Margo Price ne peut pas être enfermée

Ce n'est pas que tout allait nécessairement bien en début d'année, lorsque le troisième album de Price, That's How Rumors Get Started, a été annoncé pour la première fois. Mais entre-temps, les choses sont passées de mal en pire. Bien sûr, nous n'avions rien vu venir de tout cela : ni la tornade qui a dévasté la ville actuelle de Price, Nashville, ni le virus qui a tué John Prine et mis à l'écart le propre mari de Price, Jeremy Ivey, ni le compte-rendu racial en cours en Amérique.

C'est au milieu de ces décombres que Price sort sa suite tant attendue à All American Made de 2017, un album qui élargit encore plus sa palette sonore pour inclure des guitares saturées, des ornements de boîte à rythmes et des chorales de soutien soulful. Un refuge étincelant qui lie la country, le rock classique et le blues, c'est à la fois une capsule temporelle — avec des clins d'œil aux albums usés par le temps de Fleetwood Mac, Tom Petty et Neil Young — et un modèle unique en son éclectisme et le lyrisme exact et sans concession de Price.

Alors que Midwest Farmer’s Daughter se concentrait sur l'histoire de Price et que All American Made évoquait un pays en désarroi, That's How Rumors Get Started trouve une place au milieu. Des notes de narration autobiographique abondent, bien qu'elles parlent davantage du passé récent que lointain, avec des morceaux comme “Twinkle Twinkle,” “Gone to Stay,” et “Prisoner of the Highway” capturant les joies, frustrations et chagrins de naviguer dans le monde en tant que musicienne en tournée à succès émergente. Bien que notablement non explicitement politique, l'album a encore ses moments subtils qui rappellent à l'auditeur l'engagement intrépide de Price à dire sa vérité, que la critique le condamne ou non. “You don’t know me. You don’t own me,” chante-t-elle sur le single principal “Stone Me,” aussi farouchement indépendante qu'elle ne l'a jamais été.

Depuis nos respectives quarantaines, nous avons parlé à Price de son album le plus ambitieux à ce jour, de son refus de se limiter et de sa tentative de créer en des temps de crise en constante évolution.

Le son et l'ambiance de cet album sont une progression par rapport à tes deux premiers. Qu'est-ce qui a influencé ta décision de t'étendre un peu plus soniquement avec cet album ?

Je savais juste que je ne voulais pas continuer à faire le même disque encore et encore. J'ai joué dans des groupes de rock avant et je savais que ce n'était qu'une question de temps avant de faire quelque chose de différent que, vous savez, plus enraciné dans la country. Et aussi, l'industrie de la musique country n'a pas été exactement la plus accueillante pour les femmes ou les minorités. J'aimerais sortir de ce petit genre de mentalité de penser, vous savez ? J'adore la musique country, mais je n'aime pas les organisations qui la dirigent.

Je pense que l'une des choses qui attirent tant d'auditeurs vers toi est que tu n'as pas peur de les dénoncer. Les deux premiers singles que tu as sortis de l'album, “Stone Me” et “Twinkle Twinkle” — tu fais des coups de poignard subtils et mérités à la nature de l'industrie et à la manière dont, même lorsque tu deviens successful, cela peut toujours être injuste.

Ouais, juste une série de problèmes différents. Je veux dire, évidemment, je suis vraiment reconnaissante pour ma carrière, mais il y a beaucoup de cerceaux à travers lesquels les gens s'attendent à ce que tu sautes et des attentes et beaucoup de choses sur lesquelles je ne suis pas personnellement prête à faire de compromis ni à faire. Cela a été bon à bien des égards, mais d'une manière ou d'une autre, je suis prête à m'étendre musicalement aussi. Je veux explorer d'autres genres - et j'ai toujours fait ça. Au cours des 15, 20 dernières années à jouer de la guitare, et encore plus longtemps à jouer du piano, j'ai eu un amour pour toutes sortes de musique et de folk et de blues et de musique soul...gospel et punk rock et juste du rock and roll classique. Je pense que tu ne peux pas vraiment être bien arrondi si tu te contentes de rester sur la même chose encore et encore.

L'album me rappelle Southern Accents de Tom Petty and the Heartbreakers d'une certaine manière — il y a un fil conducteur de ton son tout au long, mais c'est si éclectique. Il y a quelques chansons country, des morceaux rock classiques, soul, new wave...As-tu consciemment voulu que cet album soit non seulement plus rock, mais plus complet dans l'incorporation de tes différentes influences?

Je voulais peindre une palette différente, c’est sûr. J'avais fait les deux derniers albums avec la pedal steel et les violons et le mandoline et le dobro. Je voulais faire plus de trucs organiques, avec piano, et il y a des synthés là-dedans. Il y a une boîte à rythmes sur une chanson — il y a aussi des batteries organiques dessus — mais sur “Heartless Mind”, c'est la première fois que j'incorpore des boîtes à rythmes.

Je voulais changer avant que le jeu change. Tu vois ces genres qui deviennent vraiment populaires — je les compare un peu à Alabama Shakes et à l'explosion de soul qui a eu lieu à leur époque où tout le monde poursuivait un peu ce son et les gens voulaient signer des groupes qui leur ressemblaient et c'est devenu un peu tendance de faire ça — comme, même des Blancs faisant de la soul à yeux bleus. Mais après un certain temps, il y a autre chose qui devient à la mode. Je pense que c'est important de s'étendre, et j'en avais besoin mentalement. J'avais besoin de m'éloigner et d'écrire différemment. J'avais fait beaucoup de narration autobiographique, donc c'était bien de devenir un peu plus abstrait. Une partie, évidemment, est basée sur mes expériences personnelles, mais je ne pense pas que c'est aussi facile de toujours dire exactement ce dont je parle dans cet album.

En plus de la narration plus abstraite, il y a beaucoup de chansons qui sont plus immédiates que tes albums précédents, documentant et dressant l’inventaire des moyens de changer ta vie au cours des dernières années. As-tu une préférence entre écrire sur les choses telles qu'elles arrivent ou écrire sur le passé lointain quand tu as plus d'espace entre toi et le sujet ?

Cela aide d'avoir de l'espace et de la réflexion sur ce que tu fais. Comme “Letting Me Down” a été un peu écrit pour un vieil ami de lycée à moi, et mon mari a écrit un couplet pour un vieil ami de lycée à lui. C'était quelque chose auquel je n'avais pas pensé depuis un moment, mais c'était très thérapeutique. Je me retrouve même maintenant, quand je m'assois pour écrire pendant cette période folle de l'histoire — c'est difficile de savoir ce qui va se passer. Jour après jour, les choses changent si rapidement et tu ne sais pas vraiment comment cela va finir. Donc, c'est un peu difficile d'écrire sur quelque chose quand tu es en plein dedans. Trois jours passeront et une nouvelle actualité surgirait et ce que tu as écrit n'est même plus pertinent.

Tu avais un groupe d'accompagnement incroyable sur cet album — Benmont Tench, James Gadson, Matt Sweeney, le Nashville Friends Gospel Choir, pour n'en nommer que quelques-uns. Comment s'est déroulé le processus d'enregistrement et comment ont-ils influencé la direction que prenaient tes chansons pendant que vous les enregistiez ?

J'ai eu tellement de plaisir à jouer avec Matt Sweeney et, bien sûr, James Gadson est une légende complète, de Aretha Franklin à Bill Withers, et il a joué avec D'Angelo. Il était tellement professionnel et tellement positif et amusant à travailler avec. Il s'asseyait juste derrière la batterie et ne se levait pas à moins que nous allions déjeuner. Il était là, engagé, conduisant le train.

Et c'était vraiment amusant d'être dans un espace à East-West Studio parce que c'était comme si nous jouions dans une petite pièce ensemble. J'avais l'impression que tout collait, même s'ils n'avaient pas entendu les chansons auparavant — je ne leur ai pas envoyé beaucoup de démos ni rien. Nous avons fait un peu de pré-production et il y avait quelques trucs, mais principalement je m'assisais avec une guitare acoustique dans la salle de contrôle et la jouais, et puis je disais, “Cette chanson, je veux qu'elle ait une vibe Springsteen.” Ou, “Cette chanson, je veux qu'elle ait une vibe Fleetwood Mac ou Neil Young” — quelle que soit la référence. Puis ils le clouaient complètement. C'était vraiment sans effort, et le processus d'enregistrement était naturel.

Il y a des chansons sur l'album qui semblent être des hommages à ces groupes classiques. “Stone Me” rappelle “Won't Back Down” de Tom Petty; “Prisoner of the Highway” ressemble à une mise à jour de “Wildflowers” de Trio — tout cela à travers ton propre prisme. Es-tu entrée dans certaines pistes avec l'intention de faire référence à d'autres artistes, ou as-tu simplement écrit et, au fur et à mesure qu'elles se déroulaient, découvert qu'elles prenaient des formes similaires ?

Je vais généralement écrire trois ou quatre morceaux de référence. Je ne veux pas prendre complètement une chanson et la déchirer — même si, bien entendu, bon œil pour “Stone Me” et “Won't Back Down.” Celle-là, en fait, je jouais plus frappante avec mon groupe et ensuite c'est sorti un peu plus doux et j'étais comme, “Je ne sais pas…” La plupart des morceaux se sont déroulés comme je l'avais imaginé, mais certains sont venus de manière très différente. “Heartless Mind” — je pensais que cela allait simplement avoir une vibe Heartbreakers à la guitare. Quand nous avons tout mis dessus, j'étais comme, “Oh, c'est comme Blondie ou The Pretenders.” Ce n'était pas du tout ce à quoi je m'attendais, mais j'ai vraiment, vraiment adoré.

Mais, ouais, je pensais juste à quelques-uns juste comme référence pour eux de ce que je visais. J'avais l'impression que c'était utile de donner une sorte de, “Ok, c'est ce que je veux que tu sonnes comme.” J'espère que je ne suis pas trop dérivative. C'était une bonne chose, aussi, avec Sturgill et Bryan David R. Ferguson, de dire que cela ressemble un peu trop à ceci et nous changions des choses, juste pour s'assurer que rien n'était trop rétro ou trop derivative.

Tu as déjà joué avec Sturgill, mais comment c'était de l'avoir pour produire l'album ?

C'était génial. J'avais une certaine appréhension avant de rentrer dedans. Je ne savais pas si cela ruinerait notre amitié parce que je peux être assez opinionnée et j'ai une vision très claire de ce que je veux faire. Mais Sturgill n'arrêtait pas de dire, “Laisse-moi faire un de tes albums. Je te promets que ce sera la meilleure chose. Ce sera la meilleure chose que tu aies jamais faite.” Il était tellement désireux de le faire, et il était génial à travailler en studio. Il a fait venir David R. Ferguson, un ingénieur qui était un bon ami de Johnny Cash et Jack Clement. Nous avons passé un très bon moment, juste à parler de tout et de rien et à rire et à manger beaucoup de nourriture, car j'étais enceinte. C'était vraiment bon d'entrer dans la pièce et de donner un peu, de leur donner les rênes, d'une manière, de dire, “Hé, et si nous écrivions un petit pont ici ?” ou, “As-tu besoin de huit couplets pour cette chanson ?” Et parfois la réponse est oui, mais parfois j'étais comme, “Ok, je suppose que nous pouvons en faire un peu plus concis.”

Tu as parlé un peu avant de comment le processus d'enregistrement pendant la grossesse était une expérience si différente, surtout dans le sens d'avoir une vision très claire.

Je ne m'attendais certainement pas à tomber enceinte. C'était comme juste au moment où nous parlions d'aller en studio. Nous parlions d'enregistrer depuis un moment, mais dès que j'ai vraiment pris la décision d'y aller et de tout commencer, c'est alors que j'ai découvert que mon mari et moi attendions. J'étais sobre depuis quelques mois juste parce que je voulais; mon mari a eu 40 ans et nous étions comme, “Tu sais quoi, nous devrions faire une pause et être vraiment lucides pendant un moment.” Donc j'étais sobre depuis deux mois, puis j'ai découvert que j'étais enceinte. J'avais déjà ce truc très lucide, tout nouveau. Et puis bien sûr, la grossesse a vraiment amplifié cela.

Je pense qu'il y a une énorme connexion entre le processus créatif d'enregistrement d'un album et le fait de porter un bébé. Le processus prend tellement de temps, il commence petit et puis tout grandit et se construit et cela devient ton chef-d'œuvre à la fin, enfin j'espère. C'était super. Je n'ai pas eu de mal à chanter. Bien sûr, à la toute fin, quand j'étais enceinte de plus de neuf mois, j'avais un peu de mal à respirer correctement, mais je n'avais que du temps. Nous travaillions juste sur cela. Il n'y avait absolument aucune date limite, et je sentais que je pouvais tout perfectionner. C'est un peu comme le nidallage, aussi, en étant plutôt spécifique sur les mixages et tout ça.

Ta musique a toujours été politique, surtout en cadrant la manière dont le personnel est politique. Avec l'état du monde actuel, où vois-tu le rôle de l'art et de la musique comme un moyen de faire des changements positifs, ou du moins comme un refuge pour les gens?

J'ai définitivement écouté beaucoup de musique moi-même, donc je peux me connecter en tant qu'auditrice et en tant que fan de musique que cela soulage le stress en ces temps vraiment incertains. C'est difficile de penser à comment je dois partager et promouvoir cet album en ce moment quand il y a tellement d'autres choses dont il faut parler. Mais en même temps, je sais que plus de gens écoutent de la musique maintenant qu'ils ne l'ont fait depuis très longtemps. Je pense que nous n'avons pas eu l'espace pour même le faire. Vous savez, tout le monde était tellement distrait, vivant dans ce monde de 15 minutes. C'est bon de savoir que les arts aident les gens. J'espère juste que les gens réalisent que les artistes ont besoin de leur aide en ce moment parce que c'est difficile de gagner sa vie quand tout le monde peut voir vos médias gratuitement. Cela coûte beaucoup d'argent, et nous devons prendre soin de nos artistes de nos jours, c'est sûr.

Photo de Bobbi Rich