Vinilo que necesitas: El intercambio de discos

Vinyl You Need contacta a personas que trabajan en tiendas de discos y les pregunta qué discos consideran esenciales. Esta edición presenta a The Record Exchange en Boise, Idaho.

La tienda de discos más grande de todo Idaho tiene dos puertas. Una entrada en la calle 11^a y otra en la calle W. Idaho—estas dan acceso al meca musical que es The Record Exchange en el centro de Boise. Una puerta te lleva a un café que fue el primer bar de espresso de Boise, adentrándote en un mundo de productos locales y chucherías de la cultura pop, y artículos de marca. La otra, sin embargo, te lleva directamente al laberinto de estantes de vinilos. Respaldado contra la pared del lado musical se encuentra un pequeño escenario, a no más de un pie o dos del suelo, pero lo suficientemente prestigioso como para albergar actos como La Luz y Willis Earl Beale durante el reciente Treefort Music Festival en marzo.

A medida que la población de Boise sigue creciendo (Forbes recientemente la nombró una de las 20 áreas metropolitanas de más rápido crecimiento del país), la desesperación de la gente por la música en vivo y grabada, el café y el sentido de comunidad debería teóricamente seguir su aumento. Afortunadamente, The Record Exchange ha estado sirviendo a la buena gente de Boise durante 36 años, y está lista para seguir haciéndolo. Hablamos con cinco empleados de The Record Exchange para ver qué discos creen que deberías tener en vinilo.

Cinco Discos Esenciales para Tener en Vinilo cortesía de The Record Exchange

Rachel Prin, Compradora

Artista: The Clash
Álbum: Combat Rock
Razón: Este fue el primer álbum que escuché en vinilo. De verdad, escuchado. Mi papá me sentó con unos auriculares, me dio las notas de línea y me cautivaron las primeras notas de la guitarra. Siguiendo a Sandinista! de 1980, este álbum se siente como un verdadero regreso a la forma para The Clash. Líricamente, Combat Rock muestra algunos de los mejores trabajos de Joe Strummer mientras aborda Vietnam, derechos civiles, apocalipsis, adicción a las drogas y una sensación general de frustración. Y sin embargo, a pesar del peso de algunos de los contenidos líricos, The Clash logra equilibrar la intensidad con unas increíbles canciones pop. “Should I Stay or Should I Go?” es oro pop, y te reto a no bailar con “Rock the Casbah”. Hay algo que se siente al escuchar este álbum en vinilo que siempre he sentido que se pierde en cualquier otro formato. La intensidad y la desesperación de las letras, la distorsión del bajo de Paul Simonon, el twang de la guitarra de Mick Jones y la sonrisa de la voz de Strummer, todo se siente más potente al venir a través de cera. Con la formación clásica por última vez, Combat Rock es, sin duda, el mejor trabajo de The Clash y una necesidad para cualquier coleccionista.

Brion Rushton, Gerente Asistente de la Tienda/Comprador Indie

Artista: Arthur Russell
Álbum: World of Echo
Razón: Grabado con nada más que un violonchelo, una piscina de reverberación y su voz anhelante, el álbum de Arthur Russell de 1986, World of Echo, es el sonido de baladas tristes descomponiéndose y flotando en el éter. Es una escucha esencial para los gustos de Eleanor Rigby, Father McKenzie y toda la gente solitaria.

Chad Dryden, Director de Marketing y Promoción

Artista: Leonard Cohen
Álbum: The Songs of Leonard Cohen
Razón: Cuando volví al vinilo en 1998, este fue el primer disco que compré. Estaba en la universidad—impresionable, susceptible y propenso al idealismo romántico. Los discos tienen una forma de mirarte desde los estantes, de llamarte, y The Songs of Leonard Cohen me estuvo tentando durante meses en una tienda de discos en un sótano en Athens, Ohio. Cuando finalmente lo llevé a casa, no pude sacarlo del tocadiscos. Atractivo y místico, lleno de significado, los cuentos con tintes de flamenco de Cohen sobre el corazón y la carne me atraían una y otra vez. No sabía qué pensar de todo eso, ni qué significaba, pero sí sabía que no había vivido y amado tan profundamente y quería aprender cómo. Así que seguí reproduciéndolo. Y reproduciéndolo. Volteándolo una y otra vez. Solo en la oscuridad. Entre amigos y filosofías y niebla nocturna. Con mi ahora esposa la noche que nos conocimos; años después, cuando finalmente gasté mi primera copia que crujía, ella la puso en un marco, la colgó en la pared y me compró un reemplazo como regalo de aniversario. Al acercarme a los 40 años, The Songs of Leonard Cohen es una escucha mucho más profunda y diferente de lo que era a los 21. Así es cuando vives con un disco. Cambias, cambia. A veces mejora, a veces empeora. Leonard y yo compartimos un cumpleaños. Me gusta eso. Y me encanta este disco. Solo mejora.

John O'Neil, Gerente de la Tienda

Artista: Wipers
Álbum: Is This Real?
Razón: El punk rock llegó a mi vida cuando más lo necesitaba. Reconocí el regreso de la canción corta como algo bueno, porque crecí escuchando la música de mis hermanos mayores. Odiaba el rock bombástico y divagante al que me sometían mis contemporáneos, es decir, otros niños. A veces me gustaban las canciones que escuchaba en la radio, pero estaba obsesionado con el jazz de la era de las grandes bandas, como Ellington y Shaw, y Bob Wills and His Texas Playboys.

Era un niño raro.

Creciendo en una parte poco poblada de Oregón, no había muchas cosas de bandas sucediendo. Eso era algo que pensaba que pasaba en Nueva York o Londres. La aparición de Is This Real? desmoronó esa idea errónea. Inmediato, enérgico y sombrío al mismo tiempo, me sorprendió escuchar algo creado en mi estado que sonaba tan increíble como las cosas que sucedían en otros lugares. Greg Sage, el cantante/compositor/guitarrista de Wipers, estaba adelantado a su tiempo en cuanto a que creía en amplificadores de tubo, señales puras, grabaciones caseras y una estética de hágalo usted mismo. Era un hombre arisco y autosuficiente, sin propensión a disfraces ni al mundo del espectáculo (aunque amaba la lucha libre profesional).

Este disco, y su seguimiento, Youth Of America, explotan del tocadiscos en una ráfaga, con un sonido agresivo hacia adelante, líneas de bajo repetitivas y líneas de guitarra principal en lugar de solos excesivos. Había momentos melodramáticos, por supuesto, pero la falta de bombastesse era refrescante. Inspiró a muchos de nosotros en el Noroeste del Pacífico a tocar la guitarra, formar bandas, grabarnos y avanzar. Y activamente buscábamos a las otras personas en los otros pequeños pueblos que estaban haciendo lo mismo.

Ese es el poder de un disco. Nunca me he cansado de este. Gracias a Jackpot Records en Portland por cuidar tanto esta reedición, y a Greg Sage por la inspiración.

Catherine Merrick, Gerente Asistente de la Tienda de Regalos

Artista: Karen Dalton
Álbum: In My Own Time
Razón: Nick Cave una vez dijo que Karen Dalton era su cantante favorita; eso fue suficiente para que investigara quién era ella (aunque muchos años después de su muerte) y este álbum, el último antes de su muerte en 1993, fue mi primera introducción a ella. Desde los acordes iniciales de "Something On Your Mind"—un dron repetitivo que lleva a su entrega vocal solitaria y destrozada, me enganchó esa canción por sí sola, y la manera en que captura perfectamente el sentimiento de alguien reconociendo de manera innata y amorosa el dolor que gira dentro de una persona cercana a ellos. Con versiones de canciones más familiares ("When a Man Loves a Woman" y "How Sweet It Is"), me emocionaron las interpretaciones de Dalton y especialmente su fraseo único, casi jazzy, que a veces me dejaba preguntándome si iba a volver "dentro" de la canción, pero siempre lo hacía. Grabada por muchos otros artistas, la versión de Dalton de "Katie Cruel" (una melodía folk tradicional estadounidense/escocesa) a menudo se considera la mejor. Con solo banjo, violín y su voz, prácticamente te transporta a la cima de una montaña arbolada—el aire denso con humo de fogata y hojas mojadas. Aunque se dice que la versión americana de la canción data de la Guerra Revolucionaria, no pude evitar preguntarme si Karen se relacionaba con ella a un nivel más personal, habiendo sido parte de la escena musical folk de Greenwich Village en los años 60 (y muy respetada por Bob Dylan, entre otros, en ese momento), pero esa es la brillantez de su voz. Tenía la capacidad de interpretar canciones tan profundamente que no puedes evitar creer que está cantando sobre sí misma. La otra pista destacada para mí es "Are You Leaving For the Country", una fusión relajada y pasajera de R&B y folk, con la voz dulce y fracturada de Dalton flotando lánguidamente sobre los guitarras acústicas y el bajo, lo cual siempre provoca el impulso de subirse al coche y encontrar un viejo camino de tierra por el cual viajar. La verdad sea dicha, también lo tengo en CD, solo para escuchar en el coche, pero la calidez y fragilidad de la voz de Karen Dalton, así como la pureza de los instrumentos acústicos, se transmiten mucho mejor en vinilo. Hay algo mucho más mágico en escuchar estas canciones mientras te sientas en el suelo en una habitación suavemente iluminada, especialmente si estás con un amigo que comparte tu entusiasmo por levantarse y comenzar el disco de nuevo.