Un guide sur Tori Amos

Jouant de la musique depuis qu'elle pouvait atteindre un piano, la fille rousse et fougueuse d'un ministre expérimentait déjà la composition à l'âge de trois ans, un processus facilité par le fait qu'elle voyait la structure des chansons comme une lumière kaléidoscopique, un symptôme généralement associé à la synesthésie son-couleur. Rapidement, elle a été envoyée au prestigieux Peabody Conservatory of Music de Baltimore, mais cette relation n'était pas destinée à durer. L'amour d'Amos pour le rock et la pop ne pouvant pas rivaliser avec un environnement si conservateur, les années d'adolescence de la jeune musicienne ont été consacrées à perfectionner ses compétences dans divers bars gays et lieux de piano avant de déménager à Los Angeles pour poursuivre ses rêves.

Malgré la signature rapide d’un contrat de six albums avec Atlantic Records, le chemin vers la célébrité en alt-rock n’a pas été facile. Un projet vite oublié intitulé Y Kant Tori Read n’a pas permis de deviner la matière brute et puissante qui allait suivre. Son effort de synthpop n'ayant impressionné ni le public ni son label, Amos est retournée à la planche à dessin. Ce qui a suivi fut une série de sorties qui s'intégraient simultanément au mouvement explosif du rock alternatif tout en contrariant sa nature apathique.

En puisant ouvertement dans son éducation religieuse, sa lutte pour l'identité et son éveil sexuel pour s'inspirer, Amos a courageusement cherché à explorer l'expérience humaine à travers les politiques de genre, la mémoire et une bonne dose de mysticisme. Suivant férocement ses propres instincts, elle a tracé un chemin distinctif dans une industrie surpeuplée d'hommes en colère brandissant des guitares. Ses détracteurs l'appelaient une imitation de Kate Bush, d'autres se plaignaient que ses paroles et sa personne n'étaient pas assez accessibles, mais cela n'a guère empêché l'auteur-compositeur de rassembler une armée de “Toriphiles”, huit nominations aux Grammy Awards et une poignée de singles à succès particuliers. En essence, elle est devenue le doigt d'honneur affirmé à la masculinité toxique dont les adolescents désenchantés avaient besoin.

À ce jour, elle reste une artiste férocement indépendante que seul un idiot remettrait en question. Avec 15 albums studio à son actif, il y a beaucoup d'humeurs et de tons à explorer. Voici un bon point de départ.

Little Earthquakes (1992)

Avec son groupe précédent vraiment mort et enterré, il a fallu à Amos plus d'un an de bricolage pour convaincre Atlantic de soutenir son effort solo. Ce fut du temps bien dépensé. En prenant tout le mauvais, toutes les erreurs et toute l'hypocrisie des années précédentes, Amos a puisé dans quelque chose de brut et d'incontournable. Des travaux de piano envoûtants et des voix passionnées accompagnent des paroles remplies d'images bibliques, de sexe vide et d'un désir de se sentir bien dans sa peau. Des cliquetis ludiques sur “Silent All These Years” au récit biographique déchirant “Me and a Gun”, les 12 pistes de l'album ne sont jamais moins que cruellement honnêtes.

À 28 ans, Amos avait enfin trouvé sa voix et en le faisant elle est devenue une véritable star culte au Royaume-Uni, atteignant le Top 20 des charts, et a reçu des critiques enthousiastes aux États-Unis. Comme elle l'a dit à Rolling Stone en 2009 : “Cela a été un véritable tournant dans la revendication du type de vie que je voulais vivre. Ce fut un véritable commencement.” C'était une sortie exceptionnellement personnelle qui a aidé à laver les excès des années 80 et à ouvrir la porte aux auteurs-compositeurs féminins qui allaient suivre.

Under The Pink (1994)

La base de fans maintenant solidement établie, Amos s'est retirée au Nouveau-Mexique pour créer l'acoustiquement dirigé Under The Pink. Bien qu’embrassant clairement ses débuts classiques, Amos a courageusement opté pour injecter une attitude de l'ère Grunge dans un deuxième effort rempli de mélodies feutrées et de cordes balayées. Le single “Pretty Good Year” a utilisé la dynamique bruit-quiet-bruit emblématique des Pixies avec grand effet, tandis que “God” prend clairement pour cible le Tout-Puissant – suggérant peut-être que notre créateur pourrait avoir besoin de l'aide d’une femme. Trent Reznor, le maître d'œuvre de Nine Inch Nails, fait même une apparition en tant que choriste discret sur la favorite des fans “Past The Mission”.

Le véritable point central de l'album est cependant “Cornflake Girl”, la chanson la plus connue d'Amos qui est encore aussi fraîche qu'à l'époque de son enregistrement. Gospel, pop baroque et bon vieux rock ’n’ roll se mêlent pour créer l'une des pistes les plus distinctives à avoir jamais perturbé le sommet des charts. Bien que près de la moitié des chansons dépassent les cinq minutes, Under The Pink s'est vendu à plus de 2 millions d'exemplaires dans le monde et a solidifié Amos en tant qu'une des auteurs les plus originales de l'époque – une déclaration assurée d'une artiste maintenant pleinement consciente de ses pouvoirs.

Boys For Pele (1996)

Avec des dieux volcans, l'allaitement de porcelets et Lucifer lui-même, on peut dire que Boys For Pele est l'œuvre d'un esprit en colère contre le statu quo. Les relations qui se désintègrent et les hommes se comportant généralement comme des idiots ont poussé Amos à repenser le patriarcat, et dans le processus, son propre art. Les résultats furent son album le plus impitoyable et le plus excitant. Sa première sortie auto-produite, le troisième album d'Amos jette audacieusement le clavecin, des accents de jazz et même quelques rythmes industriels sur une odyssée de 18 pistes comme aucune autre.

Difficile à saisir pour certains fans à l'époque, la nature audacieuse et l'influence féministe de l'album n'ont commencé à être véritablement appréciées que récemment, un essai de la série 33⅓ étant en cours de rédaction sur cette sortie emblématique. Avec des titres de pistes faisant référence à la mythologie égyptienne et aux drogues psychédéliques aidant le processus d'écriture, il y a beaucoup à déballer. C'est une écoute saisissante, comme l'a dit Amos au Daily News à l'époque : “Parfois, la fureur de cela me faisait reculer, j'ai commencé à vivre ces chansons alors que nous nous séparions. Le vampire en moi est sorti.” C'est sa déclaration artistique la plus sauvage dans une carrière remplie de grandes idées.

Scarlet’s Walk (2002)

Dans sa première collection de nouveau matériel de ce siècle, Amos a prouvé que son destin n'était pas lié à celui de ses contemporains ni à celui de son ancien label, optant pour sortir un album concept explorant l'Amérique post-11 septembre. Une sorte de road trip audio, la septième sortie studio d'Amos la voit endosser le personnage de la fameuse Scarlet alors qu'elle explore sa terre natale. Il y a du glamour, de l'histoire des Amérindiens, de l'érotisme, des avions, des taxis et un mélange sain du sacré et du damné.

Plus d'une décennie étant consacrée à parcourir le monde en tournée, Amos a saisi cette opportunité pour explorer l'histoire variée des États-Unis et de ses personnages de manière à la fois biographique et fantastique. Marquant une nouvelle phase de sa carrière, c’est une écoute sensiblement plus détendue par rapport à ses œuvres passées, mais une qui récompense le public avec des écoutes répétées. Le feu d'antan avait été remplacé par un sens de la nostalgie et au fil du temps, le voyage de Scarlet devient le vôtre.

Night of Hunters (2011)

Des albums de Noël, des réinterprétations orchestrales et des comédies musicales ont tous rempli l'emploi du temps d'Amos au cours de la dernière décennie. Sa passion pour l'expérimentation n'a jamais faibli, avec Night of Hunters peut-être se tenant comme sa sortie la plus singulière des 15 dernières années. S'inspirant de compositions originales de Chopin, Bach, Schubert et plus encore, Amos a retravaillé certaines de leurs pièces les plus emblématiques et y a ajouté ses propres thèmes de prédilection sur la maternité et la mythologie. En choisissant ses musiciens favoris parmi des membres des Berlin Philharmoniker, la 12e sortie d'Amos est une écoute grandiose, qui capture avec facilité le pouvoir mystérieux de la nature.

Son premier album à véritablement abandonner toutes les touches modernes, ses 14 morceaux acoustiques ne font que souligner ce que l’icône est une pianiste incroyable. Trois décennies dans une carrière que l'on pourrait décrire comme crossover classique, le sombre Night of Hunters trouve l'auteur-compositeur embrassant vraiment cette étiquette pour la première fois. Parfois envoûtant, à d'autres moments émouvant—Amos prouve encore une fois que peu importent les apparences, sa capacité à établir une connexion émotionnelle avec son public est rarement égalée.