Sons de l'introspection : Bicep sur leur nouvel album 'Isles'

Leur deuxième album Isles prolonge la tradition de Bicep, mettant en avant leur talent pour le digging et la réinterprétation musicale, alors qu'ils échantillonnent des rythmes R&B ésotériques et des disques disco légers aux côtés de chanteurs malawites et du Chœur Vocal Féminin de la Télévision d'État Bulgare. Avec l'aide des textures psychédéliques de Bicep et de la manipulation mélodique, vous êtes amenés à ressentir le caractère sacré de ces disques rares. Et bien que chaque écoute évoque un voyage émotionnel différent pour chaque auditeur, pour moi, Isles sonne comme une euphorie hantée.

VMP a discuté avec eux avant la sortie de l'album pour parler de techno, de leur processus créatif, et de l'étrange expérience de devenir viral sur TikTok.

VMP : À quel moment le thème de Isles a-t-il émergé ?

McBriar : Après avoir terminé l'album. Cela est venu de la réflexion. Après avoir discuté des choses qui nous ont inspirés et influencés, nous avons regardé les morceaux et réalisé qu'ils étaient essentiellement un hybride des îles sur lesquelles nous avons vécu : l'Angleterre et l'Irlande. Cela approche du point médian de notre temps passé sur les deux, donc cela avait du sens. Nous avons simplement vu les influences de la musique de club irlandaise des débuts, tous les clubs techno et les heures passées à écouter de la trance à la radio, ainsi que la musique folk irlandaise. Ensuite, arrivant à Londres, vous avez votre garage et drum & bass et jungle, des choses que nous n'avions jamais vraiment expérimentées en Irlande, ou peut-être un peu. L'album reflète définitivement les influences des deux côtés du spectre. Avec Isles, dès que nous l'avons dit et pensé, cela a vraiment commencé à prendre sens.

La techno était-elle populaire en Irlande ?

McBriar : Oui, massive. Quand nous disons « massive », c'était encore extrêmement underground. Il y avait de grosses soirées à Shine [l'un des clubs les plus légendaires de Belfast] où ils avaient environ 3 000 personnes, et c'était simplement fou, l'appétit pour cela. C'était une expérience si intense contre une Irlande très conservatrice, où peu d'intensité se produit.

Ferguson : Belfast était, à bien des égards, en retard par rapport au reste du monde, donc avoir cette techno avant-gardiste était fou pour nous quand nous étions enfants ; cela nous a beaucoup affectés et a lancé notre amour pour le digging et la recherche de musique. Cela nous a amenés à faire du DJing et, de là, nous avons découvert toutes sortes de musique. Cela a été un véritable catalyseur, car avant cela, nous étions tous deux vraiment passionnés par la musique rock.

Pensez-vous que la techno était si attrayante pour les gens vivant en Irlande à cette époque ?

McBriar : Le climat (rires). Mais non, je pense que c'est la transcendance. Vous pouvez aussi laisser sortir de l'agressivité. Il y a tant de bouleversements politiques, le temps n'est pas idéal. Et avec la techno, c'est de la musique pour éteindre votre cerveau. Il n'y a pas de voix, juste cinq heures à aller sur une autre planète. Je pense que c'est pour cela que la techno est si populaire pour beaucoup, c'est une chance de réellement se déconnecter et d'entrer dans son propre espace. Cela avait vraiment du sens en Irlande à l'époque. Je me souviens de la sensation d'entrer et de vivre plusieurs milliers de personnes dans une salle, toutes leurs têtes baissées dans l'obscurité totale, et pour la première fois — nous avions 17 ans — c'était juste époustouflant.

Y avait-il beaucoup d'autres environnements où vous ressentiez ce manque de tension entre catholiques et protestants en Irlande du Nord ?

Ferguson : Non. Presque tout le reste en Irlande du Nord est politisé, il est difficile de penser à quelque chose qui ne l'est pas. Même la manière dont la ville est séparée en différents districts, qui sont principalement d'une religion ou d'une autre. C'était fou, la différence que vous ressentiez dans le club. Pas que nous cherchions particulièrement cela, mais cela semblait certainement être une contre-culture par rapport à ce qui se passait à l'extérieur.

Pensez-vous que c'est quelque chose de spécifique à la techno, son effet dépolitisant ?

Ferguson : Le problème, c'est que si vous regardez le punk et le rock, tant de choses sont politiques, mais avec la musique de danse, vous écrivez votre propre récit. Vous entrez dans votre monde lorsque vous l'écoutez. Chacun vit une expérience très différente dans une discothèque de ce qu'il pourrait vivre ailleurs. Je pense qu'il y a plus d'introspection dans la musique de danse, où vous y entrez à votre façon parce qu'il y a beaucoup de lacunes à remplir.

Y a-t-il des émotions particulières que vous essayez de rechercher dans votre musique ?

Ferguson : Nous couvrons beaucoup de terrain. Il y a des jours où l'un de nous est en colère, ou heureux, ou triste, ou peu importe. Nous n'en discutons pas, nous faisons juste des jam sessions en studio en permanence, et ce qui en sort est le résultat de deux personnes différentes qui travaillent ensemble. Nous avons souvent des gens qui disent que notre musique est un mélange de bonheur et de tristesse ; à la fois uplifting et mélancolique. Nous sommes à un stade où nous pouvons le voir assez fortement, malgré le fait que cela ne soit pas quelque chose que nous recherchons activement. C'est quelque chose qui ressort naturellement, cela doit être quelque chose qui est juste à l'intérieur de nous. C'est toujours écrit de manière à ce que les gens puissent l'interpréter à leur manière et faire leur propre voyage avec, afin qu'ils puissent placer leur propre arc narratif. Il y a des scènes futuristes, avec certains des sons du passé — les choses avec lesquelles nous avons grandi. Nous avons une affinité naturelle pour les anciens synthétiseurs des années 80.

McBriar : Nous ne voulons jamais livrer quelque chose de complètement sucré ou totalement sombre. C'est la tension entre ces émotions. Chaque fois que nous avons un morceau qui semble aller dans l'une de ces directions, nous nous assurons de le mener ailleurs. Il y a environ quatre ou cinq versions de chaque morceau sur l'album, et généralement la première version prend une direction assez basique, puis nous prenons un peu de temps et l'approchons sous un autre angle, puis nous essayons de sculpter cette chose multi-couches. Naturellement, étant donné qu'il n'y a que nous deux, nous sommes très rarement sur la même longueur d'onde.

Y a-t-il déjà des conflits entre vous deux lorsque vous faites de la musique ?

McBriar : Oui, ce n'est pas tant un conflit, mais si l'un de nous est très opposé à un certain élément, alors nous devons prendre en considération que quelqu'un d'autre qui écoute pourrait y être opposé aussi. Si nous n'y croyons pas tous les deux, alors ce ne sera pas une idée que nous voudrons garder. Cela vient tous les deux de nos parcours en design et de comprendre qu'il ne faut pas s'attacher trop à vos idées, car quelqu'un dans un certain département les ruinera. Si vous vous attachez trop à une certaine idée ou vision, alors vous la gardez trop près et cela affecte le résultat final global. Nous sommes constamment en train d'ajuster, de questionner et de nous adapter. L'approche doit être collaborative, et il n'y a pas de place pour l'égoïsme. C'est l'éthique de la musique de toute façon, nous essayons d'attirer des influences d'un peu partout. C'est censé être ouvert et tourné vers l'extérieur. Nous avons la même approche entre nous. Nous gardons cela détendu, nous ne tyrannisons pas l'autre personne pour faire passer notre point de vue. Nous avons fait 150 démos, et si l'un d'entre nous n'aimait pas le morceau, il serait abandonné.

Avoir tant tourné votre premier album, est-ce que cela a influencé la façon dont vous êtes entrés dans la création de cet album ?

Ferguson : Oui, définitivement. Grâce au spectacle vivant, nous avons appris beaucoup sur ce qui fonctionne et ce qu'un morceau nécessite pour avoir de la longévité. Nous avons constaté que lorsque nous écrivions beaucoup de morceaux de danse quand nous étions plus jeunes, lorsque nous essayions de déconstruire les morceaux, ils n'étaient aussi bons que la somme de leurs parties. Nos morceaux semblaient ne fonctionner que comme une idée complète, et plus nous nous engagions dans le spectacle vivant, plus nous réalisions que les parties devaient être aussi importantes que la somme globale. Une mélodie devait être suffisamment forte pour être isolée ou intégrée à un rythme de batterie différent afin de continuer à fonctionner.

McBriar : Maintenant, nous essayons de réinventer nos morceaux de nouvelles manières, tout en restant capables de les faire sonner comme la même chanson. Nous avons vraiment constaté que certains morceaux ne se déconstruisaient pas correctement, alors que certains autres que nous avons écrits le faisaient — et ce sont ceux vers lesquels nous tendons. Ceux que nous pouvons vraiment décomposer et jouer en live. Nous ne voulons pas que les morceaux suivent une formule rigide, nous voulons qu'ils soient fluides et ouverts. Les morceaux auront une seconde vie lorsque vous viendrez nous voir en live.

Quelle importance a le sampling dans votre musique ?

McBriar : Même dans les premiers jours du blog, nous sélectionnions des morceaux de hip-hop et recherchions leurs échantillons. Le parcours de la recherche des échantillons originaux et de voir comment un musicien les a réinterprétés est une énorme inspiration pour nous. Nous aimons être ouverts et partager de la musique. Nos morceaux ne sont pas dépendants des échantillons, et il n'y a rien à cacher. Nous voulons que les gens entendent la musique originale, et nous voulons être transparents sur les échantillons de musique que nous avons utilisés. Nous avons un site internet où vous pouvez lire tous les échantillons que nous avons utilisés sur cet album, car nous voulions vraiment souligner pourquoi cette musique nous a influencés.

Diriez-vous que vous apportez l'underground aux masses ?

McBriar : Nous faisons simplement ce que nous faisons. Nous venons certainement d'une culture plus underground, et nous ne pensons pas vraiment être vers le plus commercial. C'est incroyable si cela se connecte à ce niveau, mais ce n'est pas la raison pour laquelle nous le faisons. Nous voulons juste faire de la musique comme nous voulons la faire. Avec Ninja Tune [le label de Bicep], ils ne vous font pas compromettre. Nous livrons la musique et ils disent : « Nous allons faire en sorte que cela fonctionne. » Vous ne ressentez jamais que vous essayez de réaliser un objectif commercial, ce n'est jamais une intention. Avec des plateformes comme Spotify, les gens écoutent de plus en plus de musique expérimentale et sont ouverts à une musique beaucoup plus audacieuse, parce que l'algorithme l'a attiré à leur attention. Vous avez des gens qui ne sont pas vraiment dans la musique de danse ou qui n'iraient pas nécessairement dans des magasins de disques pour faire du digging écoutant ce que nous considérerions comme de la musique plus underground. C'est juste la nature de la musique de danse au cours des dernières années. Il y a des clubs dans Grand Theft Auto qui passent de la musique de danse underground. Si vous m'aviez dit cela quand j'étais enfant, j'aurais dit que c'était la forme la plus commerciale de n'importe quelle musique — d'avoir un club dans un jeu vidéo.

Lorsque vous avez commencé, il n'y avait pas beaucoup de moyens évidents de découvrir de la musique underground, donc votre blog y servait un but. Comment cela se sent-il maintenant que l'underground semble vraiment être en conversation avec le mainstream ?

McBriar : Tout cela est dû aux réseaux sociaux et à la façon dont ils ont évolué. Il est difficile de penser à quelque chose qui est vraiment underground maintenant ou qui n'a pas été exposé. Le monde est si hyperconnecté maintenant, mais lorsque nous avons lancé le blog à l'université, cela ressemblait vraiment à son propre petit coin d'internet. C'est pourquoi le spectacle vivant est si important maintenant aussi, car dans nos têtes, nous savons que les gens connaissent la musique, mais la seule façon qu'ils auront d'expérimenter notre réinterprétation est dans un club ou lors d'un festival. Nous voulons créer ces petits moments dans le temps de cette manière, car au moins cela vous donne quelque chose qui n'est pas atteignable à chaque coin de rue.

Ferguson : Tout le monde veut tout maintenant.

Étant donné que vous venez d'une culture du digging — qui je pense est une façon vraiment spéciale de créer un lien avec la musique — pensez-vous que ce lien devient compromis lorsque la musique est simplement servie sur un plateau algorithmique ?

McBriar : Il y a plusieurs façons de le voir. Maintenant, plus de gens ont accès à plus de musique, c'est probablement une bonne chose. Il y a quarante ans, certaines personnes n'écoutaient que le top 10 et la radio mainstream, mais maintenant plus de gens entendent ces choses. Cependant, il doit y avoir plus d'accent sur l'underground et les raretés. Qui sait où le streaming ira, combien de temps cela durera, ou combien de temps les artistes garderont leur musique dessus, mais je sais que les artistes doivent obtenir plus de ces plateformes.

Je suis intéressé de savoir comment TikTok vous a impacté depuis que votre morceau "Glue" est devenu viral sur la plateforme ?

McBriar : Nous avions entendu parler de TikTok, mais aucun d'entre nous ne l'a et ne sait rien à son sujet. Nous avons appris à son sujet récemment car nous savions que le morceau avait explosé. C'est assez intéressant, l'idée que quelque chose devienne viral. À l'origine, une vidéo virale signifiait qu'elle serait simplement partagée de nombreuses fois alors que la vidéo restait la même, mais un véritable virus mute. Avec TikTok, la musique peut être réinterprétée avec différentes visuelles chaque fois qu'elle est repostée, et c'est beaucoup plus proche de la définition originale de viral, car ça change toujours. Pour nous, on ne peut pas s'empêcher de penser, wow, tant de gens ont réinterprété notre musique. C'est une plateforme qui est faite pour cela, où les choses peuvent prendre leur propre vie.

**Malgré les multiples réinterprétations, toutes les vidéos que j'ai vues sur TikTok qui utilisent votre morceau suivent toutes le même genre d'ambiance. Une sorte de nostalgie douloureuse. **

Ferguson : C'est drôle. Les gens ont utilisé la chanson pour habiller les rues vides pendant la pandémie, et cela a suscité encore plus de nostalgie chez les gens — ce qu'ils manquent et ce qu'ils ont perdu. C'est totalement emo. Mais nous n'avons certainement pas associé des émotions aussi fortes à "Glue". Quand nous l'avons écrit, nous l'avions mis plus du côté heureux. Pour nous, c'est la beauté de la musique instrumentale, que les gens puissent y trouver leur propre signification.

Qu'est-ce qui vous a poussé à revisiter votre blog Bicep pendant le confinement ?

McBriar : Nous avions parlant à Olly, l'un de nos managers à ce sujet, mais nous avons trouvé que c'était très différent cette fois-ci. Vous vous battez constamment pour que les gens aillent même sur le blog. La technologie est devenue tellement dépendante de diriger les gens vers lui, au point où cela n'a plus de sens. Dans le passé, cela était devenu une sorte de destination pour les agrégateurs de blogs, donc vous n’aviez pas vraiment à travailler pour amener les gens là-bas. Maintenant, cela semble beaucoup juste pour amener les gens à lire un post. Si nous avions publié quelque chose sur notre Instagram, cela aurait eu beaucoup plus d'interaction. Le blog semble juste être une technologie dépassée, ce qui est assez triste car nous avons toujours aimé écrire sur la musique, fournir un contexte à cela, et essayer d'imaginer à quoi pourrait ressembler l'artiste qui l'a écrit. Cela pourrait être loin de la vérité, mais le blog a toujours semblé être un bon endroit pour peindre ces tableaux, cela ressemblait à un fanzine pour nous. C'est quelque chose qui a été perdu dans la culture internet et des réseaux sociaux.

Je me demande comment cela se sent de planifier la sortie d'un album sans savoir à quoi ressemblera l'état du monde lorsque cela sortira ?

Ferguson : Pour être honnête, il était juste bon de fixer une date en dur, car sinon cela aurait pu être sans fin. La musique doit toujours nous sembler fraîche, et la retarder aurait été préjudiciable pour nous devoir en parler ou l'interpréter en live. Nous n'aurions peut-être pas ressenti de lien avec si nous avions laissé trop de temps passer.