Dawn Richard rend hommage à La Nouvelle-Orléans

La chanteuse-compositrice déclare audacieusement « Je suis le genre » dans la piste d'introduction « King Creole », annonçant le son progressif de l'album. Parmi les titres remarquables, on trouve le titre dansant harmonieux « Boomerang », la piste inspirée du dancehall « Jacuzzi » et l'hymne uptempo « Bussifame ». Dans son intégralité, Second Line remet en question les idées traditionnelles sur le son, la production et l'esthétique visuelle. « C'est un album que les gens doivent écouter encore et encore parce qu'ils doivent digérer ce que c'est », a déclaré Richard à VMP.

Second Line est une ode autoproclamée à la Nouvelle-Orléans. La mère de Dawn, native de Louisiane, sert authentiquement de narratrice tout au long du projet, apportant une ambiance de chez elle aux transitions et interludes. « En tant qu'artiste solo, je suis l'exemple exact de ce qu'est un artiste de la Nouvelle-Orléans. Ma mère est un exemple de cela. Nous sommes des créatures de survie, car nous avons vécu dans une ville qui a constamment été oubliée. Pourtant, nous avons toute cette culture. Nous avons toute cette beauté », a déclaré Richard.

Intitulé d'après une tradition célébratoire de la Nouvelle-Orléans, Second Line incarne vraiment la ville mais de manière non traditionnelle. Historiquement, une Second Line est lorsque des spectateurs rejoignent la ligne principale d'une parade à pied, souvent pour honorer une personne décédée lors d'un enterrement jazz. « À travers la mort, nous trouvons de la positivité. À travers le chagrin, nous trouvons la lumière. Cet album n'a pas besoin d'avoir un orchestre de cuivre pour vous dire que c'est la Nouvelle-Orléans », a déclaré Richard. « Je n'allais pas chanter sur des parades toute la journée. J'allais le faire de la manière dont je me suis déplacé dans l'art. Et tout allait avoir un but d'une autre manière pour influencer ce que cela signifie d'être originaire de cette ville. »

L'artiste originaire du sud décrit sa ville natale comme un melting-pot tant musicalement que culturellement — similaire à son nouvel album. « [À la Nouvelle-Orléans], nous avons des Créoles, des blancs, des noirs, des cajuns, des italiens, des vietnamiens. Nous avons une population très diverse dans la ville. Vous pouvez marcher le long de Bourbon [Street] et entendre un club de rock, un club de zydeco, un club de blues. Vous pouvez entendre jusqu'à huit genres musicaux différents sur un seul bloc. C'est naturel ici », a expliqué Richard. « C'est la même chose musicalement avec cet album. C'est multi-genre, mais c'est intentionnellement mélangé avec toutes ces belles choses pour englober ce dans quoi j'ai été élevée. Je voulais raconter cette histoire. »

Richard a parlé à VMP de la célébration d'une nouvelle vague, mettant fin aux stéréotypes, aux cases et aux limitations dans la musique. De plus, elle explique le revival électro, l'afrofuturisme et la fragilisation des plafonds de verre à travers les genres.

Cet entretien a été condensé et édité pour plus de clarté.

VMP : Avant de parler de l'album, quelle était l'inspiration derrière l'artwork de Second Line ?

Dawn Richard : Si vous regardez mes couvertures, j'ai toujours eu une affinité pour une femme noire qui ressemble à une guerrière. J'ai toujours souhaité cela, si vous regardez depuis Goldenheart jusqu'à maintenant. Il est important pour moi que la femme noire — ou même si ce n'est pas une femme noire, la communauté queer noire, les personnes qui se considèrent comme différentes, se voient comme des royautés et de la grandeur dans le combat.

Et ce que nous avons créé, c'est King Creole, et c'est l'armure. Au lieu que l'armure soit ce que je porterais normalement comme sur Goldenheart — j'ai porté une véritable pièce d'armure. Dans Blackheart, j'avais le visage d'armure qui se détachait. Ou avec New Breed, j'avais la coiffe indienne de Mardi Gras. Cette fois, sa peau est l'armure. C'est donc une nouvelle approche de ce que je vois lorsque je pense aux artistes ou aux personnes qui ont toujours été sous-estimées. Je les vois toujours comme des guerriers et King Creole, moi-même. Je me vois de cette façon.

Intéressant ; quelle est ta piste préférée sur l'album et pourquoi ?

J'adore en fait le trio de « Le Petit Morte » à « Radio Free » en passant par « The Potter ». Ces trois-là sont puissants pour moi car la seconde moitié de l'album est la partie humaine de l'album. C'est beaucoup plus vulnérable. C'est beaucoup plus dépouillé. Alors que la première moitié de l'album est un processus progressif, le côté Android de l'album. Donc, vous avez plus de titres dansants dans la première moitié. Alors que la seconde moitié de l'album est plus apaisante.

Ces trois titres, pour moi, parlent de quand vous êtes curé pour l'industrie ou juste pour les gens. Ensuite, ils vous construisent comme un produit, puis ils vous laissent. Et vous êtes coincé sur l'étagère. Comment vous aimez-vous ? Et comment le monde vous aime-t-il lorsque vous n'êtes plus la chose populaire ? Quand vous n'êtes plus ce qui est le plus considéré comme beau ? Comment survivez-vous à cela, ou guérissez-vous à travers cela ? Et ces trois titres résonnent vraiment, pour moi, l'aspect humain de ce que j'ai traversé dans ce parcours musical.

Dans « Radio Free », tu étais sincère sur ton expérience dans l'industrie musicale. Comment navigues-tu en tant qu'artiste solo, particulièrement en tant que femme noire ?

Je n'ai pas réalisé jusqu'à ce que je devienne l'artiste solo que ma couleur allait dicter mon genre. J'ai toujours aimé l'alternatif ou la danse. J'ai toujours aimé ce son. Et j'ai commencé avec un groupe de filles pop qui était majoritairement multiracial avec principalement des filles blanches. Donc je ne l'ai pas ressenti comme un choc. Ensuite, quand je suis allée à Dirty Money, c'était sévèrement noir. Et c'était du hip-hop. Donc ce n'était rien d'anormal pour quiconque car c'était traditionnel. Ce n'est que lorsque je suis devenue une artiste solo que j'ai réalisé : « Oh mince, ma couleur est en train de me mettre dans une case en ce moment. » Et cela a été le début de cela pour moi.

J'ai dû survivre lorsque tout le monde m'a rejetée — quand ils ne voyaient pas ce son ou n'entendaient pas le son sur une femme noire. Ou le moment où j'ai essayé d'être polyvalente et de montrer que je peux faire tous ces sons différents, et que cela fait sens. Je peux être productrice ; je peux être animatrice ; je peux avoir une trajectoire différente de celle des artistes normaux. J'ai été rejetée pour cela. Cependant, huit ans plus tard, je suis toujours là, essayant de danser à travers tout cela.

Sonore, chaque chanson est un peu différente. Était-ce intentionnel lorsque tu séquençais le projet ?

Absolument ! La séquence était importante pour moi, et je ne voulais pas le cliché. Dans tous mes autres albums, j'avais raconté une histoire qui était si spécifique à l'industrie musicale. Chaque chanson, chaque pièce, était clairement sur le chagrin et la douleur. Alors qu'avec cet album, je voulais que l'album reflète ce que la Nouvelle-Orléans représente pour moi. Donc chaque chanson — même si elles peuvent se mélanger — elles sont très différentes.

Je ne veux jamais qu'un album ressemble à un autre. Je veux vraiment que les gens aiment différentes époques. Ils peuvent ne pas aimer celui-ci, ils peuvent préférer un Goldenheart. Les personnes qui me rencontrent juste, elles pourraient préférer celui-ci et dire que c'est le meilleur album qu'elles aient jamais entendu. Je ne veux jamais que mon art soit comme « je veux être meilleur que le suivant ». Mais plus que tout, je veux créer des œuvres d'art diversifiées qui peignent toutes des tableaux différents mais peuvent être jouées dans leur ensemble. Et quand vous le jouez, vous pouvez vraiment entendre l'histoire. Et vous pouvez voir le parcours, et vous pouvez le suivre. C'est tout ce que je peux demander en tant qu'artiste — c'est que vous ressentiez. Vous pouvez le détester, l'aimer, juste ressentir. Si je peux faire cela avec ceci, alors j'ai fait mon travail.

Les clips musicaux partagent tous un thème commun également. De la vision artistique à la chorégraphie, notamment « Bussifame » et « Jacuzzi ». Quel message essayais-tu de transmettre avec les visuels ?

L'album est une Nouvelle-Orléans post-apocalyptique. C'est le Blade Runner de la Nouvelle-Orléans. Visuellement, j'essayais de personifier cela au mieux que je pouvais avec un budget indépendant. Mon directeur, chorégraphe et les danseurs viennent tous de la Nouvelle-Orléans, appliquant l'art de la danse. Parce qu'ici [à la Nouvelle-Orléans], les parades, les équipes de danse et les majorettes sont omniprésentes. C'est quelque chose de culturel ici. Donc, combiner l'idée d'avoir plusieurs filles dansant avec moi pour créer l'esthétique de la tradition de la Nouvelle-Orléans est présent dans les visuels.

Cependant, de la manière dont nous avons toutes l'air similaires, en créant le concept que, après que ce monde post-apocalyptique se soit produit, la première personne que vous voyez est des femmes noires. Donc le monde s'efface et la première image que vous voyez, ce sont ces filles noires. Même tenue et même coiffure pour raconter l'histoire de l'Android. Elles auraient toutes l'air pareilles, elles danseraient de la même manière. Mais, esthétiquement, il y aurait un look sombre, un look grunge aux visuels. Donc tous mes visuels ne sont pas propres. Ce n'est pas poli comme mes autres visuels l'ont été. Nos costumes ne sont pas parfaits. Il y a des trous, il y a des déchirures. Notre maquillage est moldé. C'est censé être plus brut que mes visuels normaux. Parce que nous sommes dans un monde qui n'est pas poli. C'est brut.

Il est évident dans les crédits que tu étais très impliquée dans le projet dans son ensemble. Surtout en termes d'écriture et de production. Quel a été ce processus cette fois-ci ?

J'ai travaillé [en coulisses] pendant huit ans. J'ai dû construire mon propre décor pour mes spectacles et les démonter après avoir joué pendant deux heures d'affilée. Je n'ai jamais eu qu'une poignée [de personnes pour m'aider]. J'ai eu de la chance et je suis reconnaissante envers ceux qui ont cru en moi et en mon processus. Donc, la plupart du temps, j'ai dû apprendre par moi-même. Et gagner et perdre par moi-même, aussi. Donc ce n'est pas différent. Ce processus créatif n'est pas différent de mes cinq ou six albums précédents. [Pour vraiment] garder le message vivant, pour faire avancer l'art.

Je pense que j'ai été intentionnelle avec cet album. Stratégiquement, de travailler avec beaucoup de personnes de couleur. Travaillant avec des animateurs du Nigéria, ma chorégraphe et ma réalisatrice étant des femmes, des femmes noires, c'était important pour moi. Ensuite, avoir les artistes qui ont créé l'album venant de la Nouvelle-Orléans ; ce sont des mouvements intentionnels.