Roberta Flack a brillé sur 'Quiet Fire'

Cette trajectoire inhabituelle a été stimulée par une tournure d'événements inattendue. Malgré sa sortie en 1969, First Take n'a atteint la première place des classements pop et R&B que trois ans plus tard, en 1972. L'inclusion du single « The First Time Ever I Saw Your Face » dans le film Play Misty For Me a conduit à l'explosion de l'album. L'acteur Clint Eastwood l'a entendu à la radio en conduisant et a été tellement ému par cette chanson en grande partie encore inconnue qu'il a immédiatement appelé Flack pour lui demander d'utiliser la chanson dans son premier film en tant que réalisateur. Cette chanson a propulsé Flack au rang de superstar, devenant un succès non seulement américain mais aussi international. Cela a été bénéfique pour la carrière de Flack et pour son premier album, mais cela a éclipsé les mois de ventes croissantes et d'acclamations critiques de Quiet Fire. En conséquence, Quiet Fire serait son seul album à ne pas inclure un hit du Top 40. Ainsi va l'histoire. Cependant, selon l'avis de plus d'un fan, le sous-estimé Quiet Fire représente certains des meilleurs travaux de Flack.

L'album, comme Flack elle-même, occupe une position complexe dans les annales de l'histoire de la musique. La biographie de Flack s'aligne, à bien des égards, avec le récit de Quiet Fire. Peu de temps après cette sortie, elle figurait parmi les artistes féminines les mieux payées du milieu des années 1970. Pourtant, certains considéraient sa musique comme trop pop, trop radio AM, trop tamisée et ne possédant pas les traits attendus de la soul des chanteuses noires. Après avoir vu son set pour la première fois, un critique londonien sévère a écrit : « Ce n'est pas une question de manque de talent, ni de manque d'arrangements imaginatifs... mais plutôt de sa prédilection pour les numéros ultra-lents qui sonnent comme un vieux gramophone à manivelle lorsqu'il manque de vapeur. » Étant donné que Flack s'inscrivait dans une époque avec tant de voix féminines fortes et distinctives, elle était souvent comparée, dès le début de sa carrière, à Aretha Franklin ou Nina Simone.

Bon nombre de ces critiques renfermaient des attentes genrées et racialisées et évaluaient mal son importance. Son art est à la fois mis en lumière et obscurci. Si l'on écoute au-delà de ses succès radiophoniques et que l'on prend en compte l'ensemble de son catalogue et ses performances live légendaires, la profondeur et la gamme de sa musique, avec toutes ses nombreuses nuances, sont faciles à percevoir. Son parcours musical professionnel et vaste est également mis en évidence. Elle a expliqué à un intervieweur : « J'aimerais illustrer à mon public que la musique est un flux continu de conscience. » Quiet Fire répond certainement à cette ambition.

Le talent musical de Flack a commencé dès son jeune âge, fille de Laron et Irene Flack, respectivement dessinateur et cuisinière d'école, qui étaient tous deux de sérieux pianistes sur le côté. Sa mère jouait de l'orgue à l'église et son père était interprète de jazz. Elle a commencé à jouer en étant assise sur leurs genoux. À l'âge de cinq ans, elle a déménagé avec sa famille à Arlington, en Virginie, une ville à seulement 20 minutes de route de Washington, D.C., et de toutes ses influences et génies musicaux. Il est inimaginable que cette proximité avec la capitale n'ait pas eu d'impact sur son personnage musical, même si cela n'a influencé que ceux de son entourage. Elle a décrit son existence d'adolescente comme une routine d'école-église-pratique. À l'âge de neuf ans, elle maîtrisait bien le gospel et la musique populaire. Elle allait bientôt étudier sérieusement la musique classique, remportant même la deuxième place dans un concours d'État en 1952 avec son interprétation d'une sonate de Scarlatti.

Après avoir sauté plusieurs classes, elle a obtenu une bourse de piano à Howard University à l'âge de 15 ans. Elle a rapidement abandonné l'étude du piano pour poursuivre une spécialisation en éducation musicale. Comme beaucoup de virtuoses du piano noir, tels que Hazel Scott et Nina Simone, on lui a suggéré que le succès en tant que pianiste de concert classique était improbable compte tenu des barrières raciales américaines. Le changement de spécialisation visait une carrière durable, mais il lui a également apporté une formation vocale, qui initialement passait au second plan de sa pratique musicale. Après avoir terminé son diplôme à 19 ans, Flack a enseigné la musique de 1959 à 1966. Pendant ce temps, elle a continué à développer sa propre carrière, dirigeant des chœurs gospel, donnant des cours de chant et prenant des leçons d'opéra.

Elle a commencé à jouer la nuit, obtenant finalement une résidence permanente chez Mr. Henry's sur Capitol Hill à D.C. En raison de sa popularité écrasante, le propriétaire, Henry Jaffe, a construit une salle à l'étage spécialement pour ses performances. Elle comportait des sièges de banc d'église et une acoustique obtenue selon les préférences sonores spécifiques et la disposition préférée de Flack. L'espace était visité chaque soir par des audiophiles, le cercle branché local, des musiciens et des célébrités comme Bill Cosby, Carmen McRae, Woody Allen, Johnny Mathis et Ramsey Lewis. Elle jouait du jazz, du folk, du gospel, du rock, de la musique classique et de la soul. Le pianiste de jazz Les McCann, qui l'amènerait chez Atlantic Records, avait entendu parler de la performeuse de 29 ans. Il a décrit sa première fois ainsi : « Heureusement que j'ai trouvé un siège avant qu'elle prenne sa place au piano et chante sa première note, car mes genoux n'auraient jamais tenu debout... sa voix touchait, tapait, piégeait et frappait toutes les émotions. »

Quand elle a auditionné pour le super-producteur d'Atlantic Records Joel Dorn, Flack a joué 42 de ses 200 chansons de répertoire. Elle a été immédiatement signée et a enregistré 39 démos dans les studios de RCA à Manhattan. L'étendue des chansons était incroyable : « A Change Is Gonna Come » de Sam Cooke, « Suzanne » de Leonard Cohen, « Ain't No Mountain High Enough » de Tammi Terrell et Marvin Gaye, et « Afro Blue » d'Oscar Brown Jr. ont toutes été exécutées avec maîtrise et innovation. Six de ces chansons et deux autres deviendraient les pistes de son premier album, lui valant ainsi son titre, First Take. Sa formation rigoureuse dans de nombreux genres, y compris la musique classique et le gospel, ainsi que son expérience dans plusieurs vocations musicales, de l'enseignement à la performance dans les clubs de nuit en passant par la direction de chœurs et l'enseignement du chant, ont conduit à cet album. En outre, cela mènerait à sa stylisation incatégorisable et à ses contributions à la musique.

Il est important de noter que la nature de sa découverte, ses enregistrements de démo initiaux, ainsi que ses premiers et subsequents albums pointent tous vers son talent incomparable. La diversité des musiciens qui ont été attirés par ses sets, même en tant que performeuse de nuit, et l'incroyable diversité de son matériel parlent d'elle comme d'une musicienne avant tout — au-delà de sa formation — dont la voix n'est qu'un de ses instruments. Elle a dit de son approche de son art : « Je dirais que ma formation musicale a été minutieusement étudiée. Je pense qu'il n'y a rien d'instinctif dans l'art. Il y a beaucoup d'instinct dans la créativité, mais l'art est une science. » Bien que tout son travail reflète cette approche, cela est le plus vibrant dans ce qui est considéré comme sa « période classique », qui couvre ses six premiers albums, commençant par First Take (1969) et se terminant par Feel Like Making Love (1975) et incluant Quiet Fire. Bien sûr, cela est également particulièrement évident sur son album de duos très célébré avec son compagnon de l'Université Howard Donny Hathaway en 1972. Leur fusion exquise est précise, magique et apparemment scientifique. Cet album atteindra la 3e place des charts Billboard et produira deux succès R&B N°1, « The Closer I Get to You » et « Where Is The Love ». Pendant cette période, Flack marquera l'histoire de la musique en devenant la première artiste à remporter le Grammy du Record de l'année deux années consécutives (1973 et 1974).

L'importance de Flack dépasse ses enregistrements. Ses performances live étaient plus puissantes et complexes que ce qui pourrait être mis sur disque, ce qui est, bien sûr, la marque d'un grand artiste. Elle doit également être créditée en tant que productrice féminine — une rareté même aujourd'hui — dès le milieu des années 1970. Une fois qu'elle a pris le contrôle de la production en studio de ses albums, elle a produit la majeure partie de son matériel. En fin de compte, elle a sorti plus de 20 albums et continue d'en produire. Flack a reçu le Lifetime Achievement Award de la Recording Academy en 2020, reconnaissant son impact immense. Dans ce contexte, Quiet Fire doit être intégré plus profondément dans son corpus central et cet ensemble d'œuvres essentiel.

La simple couverture de Quiet Fire déguise ce qui se trouve à l'intérieur. L'image montre Flack avec un sourire éclatant qui s'étend sur son visage. C'est joyeux. Le titre de l'album suivi de son nom entoure l'afro parfaitement coiffée qui encadre son visage. « Quiet Fire » ne fait pas référence à la chanson titre de l'album ; plutôt, il signale l'ambiance, la musique et l'art de Flack. Le premier titre de l'album de huit pistes, « Go Up Moses », aux influences soul et gospel, apporte plus qu'un peu d'église à son ouverture. La chanson, une collaboration entre Flack, Joel Dorn — qui produirait ses cinq premiers albums — et le révérend Jesse Jackson, ressemble à une annonce urgente, un appel à l'action. Le titre est un jeu de mots sur la phrase biblique et le spirituel « Go Down Moses », qui fait référence à l'histoire de Moïse exigeant la liberté des Israélites auprès du pharaon. La piste est particulièrement une chanson politique pointue et reflète les temps tumultueux pendant lesquels elle a été enregistrée. Elle va au-delà de la simple demande de libération et insiste auprès de l'auditeur, « Mon peuple / laisse partir le Pharaon... Le Pharaon ne veut pas, mais il a besoin de vous... Sans vous, il n'y a pas de Pharaon. » La chanson démontre l'habileté et la polyvalence musicale de Flack. En fait, les auditeurs pourraient être surpris que les chansons d'ouverture de ses trois premiers albums — « Compared To What » sur First Take, « Reverend Lee » sur Chapter Two, et « Go Up Moses » — soient toutes des ballades lentes.

« Go Up Moses » a un cousin dans « Sunday And Sister Jones », le troisième titre. La parenté n'est pas dans le message politique ou religieux, mais dans leur dépendance à une ligne de fond solide de funk décontracté. Elle a été écrite par Eugene McDaniels, qui a également écrit « Compared To What » et le célèbre « Feel Like Making Love » de Flack. C'est la seule autre chanson relativement uptempo sur l'album. Elle raconte la triste histoire de l'épouse d'un révérend qui a perdu son mari et prie pour sa propre mort. Elle ne survit pas à la journée. Les musiciens sur cet enregistrement agissent véritablement comme une seconde voix aux inflexions de Flack, notamment les percussionnistes révolutionnaires Bernard Purdie et Ralph MacDonald. D'autres musiciens qui créent l'accompagnement luxuriant des riches vocaux de Flack tout au long de la collection incluent les sommités du jazz, le saxophoniste Seldon Powell, le batteur Grady Tate, et le flûtiste Hubert Laws.

La capacité de Flack à interpréter le répertoire américain est pleinement en évidence ici aussi. Un critique de Quiet Fire a dit que la version de Flack de « Bridge Over Troubled Water » de Simon & Garfunkel était un « hymne, une expérience totale. » Sa description ne pourrait pas être plus précise. Flack ralentit le tempo et est angéliquement soutenue par la puissante Cissy Houston et The Newark Boys Chorus. Pour une chanson qui a été réinterprétée des centaines de fois, la version de Flack se distingue. « Will You Still Love Me Tomorrow », écrite par Carole King et Gerry Goffin et enregistrée à l'origine avec beaucoup de succès par The Shirelles, est le premier titre de la deuxième face et était le premier single de l'album. La version au tempo ralenti de Flack rend la chanson plus touchante et moins pop adolescente. De même, « To Love Somebody » des Bee Gees est transformée sur Quiet Fire en une chanson bluesy et introspective tandis que Flack et ses musiciens construisent cette chanson jusqu'à un crescendo palpitant.

Les autres chansons de l'album sont un adieu triste avec « See You Then », le jazzy « Let Them Talk », et l'angoisse de « Sweet Bitter Love ». Pris dans son ensemble, le disque est une sérénade soul. Le chercheur et critique culturel Jason King a décrit la magie de Flack comme étant ancrée dans sa capacité à utiliser sa voix et ses compétences musicales complémentaires pour créer une « ambiance », qu'il définit comme une « intimité collective ». L'architecture de l'ambiance envoûtante de Flack peut être entendue distinctement sur cette collection. Encore une fois, l'une de ses nombreuses contributions à la musique américaine.

Comme beaucoup d'icônes, et je n'utilise pas ce terme à la légère ici, Roberta Flack et sa musique classiquement ancrée, opératique, gospel et infusée de soul sur Quiet Fire étaient en avance sur nous, allant vers un avenir que beaucoup ne pouvaient — et ne peuvent toujours pas — tout à fait imaginer. Des géants de la musique comme Stevie Wonder, Marvin Gaye, Alice Coltrane, David Bowie et Sly and the Family Stone envahissaient les ondes simultanément avec Flack. Même dans la fusion radicale, charmante et transgressive et l'expérimentation de la musique des début des années 70, nous ne pouvions percevoir une musique moins marquée par la race, le genre, la classe et la catégorisation et les genres rigides. Sa musique peut toucher des notes différentes, mais elle ne se distingue pas de son objectif. Elle doit être ajoutée au mouvement collectif de ce moment musical pour nous donner tous un aperçu d'un avenir libéré quelque part.