Entrez dans le carnaval lo-fi de Caleb Landry Jones

Au cours des 14 années écoulées, Jones a gardé son catalogue en constante expansion secret tout en devenant plus connu pour son jeu d'acteur. Il a véritablement percé en 2017 après avoir volé la vedette dans des films acclamés par la critique comme Get Out, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, et The Florida Project. Bien que sa réputation soit liée à des personnages troublants comme Jeremy Armitage de Get Out ou Steven Burnett de Twin Peaks, Jones lui-même est apparu indéniablement désarmant lorsque nous avons parlé il y a quelques semaines. Il adoptait fréquemment des voix animées en racontant des histoires, semblable à la modulation qu'il utilise tout au long de The Mother Stone, et faisait preuve de modestie à propos de son travail, se moquant des origines fortuites de ses chansons et de leurs conventions de nommage expéditives. Non seulement il utilise encore un téléphone à clapet, mais notre conversation a été retardée car son père utilisait sa ligne.

Comme nous tous, Jones est confiné chez lui en attendant la fin de la pandémie mondiale. Contrairement à beaucoup d'entre nous, il passe sa quarantaine dans la ferme de ses parents dans le comté de Collin, au Texas. Plus précisément, il passe une grande partie de son temps dans la grange, le lieu modeste où il a enregistré la grande majorité de ses œuvres non publiées. Cette grange est devenue pour Jones ce qu'est le Loft de Wilco, une rampe de lancement pour sa musique née à la fois de la commodité qu'elle offre et de la créativité mystique qu'elle inspire. Il a trouvé ce cadre isolant face au chaos apparent de ce moment. « Eh bien, je ne sais pas; venir ici, c'est être confiné automatiquement », remarque-t-il. « Je veux dire, je suppose que je sais ce qui se passe parce que mon père reçoit le Wall Street Journal. À part cela, tout semble assez normal, mis à part le fait que vous savez que ce n'est pas un moment normal. »

Vous avez peut-être eu un aperçu de ce lieu plus tôt pendant cette crise, lorsqu'il a tenu une diffusion en direct depuis la ferme. Comme à son habitude, Jones écrit constamment de nouvelles musiques, et après avoir montré aux spectateurs son installation encombrée et confortable, il a joué quelques morceaux sur lesquels il travaillait. Comme il se le rappelle, « On m'a dit que nous voulions faire cela quelques jours auparavant, et j'ai pensé, bon sang, eh bien, la seule chose que je peux faire maintenant, c'est probablement ce que je fais en ce moment, parce que je savais que je me souviendrais de ces accords. » L'événement était aussi décontracté et sans prétention que lui — une démonstration dépouillée et hétéroclite de ses morceaux démesurés et expansifs.

Bien que cette période de confinement national ait été un moment unique pour les fans de musique de voir leurs artistes préférés jouer des versions improvisées de leurs chansons, il était particulièrement spécial de voir Jones donner un concert lo-fi depuis son fauteuil à bascule. C'est en partie parce qu'il n'a pas encore donné de spectacles en direct pour ce prochain disque, mais aussi parce que la performance dépouillée était essentiellement l'opposé sonore du grandiose et carnavalesque The Mother Stone.

La qualité la plus frappante de l'album, qui sort le 1er mai, est son ambition débridée. The Mother Stone est l'un des rares albums contemporains de rock à viser une conversation avec Wish You Were Here ou In The Court of the Crimson King. La collection est constituée de vignettes en plusieurs suites, un composite de mouvements mélangés qui s'étendent de morceaux languides et aériens à des riffs endiablés, souvent au sein de la même chanson. Mais l'album est aussi très singulier, et de son propre moment. On y trouve de lourds relents de la face B de Abbey Road, mais aussi du rock FM claustrophobe d'actes proches d'Alex Turner comme Mini Mansions ou Alexandra Savior.

Jones ne reste jamais trop longtemps sur une seule idée, et avec plus d'une heure de musique, cela fait beaucoup à digérer, à condition de mâcher vite. La première chanson et premier single « The Flag / The Mother Stone » est presque un mini-album à elle seule, juxtaposant une marche orchestrale scintillante avec un voyage acide de rock désertique en dents de scie qui s'étend sur sept minutes et demie. La chanson suivante, « You’re So Wonderful », est une chevauchée théâtrale, remplie d'affectations vocales exagérées et de changements rythmiques dramatiques. Après 15 morceaux, l'effet cumulatif peut être accablant, une musique qui bat vraiment à son propre rythme, vous emmenant hors des sentiers battus.

Vous trouverez vos repères après quelques écoutes, lorsque vous pouvez commencer à extraire plus facilement les détails individuels. Une grande variété d'instruments apparaissent et disparaissent, se heurtant et crissant les uns contre les autres dans une lutte pour l'espace mental - claviers Casio vintage, Yamahas usés, cordes sinueuses. C'est un collage de sons magnifiquement encombré. Parmi les points forts, on trouve « No Where’s Where Nothing Died », qui commence de manière sereine avant de s'enflammer, comme une étoile filante se consumant dans un big bang. Tout est de la percussion et des mélodies en forme de panache qui s'enflamment dans un chœur massif soutenu par des cuivres, un chœur encore plus amplifié pour son reprise tardive dans l'album. D'autres morceaux comme « The Hodge-Podge Porridge Poke » ne perdent pas une seconde avant de se lancer dans leurs cacophonies cathartiques dès le départ.

La grandeur de l'album n'est pas le résultat d'une intention méthodique, mais plutôt d'un instinct libre. Le carnet de chansons de Jones a réussi à se développer si rapidement en ne laissant que peu de temps aux secondes pensées, recréant à haute voix les sons dans sa tête. « Les premiers mouvements sont les plus importants, je trouve », dit-il. « Plus ou moins, vous entendez la chanson d'une certaine manière, comme dans un rêve où vous l'entendez loin, pas nécessairement de près. Et puis plus vous vous en rapprochez, plus elle se rapproche de vous. » Il rit de la description abstraite qu'il offre, mais complète néanmoins sa pensée. « Et soit vous faites ces choses qui complètent cette image de cette façon, soit vous détruisez et devez effacer un peu l'ardoise pour la retravailler. »

Ce qui définit The Mother Stone comme une rupture par rapport à la musique précédente de Jones est l'introduction de la collaboration dans ce processus d'écriture de chansons. Après de nombreuses années à enregistrer presque entièrement seul et pour lui-même, Jones s'est retrouvé à Los Angeles avec suffisamment d'argent entre les films pour réserver son tout premier temps en studio. Incapable de revenir à la grange de ses parents de sitôt, son objectif était simplement d'enregistrer les chansons qu'il avait écrites en travaillant sur les films. La réalisation d'un premier album proprement dit n'est venue qu'après que Jones ait été mis en contact avec Nic Jodoin aux studios Valentine Recording par le biais de son ami Danny Lee Blackwell du groupe de Seattle Night Beats.

« Je lui ai dit seulement quelques chansons parce que je ne savais pas combien il y en aurait et comment cela allait se passer, car nous n'avions jamais travaillé ensemble auparavant », se souvient Jones. « Mais j'espérais que ce serait un album, et bien sûr, après quelques jours, nous avons simplement continué. » À partir de là, Jodoin a fait venir Drew Harrison, qui a arrangé les pièces pour cordes et cuivres qui parsèment The Mother Stone. Le son élargi signifiait d'autres musiciens, et au total plus de 20 personnes ont joué sur l'album, des bois aux deuxièmes puis troisièmes guitares. Il attribue la force de la musique au fait « d'avoir tant d'autres grands musiciens qui viennent et se donnent un peu, puis donnent et reviennent, et puis reviennent et se redonnent de nouveau. »

Il est approprié que l'album dans lequel Jones a laissé entrer le plus de gens soit celui qu'il laisse sortir au plus de gens — son premier album pour la consommation publique, ou du moins son premier non publié via MySpace. À l'époque, à l'âge de 17 ans, Jones s'inquiétait constamment de la réception, se demandant : « Oh, combien de gens m'écoutent, combien de gens approuvent ce que je fais ?! » Il secoue la tête à ce sentiment maintenant. « C'était excitant d'obtenir de la validation, mais en même temps, cela devenait un peu écœurant aussi », note-t-il, en riant lorsqu'il ajoute : « Et je vérifiais toujours si une ex l'avait écouté. »

Il reconnaît que cette tentation de recevoir des retours immédiats est toujours en lui. « Vous êtes toujours curieux de savoir si cela a eu un impact, dehors dans le monde », dit-il. « Ou si cela s'est juste assis là et n'a rien fait, et a pris quatre respirations et est mort. » Mais plutôt que de valider son art, son désir que les gens écoutent maintenant est principalement de préserver l'opportunité d'en sortir plus. Parce que Jones écrira toujours de nouvelles musiques; la différence, me dit-il maintenant, c'est qu'il fait partie d'une équipe qui plaide pour qu'elle soit entendue. Et plus les gens prendront conscience de sa perspective musicale unique en son genre, plus il sera difficile de garder ses autres 685 chansons pour lui-même.