
Album : The Songs of Leonard Cohen
Raison : Quand je suis revenu au vinyle en 1998, c'était le premier disque que j'ai acheté. J'étais à l'université - impressionnable, sensible et enclin à l'idéalisme romantique. Les disques ont une façon de vous fixer dans les rayons, de vous appeler, et The Songs of Leonard Cohen me séduisait depuis des mois dans un magasin de disques en sous-sol à Athens, Ohio. Quand je l'ai enfin ramené chez moi, je ne pouvais pas l'enlever de la platine. Envoûtantes et mystiques, riches en sens, les histoires teintées de flamenco de Cohen sur le cœur et la chair m'ont attiré encore et encore. Je ne savais pas quoi en penser, ou ce que tout cela signifiait, mais je savais que je n'avais pas vécu et aimé aussi profondément et que je voulais apprendre comment. Alors j'ai continué à le jouer. Et encore. À le retourner sans cesse. Seul dans le noir. Au milieu des amis et des philosophies et des brumes nocturnes. Avec ma femme actuelle la nuit où nous nous sommes rencontrés ; des années plus tard, lorsque j'ai fini par user ma première copie craquante, elle l'a mise dans un cadre, l'a accrochée au mur et m'a acheté un remplacement pour notre anniversaire. À presque 40 ans, The Songs of Leonard Cohen est une écoute bien différente, bien plus profonde qu'à 21 ans. C'est comme ça quand vous vivez avec un disque. Vous changez, il change. Parfois ça s'améliore, parfois ça empire. Leonard et moi partageons un anniversaire. J'aime ça. Et j'adore ce disque. Il ne fait que s'améliorer.

John O'Neil, Gérant de Magasin

Artiste : Wipers
Album : Is This Real?
Raison : Le punk rock est entré dans ma vie au moment où j'en avais le plus besoin. J'ai reconnu le retour de la chanson courte comme une bonne chose, car j'avais grandi en écoutant la musique de mes frères et sœurs plus âgés. Je détestais le rock pompeux et sautillant auquel j'étais soumis par mes contemporains, c'est-à-dire les autres enfants. J'aimais parfois les chansons que j'entendais à la radio, mais j'étais obsédé par le jazz de l'ère des big bands, comme Ellington et Shaw, et Bob Wills et ses Texas Playboys.

J'étais un enfant étrange.

En grandissant dans une partie peu peuplée de l'Oregon, il n'y avait pas beaucoup de choses de groupe en cours. C'était quelque chose que je pensais se passer à New York ou à Londres. L'apparition de Is This Real? a éclaté cette idée fausse. Immédiat, énergique et sombre en même temps, entendre quelque chose créé dans mon état qui sonnait aussi bien que ce qui se passait ailleurs m'a époustouflé. Greg Sage, le chanteur/auteur-compositeur/guitariste de Wipers, était en avance sur son temps en ce sens qu'il croyait aux amplificateurs à lampes, aux signaux purs, aux enregistrements à domicile et à une esthétique « faites-le vous-même ». C'était un homme irritable et auto-suffisant avec des cheveux clairsemés, sans penchant pour les costumes ou le show business (bien qu'il aimait le catch professionnel !).

Ce disque, et son suivi, Youth Of America, explosent du tourne-disque en une ruée, avec un son agressif vers l'avant, des lignes de basse répétitives et des lignes de guitare plutôt que des solos excessifs. Il y avait des moments mélodramatiques, c'est sûr, mais le manque de pompe était rafraîchissant. Il a inspiré beaucoup d'entre nous dans le Pacifique Nord-Ouest à jouer de la guitare, former des groupes, nous enregistrer et aller de l'avant. Et nous avons activement recherché les autres personnes dans les autres petites villes qui faisaient la même chose.

C'est le pouvoir d'un disque. Je ne m'en suis jamais lassé. Merci à Jackpot Records à Portland pour avoir pris tant de soin de cette réédition, et à Greg Sage pour l'inspiration.

Catherine Merrick, Adjointe au Responsable de la Boutique Cadeaux

Artiste : Karen Dalton
Album : In My Own Time
Raison : Nick Cave a dit un jour que Karen Dalton était sa chanteuse préférée ; cela m'a suffi pour enquêter sur qui elle était (bien que de nombreuses années après sa mort) et cet album, son dernier avant sa mort en 1993, fut ma première introduction à elle. Dès les premiers accords de "Something On Your Mind" - un drone répétitif qui mène à sa voix solitaire et abattue, j'étais accrochée par cette seule chanson, et la façon dont elle capture parfaitement le sentiment de quelqu'un reconnaissant de manière innée et affectueuse la douleur qui tourbillonne en une personne proche d'eux. Avec des versions de chansons plus familières ("When a Man Loves a Woman" et "How Sweet It Is"), j'étais ravie par les interprétations de Dalton et surtout par sa phrase unique, presque jazzy, ce qui me laissait parfois me demander si elle allait "revenir" dans la chanson, mais elle le faisait à chaque fois. Enregistré par de nombreux autres artistes, la version de Dalton de "Katie Cruel" (une chanson folklorique traditionnelle américaine/écossaise) est souvent considérée comme la meilleure. Avec juste un banjo, un violon et sa voix, elle vous transporte pratiquement sur un mont boisé - l'air lourd de fumée de camp et de feuilles mouillées. Bien que la version américaine de la chanson soit censée remonter à la guerre d'indépendance, je ne pouvais pas m'empêcher de me demander si Karen s'identifiait à elle à un niveau plus personnel, étant elle-même une ancienne partie de la scène musicale folk de Greenwich Village des années 60 (et très appréciée par Bob Dylan, entre autres, à l'époque), mais c'est le génie de sa voix. Elle avait la capacité d'interpréter des chansons si profondément qu'on ne pouvait s'empêcher de croire qu'elle chantait sur elle-même. L'autre piste remarquable pour moi est "Are You Leaving For the Country", un mélange décontracté de R&B et de folk, avec la voix douce et fracturée de Dalton flottant languidement au-dessus des guitares acoustiques et de la basse, ce qui déclenche inévitablement l'envie de sauter dans la voiture et de trouver un vieux chemin de terre à suivre. À vrai dire, j'ai aussi cela en CD, juste pour écouter dans la voiture, mais la chaleur et la fragilité de la voix de Karen Dalton, ainsi que la pureté des instruments acoustiques, ressortent beaucoup mieux en vinyle. Il y a quelque chose de bien plus magique à écouter ces chansons en étant assis par terre dans une pièce doucement éclairée, surtout si vous êtes avec un ami qui partage votre enthousiasme pour vous lever et recommencer le disque depuis le début.