Combler le fossé entre le public et l'interprète avec Jen Cloher

##Vinyl Me, Please : Sur quelle période de temps avez-vous écrit Jen Cloher ?

##Jen Cloher : J'ai passé quelques années à écrire cet album, et j'ai délibérément pris ce temps pour plusieurs raisons. La première étant que je savais que je voulais être très consciente de ce dont je parlais dans cet album, et pour moi, c'était une période dans le monde où il était important de ralentir et de réfléchir à ce qui m'importe, ce qui compte pour moi et ce que je veux communiquer dans mes chansons. L'autre raison pour laquelle j'ai pris mon temps est que j'avais beaucoup de travail dans d'autres domaines, principalement dans la gestion de Milk! Records, le label que Courtney et moi avons lancé en 2012. Cela est devenu assez chargé, donc c'était un peu un numéro de jonglage pour trouver le temps d'écrire le disque, mais j'y suis finalement parvenue.

##Ayant plus d'expérience dans le côté business de la musique—en gérant Milk! et en fondant I Manage My Music—cela a-t-il influencé votre approche pour faire cet album ?

Je pense que c'était davantage dans ma perspective en tant qu'artiste en Australie et de la difficulté que cela peut représenter. Je pense que ce qui est spécifique à l'Australie—et je ne suis pas sûre que les Américains ou les Européens ressentiraient cela—c'est cette isolation, parce que nous sommes si loin du reste du monde. Même si nous sommes à l'ère du numérique et que nous pouvons partager de la musique avec d'autres parties du monde en appuyant sur le bouton retour, il y a toujours la distance physique d'être à des milliers de kilomètres. Et les frais de voyage pour se rendre dans ces endroits et y faire tourner un groupe. J'écris sur cela assez ouvertement dans le disque.

##Y a-t-il eu un impact de votre expérience dans l'industrie musicale—une industrie parfois appelée ou perçue comme un "club de garçons"—sur la chanson "Strong Woman" ?

Je connais beaucoup de femmes dans la musique en Australie, des femmes plus jeunes qui se découvrent vraiment, des femmes dans leur adolescence et au début de la vingtaine, et elles trouvent leur place dans la musique—qu'elles soient musiciennes et autrices-compositrices ou qu'elles travaillent dans l'industrie en tant que critiques, en gestion, peu importe. Et j'ai vraiment vu beaucoup de leur vulnérabilité, vous savez, la vulnérabilité de trouver sa place, sa voie. Et cela m'a fait penser à mon propre parcours, et même si je ne dirais pas que j'ai atterri et que j'avais toutes les réponses et que je savais ce que je faisais—ça a été un long voyage pour arriver à un point où je me sens capable d'écrire une chanson comme "Strong Woman"—mais c'est reconnaître que j'ai eu beaucoup de chance d'avoir cette lignée matriarcale très forte. Les Maoris néo-zélandais indigènes sont la lignée de ma mère, donc je viens d'un héritage maori, et il y a une vraie force qui traverse ces femmes, et c'était en quelque sorte naturellement en moi, parce que cela a été transmis à la fois par l'exemple et peut-être par la génétique. Et je suppose, en quelque sorte, je reconnais combien j'étais reconnaissante d'avoir eu des modèles féminins aussi forts dans ma vie, et que cela m'a permis de prendre plus de risques et d'avoir un peu plus de confiance.

Et directement en ce qui concerne l'industrie de la musique, je lisais cet excellent article de NPR sur les femmes dans la musique et la redéfinition de toutes ces sortes de listes, comme ces vieilles listes fatigantes d'albums de rock classique par des hommes. Et ils ont répertorié 150 des plus grands albums de tous les temps par des femmes. Et c'était tellement génial. Je parcourais ces albums en me disant "Wow, incroyable !" La contribution des femmes à la musique n'est pas symbolique ; elle est énorme. Et c'est vrai, comme ils le soulignent, c'est cette histoire bizarre qui a été racontée selon laquelle les femmes sont à l'extérieur ou sont une minorité ou n'ont rien à offrir ou n'ont pas écrit d'albums classiques ou ne devraient pas être mises dans la même phrase que Bob Dylan ou Neil Young ou Leonard Cohen, et c'est des conneries. Il y a tous ces incroyables auteurs-compositeurs et artistes, mais je ne pense pas qu'il y ait vraiment eu une culture pour que ces artistes soient pleinement reconnus pour leur contribution.

##Comment votre identité australienne a-t-elle influencé votre écriture sur cet album, en particulier sur "Regional Echo" et "Great Australian Bite" ?

Ces chansons en particulier, et la deuxième chanson "Analysis Paralysis", parlent très directement de—il y a un étrange… c'est un peu comme une mentalité de petite ville en Australie. Vous savez, si vous venez d'une petite ville, et si vous avez un certain succès, les gens veulent s'assurer que vous ne devenez pas trop prétentieux ? Je ne sais pas si cela se passe en Amérique, où c'est comme "Uh-uh, ne pense pas que tu es trop bon maintenant. J'ai vécu aux États-Unis quand j'avais 10 ans, et j'ai effectivement ressenti la différence d'attitude autour de poursuivre ses rêves. Il y avait cette attitude beaucoup plus grande où les gens étaient assez positifs et encourageants. Et puis en revenant en Australie, j'ai vraiment remarqué que cela n'était pas là.

Historiquement, la culture blanche australienne provient de condamnés que nous avons amenés ici sur des navires de tournée, et c'était vraiment une punition d'être amené en Australie. Il a été installé sur cette terre très dure qui était très difficile à cultiver pour ces fermiers anglais. Ils ne savaient pas comment gérer le climat ici, c'est principalement du désert, vous savez, le cœur de l'Australie est principalement du désert. Bien sûr, il y avait une culture indigène ancienne incroyable qui était là depuis quarante mille ans. Personne n'a pensé à peut-être demander aux indigènes la meilleure façon de vivre dans ce pays. C'est une tout autre histoire. Bien que je le mentionne dans "Regional Echo": "Le rêve australien s'efface / de toute façon volé." Il y a définitivement une cicatrice dans notre psyché nationale autour du fait de voler essentiellement ce pays aux personnes qui y vivaient. Cela a une sorte d'effet de vague, comme tout, vous ne pouvez pas couvrir le passé et prétendre qu'il n'est pas arrivé. Et je pense, en quelque sorte, que nous restons délibérément petits et nous nous tirons mutuellement de l'idée de devenir trop prétentieux parce qu'il y a en fait une sorte de honte autour de notre histoire fondatrice en ce qui concerne la culture blanche ici.

##Ayant été dans la scène pendant un certain temps, partagez-vous le sentiment que la scène musicale en Australie a évolué et gagné du terrain récemment ?

On a l'impression que le monde a tourné son attention vers la musique australienne beaucoup plus. Particulièrement au cours des 5 à 8 dernières années, il semble y avoir eu un vrai changement vers les audiences globales qui ont le sentiment que notre monde est de classe mondiale. Et je pense que cela a vraiment changé notre culture ici en Australie. La vérité actuelle—c'est un peu triste—c'est que nous avons grandi—je veux dire, j'ai 43 ans maintenant, mais j'ai grandi en croyant que la vraie musique venait de l'étranger. Comme, la vraie musique venait d'Amérique et que la vraie musique venait du Royaume-Uni et d'Europe. Et c'est un système de croyance très commun de ma génération. Et c'est un peu décrit comme "un réflexe culturel" où nous n'avions pas l'estime de nous pour croire que peut-être la musique que nous faisions dans ce pays était géniale. Et donc c'est vraiment, vraiment bon de voir une nouvelle génération d'artistes se lever et avoir ces exemples de personnes comme Courtney et Tame Impala et Flume et Tash Sultana et King Gizzard and the Lizard Wizard qui font réellement des vagues dans le monde entier. Donc c'est un excellent moment pour faire de la musique dans ce pays. Mais, juste pour l'ancrer dans une certaine réalité, pour qu'un groupe australien fasse une tournée aux États-Unis—juste pour faire venir un groupe de quatre personnes aux États-Unis avec les billets d'avion, les allers-retours et les visas—cela coûte environ 15 000 $, et vous n'avez même pas encore joué de concert.

##La vidéo pour “Forgot Myself” est magnifique et vraiment conceptuellement intéressante. Était-ce votre idée?

C'était en fait la réalisatrice Annelise Hickey… Elle est arrivée à ce moment parfait. Elle est fan, et nous nous sommes vraiment inspirées mutuellement. Je ne suis pas la plus grande fan de faire des clips—cela peut être un peu stressant—et cela s'est avéré être une expérience vraiment amusante, inspirante… Vous savez ces moments dans la vie où vous vous tenez là en disant : "Il n'y a nulle part ailleurs que je préférerais être en ce moment, c'est génial, je fais ce pour quoi je suis née ?" Et je me suis sentie comme cela lorsque je faisais le clip avec elle, j'étais comme : "Je suis tellement heureuse d'être avec ce groupe de personnes en train de faire de l'art." Et c'était comme si ce clip était multicouches, qu'il avait quelque chose à dire, et esthétiquement, qu'il était vraiment magnifiquement fait et filmé par Simon Walsh.

##Y a-t-il eu quelque chose que vous écoutiez au moment où vous avez écrit ou enregistré l'album qui a influencé le processus de sa création?

Nous avons fini par mixer l'album à Chicago au Loft, qui est le studio d'enregistrement et le clubhouse de Jeff Tweedy et Wilco, et c'est comme un petit musée rempli d'artefacts de la musique américaine, et c'est un espace assez étonnant. J'ai définitivement choisi d'aller travailler avec leur ingénieur, Tom Schick, qui a réalisé beaucoup des albums récents de Wilco. Il a enregistré un album Tweedy Sukierae, dont je suis vraiment fan—je pense que les chansons sont juste fantastiques sur cet album, et j'ai adoré comment l'album semblait si réel. La façon dont l'album est mixé et l'ingénieur que j'ai utilisé étaient basés sur une partie de la musique que j'écoutais au moment où j'écrivais le disque.

##Quel était le processus d'enregistrement réel comme?

Je suis vraiment fan d'un auteur-compositeur-interprète australien et musicien appelé Greg Walker, qui a sorti peut-être cinq albums maintenant sous le nom de Machine Translations via Spunk records. Il est un compositeur et arrangeur incroyable pour la télévision et le cinéma aussi. Il a un studio—ça s'appelle le Gippsland—cette belle ceinture verte, luxuriante, de campagne. Beaucoup de vaches et de moutons et des collines vertes ondulées à environ une heure et demie de Melbourne. Je pensais juste qu'il serait amusant d'aller enregistrer—il a en quelque sorte une grange là-bas. Nous avons passé environ 10 jours là-bas avec nos partenaires et nos animaux de compagnie—notre batteur a quelques chiens qui sont venus. Et, comme Bones joue de la basse dans mon groupe et joue également de la basse dans le groupe de Courtney, donc à la fois ma partenaire et celle de Bones ont passé beaucoup de temps loin de nos partenaires, en raison de la carrière réussie qu'elles avaient eue. Donc je voulais vraiment m'assurer que les partenaires n'étaient pas laissés de côté dans le processus d'enregistrement de l'album, pour avoir tout le monde là-bas mais pouvoir encore faire un disque.

##Courtney a enregistré cet album avec vous—qu'est-ce que cela a été d'enregistrer des chansons sur votre relation ensemble ?

Je pense que nous comprenons tous les deux que la composition de chansons c'est la composition de chansons, et d'une certaine manière, c'est raconter un petit instantané d'une histoire. J'étais très ouverte avec Courtney sur combien j'ai eu du mal avec son absence fréquente, mais je ne voulais pas la retenir d'aucune manière. Donc, ce n'était pas comme un trip de culpabilité—je comprenais totalement qu'elle avait cette fenêtre d'opportunité et un public qui voulait la voir jouer partout dans le monde, mais je devais aussi être honnête sur ce que je ressentais. Mais c'était vraiment bien de pouvoir écrire à ce sujet dans ma musique pour que je ne semble pas comme un disque rayé pour elle.

Toute relation a ses luttes et ses turbulences, et je pense que plus nous partageons sur notre humanité et ce que nous avons tous en commun, ces réponses émotionnelles aux choses dans la vie, plus les gens respectent cela. Je ne pense pas que faire savoir aux gens ces choses créera une sorte de relation étrange avec mon public, je pense au contraire.