La Historia Perdida de la Relación de India con el Jazz

(imagen vía Meridian)

Los años 20 fueron una época turbulenta para las personas de color, y más específicamente, para los negros en América. Luchando por navegar en un mundo donde el racismo era rampante a cada paso, los afroamericanos no podían sentirse bienvenidos ni seguros. Esta década también trajo consigo la era del Jazz—un tiempo de ostentación, prohibición y nuevo dinero. Durante esta era y en años posteriores, músicos de Jazz icónicos como Louis Armstrong y Duke Ellington recorrerían el mundo con sus bandas de respaldo. Los lugares donde actuaban te sorprenderían; Afganistán e India eran puntos calientes en auge para un aficionado al Jazz oriental. Desafortunadamente, las grabaciones de la actuación de Ellington en Afganistán han sido destruidas por los talibanes, pero los restos de su swing y espíritu combativo aún son palpables.

India, en particular, desarrolló una afinidad particular por el Jazz, y los músicos afroamericanos en gira se sintieron bienvenidos por esta escena. Para escapar de la constante persecución que enfrentaban en los Estados Unidos, los músicos de Jazz negros decidieron hacer de India su nuevo hogar, y con ellos nacieron las raíces de la colaboración musical india y afroamericana. El infame hotel de lujo de Mumbai, The Taj Mahal, incluso llegó a solicitar al violinista negro de Minnesota, Leon Abbey, que formara una banda de Jazz residente de nueve miembros en 1935. Antes de esto, Abbey había sido un pilar en la escena del Jazz de París durante seis meses y estableció la primera banda completamente negra en tocar Jazz en India. Tocaron para las multitudes elitistas de Mumbai en el opulento y extravagante salón de baile art déco del Taj. Ver a una banda de Jazz actuar era un evento; enormes pilares adornaban la sala y un escenario giratorio aseguraba que el hotel Taj Mahal fuera el hogar de los músicos más exuberantes de Mumbai.

El Jazz también llegó a India en parte debido a la Guerra Fría. Rusia y los Estados Unidos expusieron a India a lo que percibían como su mayor arte para ganar su lealtad. Mientras que los rusos enviaron al Ballet Kirov (ahora conocido como el Ballet Mariinsky) de gira por todo el país, los estadounidenses tenían la intención de hacer del Jazz el objeto de las aficiones de India. Dave Brubeck fue uno de los primeros músicos elegidos por la CIA para realizar una gira y, como resultado, comenzó a tocar con muchos músicos locales. Esto a su vez llevó a indios que quizás no habían trascendido sus zonas de confort tradicionales a experimentar con una interpretación de un concepto que ya conocían: la improvisación. Uno de los músicos favoritos de Brubeck era Micky Correa, quien tuvo una carrera fructífera que duró más de 30 años. Los músicos afroamericanos que lo siguieron en esta gira cuasi-política también siguieron este camino y su influencia fue sentida en la cultura pop contemporánea india. Sin embargo, el Jazz también penetró en India a través del descubrimiento. Como colonia portuguesa, los goanos católicos romanos fueron especialmente receptivos al Jazz porque tenían un interés en la música y la cultura occidentales. Más a menudo de lo que se piensa, los católicos goanos tienen nombres europeos y fueron los músicos goanos quienes se convirtieron en leyendas en la escena del Jazz de Mumbai, como Frank Fernand o Anthony Gonsalves. Gonsalves se convirtió en un nombre familiar por defecto debido a esto, fue mencionado en la comedia de 1977 Amar Akbar Anthony en la canción “My Name Is Anthony Gonsalves.” Esto habla volúmenes sobre la influencia de estos músicos de Jazz.

En India, los músicos de Jazz afroamericanos fueron recibidos con calidez, acogida y aceptación; algo desconocido en lo que habían llamado hogar. Y de entre los muchos músicos de Jazz afroamericanos que se establecieron en India y colaboraron con los músicos nativos, nació el Jazz indio. Otra banda residente en el Hotel Taj Mahal fue un esfuerzo colaborativo entre músicos negros, indios y blancos; la banda fue liderada por Teddy Weatherford en el piano y Cricket Smith en la corneta, y vio al Jazz indio desarrollar su propio estilo más allá del Jazz americano más tradicional. La mera noción del género podría parecer dicotómica al principio, pero tiene más sentido y se alinea suavemente al evaluar y descifrar sus raíces composicionales. La música clásica india es inherentemente improvisacional, dependiendo de voces en libre forma, complementadas por sitares brillantes y tablas exuberantes. Los artistas de Jazz de origen indio estaban tomando la improvisación—un concepto que conocían bien—y aplicándolo a escalas pentatónicas en lugar de ragas (escalas indias), tocando vientos y metales en lugar del shehnai, y percusiones occidentales en lugar de la tabla y dhol. Esta unión de culturas permitió a los músicos indios diversificar y expandir sus inspiraciones musicales, pero dio lugar a carreras para algunos de los músicos indios más icónicos de la historia.

Desafortunadamente, la escena del Jazz indio ha sido en su mayoría olvidada en India a pesar de ser una parte integral de su aura. La vastedad de la permeación del Jazz demuestra cuánto Mumbai era una ciudad multicultural y realmente global al nivel de Nueva York. Sus similitudes radican en que son ciudades portuarias y en su capacidad de ser pragmáticas y tomar influencias. De hecho, el Jazz es tan vital para el espíritu moderno indio que cuando India obtuvo la independencia de Gran Bretaña el 15 de agosto de 1947, los más ricos de los ricos celebraron en el Taj con nada menos que música de Jazz. Aunque el Día de la Independencia se conmemora con el patriótico poema-canción bengalí de 1882 “Vande Mataram”, esta asociación musical simbolizó la libertad y la creatividad para músicos negros y morenos reprimidos por personas blancas. Desafortunadamente, el músico de Jazz indio de mayor longevidad, Micky Correa, falleció recientemente, así que no queda nadie para contar testimonios de primera mano desde el salón de baile del hotel Taj Mahal. Lo que es peor es que tampoco se realizaron entrevistas con estos músicos, y solo podemos confiar en su influencia capturada en la cultura pop para explorar la historia del Jazz indio.

Los productores de Bollywood y los directores musicales se hicieron eco de la tendencia del Jazz entre la élite de India y necesitaban algo, o más específicamente, a alguien para modernizar su sonido que pronto quedaría obsoleto. Esa persona fue un hombre que es quizás sinónimo del Jazz indio, Antonio Xavier Vaz, más conocido como Chic Chocolate. Quizás el músico de Jazz más famoso que nunca has oído, Chic era un multi-instrumentista de Goa que logró alcanzar la fama tocando la trompeta en muchas bandas sonoras de Bollywood. Chic estaba profundamente inspirado por Louis Armstrong y a menudo le llamaban el “Louis Armstrong de Bombay”, incluso llegando a usar el característico pañuelo y cantando en ese estilo gutural y ronco.

Comenzó en Mumbai liderando una banda de once miembros en el Hotel Taj Mahal. Su trabajo fue prolífico, su influencia es perenne, y la naturaleza de su composición y actuación enmarca la base de este matrimonio de culturas que promovió el Jazz indio. Ver a Chic Chocolate actuar era más que un concierto promedio; aseguraba que su audiencia viviera una experiencia que nunca olvidarían. Tenía una personalidad ruidosa y encantadora que cautivaba a extraños y habituales por igual; podía manejar a la multitud con su ingenioso carácter y su amor por la actuación era palpable. Desarrolló una relación tan fuerte con sus habituales que tocaba sus canciones favoritas tan pronto como entraban en la sala. Esta vivacidad es definitivamente evidente en su música; al escuchar grabaciones antiguas de su trabajo en solitario, te encuentras cautivado por su trompeta. Su trompeta poseía esta rudeza y aspereza, particularmente en la pista “Contessa”, casi tenía una personalidad propia y captaba la atención de todos. Chic había tocado la trompeta desde los 25 años y logró alcanzar un nivel de virtuosismo inigualable. Aunque era principalmente conocido como trompetista, su destreza significaba que también tocaba saxofón, violín y varios instrumentos rítmicos, y se convirtió en arreglista y director.

La influencia del Jazz fue tan sonora que llegó a Bollywood y se ha acreditado a Chic Chocolate la introducción de la música occidental a los directores musicales indios. C. Ramchandra, un compositor prolífico de Bollywood, fue particularmente influenciado por el Jazz y buscó incorporarlo en su producción. Ramchandra trabajó muy de cerca con Chic para perfeccionar un estilo y rendir homenaje al Jazz de una manera muy india. A pesar de su permeabilidad entre la élite y en hoteles de lujo, la fusión del Jazz con Bollywood—básicamente la respuesta de India a la música pop—le permitió ser accesible para todos, independientemente de la clase o casta. La película de Bollywood Albela que salió en 1951 fue una dulce introducción a Chic Chocolate. En su núcleo, la banda sonora es muy dulce, suave y contemporánea, pero la trompeta de Chic Chocolate que vuela a través de estas canciones, que de otro modo son muy indias, sirvió como un puente hacia el Jazz. Una canción así es “Eena Meena Deeka” de la película de 1957 Aasha que se volvió tan famosa que ha sido presentada en comerciales internacionales. Esta canción vio a Ramchandra descubriendo cómo interpretar el Jazz de una manera distintivamente india mientras aún sonaba tradicionalmente como el Jazz afroamericano. La letra “maka naka” es Konkani para “no quiero”, lo que vimos fue una fusión de influencias goanas, portuguesas y afroamericanas mezcladas en una única experiencia sonora. En última instancia, fue una canción divertida y sin sentido que encapsuló el espíritu vibrante de Chic y, al igual que cada una de las canciones por las que se le acredita, demuestra sus pragmáticas musicales y geográficas a la perfección. La música de Bollywood ha tenido desde hace tiempo una historia de tomar tendencias e incorporarlas con elementos tradicionales indios, más notablemente con la interpretación del disco por Bappi Lahiri.

Desafortunadamente, en los años 60—la década que marcó el apogeo de la popularidad del Jazz—el atractivo del género había comenzado a desvanecerse. A medida que el dúo de compositores Laxmikant-Pyarelal comenzaba a hacer olas en Bollywood con su reclamación de la psicodelia del oeste y se empezaban a priorizar instrumentos electrónicos más pesados y el Rock n Roll, después de un reinado de aproximadamente 40 años que abarcó dos generaciones, el Jazz ya no era algo “cool”. La importancia del Jazz indio, sin embargo, reside no solo en su producto final, sino en la solidaridad racial y la colaboración que nació de: dos grupos de personas de color discriminados por las personas blancas; India por el colonialismo, y los afroamericanos por la esclavitud, prestando su tierra; su música entre sí y creando algo increíblemente único. Lo que parece ser un choque casi inconcebible de culturas para aquellos no familiares con la música es, en realidad, una exploración perspicaz de cómo la maleabilidad de la música crea belleza y talento idiosincrásico.