Los 10 Mejores Álbumes Electrónicos de 2018

La música house mantuvo su fuerte influencia en la música de Sudáfrica en 2018, presente en los gqom de Distruction Boyz y el dance-pop polirítmico de Heavy-K, por nombrar solo algunos. Por lo tanto, no debería sorprender a nadie que el dúo de vocero Manteiga y productor Spoek Mathambo, de Johannesburgo, opere en gran parte bajo el mismo hechizo de la tradición perdurable de la música electrónica aquí. Para Kasi Royalty, ellos combinan energía retro con vibraciones contemporáneas para un paseo clubero frecuentemente profundo y completamente disfrutable. “Deep Ocean Deep” recuerda a los clásicos respectivos de CeCe Peniston y Crystal Waters, su título desdibujándose de manera ingeniosa a través de los labios de Manteiga. Más allá del magnífico garage de “Just To Touch” y el thump de Chicago de “Love At First Sight”, su ciudad compartida de influencias anima aún más las cosas, desde el jazz afrobeat de “Babaloo” hasta el swagger de Soweto de “Nika Mapha.” La maestría musical de Mathambo ha sido evidente desde hace mucho tiempo, y Batuk solo refuerza su profesionalismo.

Los devotos de NAAFI pueden recordar a este artista chileno de Nueva, un impresionante EP de estructuras de baile urbano futuristas de 2013. Cinco años después, entrega un álbum de larga duración notablemente más accesible, con muchas colaboraciones vocales. Paul Marmota ciertamente no se ha vuelto pop latino, como lo evidencian sus elecciones subversivas de características imponentemente geniales sobre tipos crossover. De hecho, su Zona evoca conexiones profundas con el underground urbano, una rica selección de raperos y reguetoneros de vanguardia para adaptarse a sus producciones aún bastante fuera de lo común. Contacta a Tomasa Del Real y al bastión de NAAFI Lao para “Poquito”, un ejercicio de neoperreo opalescente, y asegura al MC Buseta, caballo oscuro del trap latino de España, para el explosivo “Dime Bonita.” Los amantes del bass y los devotos del dembow encuentran un terreno común en los tonos temblorosos y los ritmos movidos de “Acelero” y “No Te Asustes.” En cuanto a exposiciones de producción se refiere, la de Marmota es fácilmente la mejor del año en formato, llegando justo a tiempo para demostrar el amplio rango sonoro del urbano.

Con todo respeto a RP Boo y a todo el equipo de Teklife, el meteórico ascenso del footwork en los últimos años como una de las formas más innovadoras de la música club no podría haber sido posible sin Jlin. La nativa de Gary, Indiana, se ha convertido en la principal visionaria del estilo de sample-stutter, manteniéndose fiel a los principios del género mientras empuja cuidadosamente sus límites en álbumes esenciales como Black Origami del año pasado y su predecesor de 2015, Dark Energy. Una colaboración fascinante con la coreógrafa Wayne McGregor, su audaz partitura para su danza lleva el diseño de sonido más hacia adelante. Campanillas y gotas de agua pueblan el inquietante pero mágico “First Overture (Spiritual Atom)”, una introducción cautivadora a los movimientos rítmicos que están por venir. “Annotation” se aproxima con urgencia, desacelerándose solo para amplificar su sinceridad y reflejar sutilmente acentos clásicos, mientras que “Kundalini” codicia un medio espiritual para un fin. “The Abyss Of Doubt” zumba ruidosamente con fallos y picardía, sus múltiples clips resonando de maneras que hacen preguntarse cómo los bailarines, presumiblemente desorientados, se las arreglan en la actuación.

Hace unos meses, en un espacio de una galería de arte en el centro de Manhattan, la productora Hiro Kone celebró el lanzamiento de su álbum con un set implacable. Acompañada por el miembro sobreviviente de Coil, Drew McDowall, exhibió una renovadora lluvia de la orgullosa esencia de la música industrial. A diferencia de los revivalistas de EBM y los ruidosos de techno que actualmente dan vueltas, la amplitud y complejidad de sus composiciones van más allá de la oscuridad y entra en la profundidad. Desde la pieza de título ritualista hasta el groover “Truth That Silence Alone”, Pure Expenditure ofrece una actualización inquietante y genuina de un género que a menudo se destila en posturas neo-góticas a expensas del arte. Los rastros de la diáspora de Throbbing Gristle, siendo la aventura final de Carter Tutti una de ellas, reaniman los circuitos fritos de “Disoccupation Of The Sphere” y “Poortgebouw” con fantasmas de máquina inquietos. Sin embargo, es la presencia de la poeta renegada / chanteuse de torchsong Little Annie en “Outside The Axiom” la que oficialmente inscribe el álbum en el canon.

Aunque actualmente reside en Manchester, P. Adrix creció en Lisboa. Esa exposición a los híbridos experimentales de techno-kuduro de su tierra natal lo convierte en un embajador ideal del sonido en el Reino Unido. En su divertido debut caótico se incorporan ritmos complicados y polirritmos cautivadores, evidentes en el engañosamente minimalista “Abertura Da Roda” y el cáustico “Tejo.” Como mucho de lo que el estelar Principe pone en el mundo, Álbum Desconhecido es una escucha admitidamente exigente pero profundamente gratificante, sus tendencias disonantes son un tamiz para filtrar a aquellos cuyos oídos y caderas no pueden aguantar. El enfoque de Adrix mezcla ocasionalmente batida con sonidos más distintivamente británicos, particularmente los de las fructíferas escenas de bass y grime de la región. “Viva La Raça” pasa su primera mitad construyéndose como un instrumental de Skepta antes de lanzar elementos percutivos afro-portugueses en la mezcla. Una acurrucadora rota de jazz titilante, “Sonhos” se alinea con su melodía melódica.

El impacto global del bass continúa enviando ondas sobre las pistas de baile y en los estudios por igual. Sin excepción a esta situación, Barcelona reveló uno de sus arreglos más poliamorosos con Worldwide Ángel, un álbum tremendo que aplica brillo pegajoso a un urbano edgy. Si bien trabajos anteriores como Slow Wine de 2016 y el impresionante sencillo del año siguiente “Jacaranda” a veces parecían demasiado cerca de la adoración a Rihanna, este proyecto eleva a la futura estrella a un escenario completamente propio. Con los productores Dubbel Dutch y Jam City a cargo de los ganchos insta-clásicos “Candela” e “Internationally,” su técnica auto-tune aquí iguala su amor por el reggaeton, dancehall y R&B pop. Prepara la pista tanto para dutty wine como para perreo en “Tra” y se pierde en la salsa con el himno de la cámara de eco “Yo Sigo Iual.” Dembow aterriza su etérea voz en “Tu Moto,” mientras que se eleva de varias maneras sobre el ritmo de dancehall restringido elaborado por Paul Marmota y Fakeguido en el cierre digno de sencillo “Realize.”

Ahora, más de una década desde que introdujo el apodo 0PN en Betrayed In The Octagon de 2007, la improbable aparición de Daniel Lopatin como el músico avant-garde más importante de su generación se manifiesta en un nuevo documento de audio inconvencional y urgente. Mientras que Garden Of Delete de 2015 dejaba escapar horror corporal de Cronenberg y la banda sonora de Good Time del año pasado proporcionaba gotas clave de puro Tangerine Dream, Age Of es el meme del cerebro galáctico remixado hacia la incomprensión. Una presentación confusamente insular y artísticamente densa habitada por avatares retorcidos, vaqueras de invierno nuclear y reboots rugosos de Geoffrey Chaucer, estas intrigantes canciones mezclan el material metafísico de los videojuegos con los restos imaginados de culturas arcanas. Mientras que las múltiples referencias escondidas aquí y allí pueden dejar a los legos en parálisis filosófica, aún hay belleza palpable y sinceridad en temas como “Last Known Image Of A Song” y “Toys 2.” Con una voz invitada de ANOHNI, el sombrío R&B de “Black Snow” al menos permite a Lopatin expresar su mente, por sombría que sea.

Gran parte del trabajo de Kevin Martin ha sido a través de la colaboración, desde el hip-hop lejano de Techno Animal hasta la devastación del dancehall de The Bug. Ya sea que esté creando metal drone ballardiano con Dylan Carlson o dub distópico para Roger Robinson, el productor basado en Berlín rara vez, si es que alguna vez, decepciona. Como si asociarse con el misterioso dubstep Burial no fuera suficiente evento para dar inicio a su nuevo sello Pressure este año, contacta a la vocalista dinámica Miss Red para el primer proyecto de larga duración del sello, con él mismo manejando las producciones. Un instrumento maravillosamente flexible, su voz resulta impredecible a lo largo de K.O., un álbum cuyo título y arte de portada rinden homenaje a su padre, antiguo boxeador. Con una postura igualmente pugilística, golpea en cortes poderosos como “Shock Out” y “Slay,” ambos impulsados por los ritmos de fuerza de pistón de Martin. Por otro lado, se presenta con una frialdad siniestra, resultando en momentos ominosos como “Dust” y “One Shot Killer.” Aunque la amplitud del reggae ocupa la mayor parte del álbum, el bugaboo de boom bap “Memorial Day” se escapa del género como un gusano voraz, el susurro delgado de Miss Red sonando alarmas.

A medida que el mainstream estadounidense pasó el aftermath de “Despacito” conociendo más a fondo a estrellas pop urbano como J Balvin, Ozuna y Daddy Yankee, el underground del reggaeton continuó avanzando. Y nadie representó de manera tan efectiva como Tomasa Del Real, la principal proponente del neoperreo de Chile. Con contribuciones de producción de brunOG, Toy Selectah y Ulises Lozano, entre otros, Bellaca del Año exuda autenticidad mientras ofrece una alternativa vibrante a los sencillos crossover que actualmente pueblan las listas de Billboard. Un himno en la tradición de “Yo Quiero Bailar” de Ivy Queen, su “Perra Del Futuro” pone a las damas primero en la pista de baile. Mientras que gran parte del material aquí es de carácter vanguardista como “Marcame” y “Sirena,” ella se remonta para trabajar con cantidades conocidas en la historia exitosa del género, incluidos DJ Blass y el frecuente compañero de Don Omar, Alcover. Por supuesto, nada supera al magnífico sencillo principal del proyecto “Barre con el Pelo,” un cuento de Rapunzel trap coloreado por sintetizadores bruscos y un dembow dinámico.

Los lectores regulares de esta columna mensual pueden intuir una desconfianza no exactamente leve hacia la normalidad por parte de quien les habla. En estos tiempos políticamente divisores, a menudo parece pecaminoso retirarse a lo musicalmente básico, menos un cuidado personal que una ignorancia voluntaria. Si bien esto puede parecer injusto para aquellos que pasaron el último mes de 2018 maravillados por los últimos éxitos pop y analizando tráilers de películas de cómics, tal consumo conspicuo a menudo domina la conversación, ahogando el arte que aborda asuntos verdaderamente urgentes vitales para la humanidad y la sociedad. La música revolucionaria lucha por elevarse por encima del algoritmo de Spotify, por mucho que intente competir en un mercado virulentamente egocéntrico. Uno de los mejores álbumes que he escuchado en toda mi vida, más allá de este año, Basic Volume captura y desafía nuestros tumultuosos tiempos, esas realidades feas apartadas por un deseo colectivo de retirarse hacia la euforia perpetua del iPhone. GAIKA emerge como una navaja de afeitar de los dientes, listo para cortar contra la yugular de un enemigo con una lírica afilada que llama repetidamente a la revuelta literal. En el grandioso y chinchón “Immigrant Sons,” apela directamente a la juventud para que hagan que la rebelión ocurra, totalmente consciente de dónde debe ocurrir la compra para llevar a cabo el cambio. Un emcee mortal y productor de múltiples géneros, presenta su caso en términos personales, accesibles y artísticos, tomando el control del dancehall para “Black Empire” y del drill para “Crown & Key.” Por el bien de nuestro futuro, uno espera que los jóvenes presten atención.