Los 10 Mejores Álbumes de Jack White que Debes Tener en Vinilo

The White Stripes: The White Stripes (1999)

El álbum debut homónimo de The White Stripes es un disco como un perro de la chatarra: ruidoso, crudo y brutalmente efectivo. Huele a cigarrillos y malas decisiones. Rebosante de talento y visión, Jack White llegó con la confianza de un artista mucho mayor que él. Los primeros murmullos de "Jimmy the Exploder" son una clara destilación de lo que sigue. "Jimmy" alterna entre el impulso arrogante de sus versos y su frenético grito de coro antes de pasar a una versión de "Stop Breaking Down" de Robert Johnson. Las canciones aquí no tanto transicionan como se tambalean abruptamente, cambiando de un frenético clímax al siguiente con pocos respiros (los descansos que sí llegan, sin embargo, como "Do", brillan con atmósfera). Todo el álbum mantiene esta cohesión continua, creando un poderoso cóctel de blues sucio y rock de garaje nervioso que es a la vez único dentro de la discografía de los Stripes y precursor de lo que estaba por venir.

The White Stripes: De Stijl (2000)

De Stijl, el segundo álbum de The White Stripes, se encuentra solo en su propio rincón de su discografía, un álbum de transición que no encaja perfectamente en los extremos obvios de su obra. La energía del debut se mantuvo firmemente intacta, pero su desaliño fue canalizado para utilizar más hábilmente los instintos pop de White. El producto es astutamente encantador, un terreno medio diverso y simpático entre los bordes ásperos de The White Stripes y su trabajo posterior cada vez más pulido. Mientras que los blues empapados de whiskey de “Little Bird” y “Death Letter” habrían encajado perfectamente en su disco homónimo, la melodía fácilmente digerible, casi soleada de “You’re Pretty Good Looking (For a Girl)” (sin mencionar el adictivo “Hello Operator”) insinúa una accesibilidad ausente en las producciones anteriores de los Stripes. Los Stripes se sienten cómodos—contentos, incluso—de pasar del ritmo de caracol de “A Boy’s Best Friend” a la contundencia que causa latigazo de “Let’s Build a Home.” Es justo caracterizar De Stijl como un calentamiento para la mejor música que vendría, pero tiene una identidad única y convincente por derecho propio.

The White Stripes: White Blood Cells (2001)

El hecho de que White Blood Cells, el álbum revelador de The White Stripes, se grabara en tres días se siente tanto como un asombroso testimonio de la brillantez de los Stripes como una dura crítica a mi propia productividad (me tomó tres días finalizar esta frase). Jack y Meg estaban funcionando a todo ritmo con White Blood Cells, entregando un álbum mejor en casi todos los aspectos que los dos que lo precedieron. Puedes casi escuchar las partes encajando en su lugar; The White Stripes y su identidad como banda finalmente se sienten completamente formadas. “Fell In Love With a Girl”, con su vídeo musical de LEGO dirigido por Michel Gondry, fue un verdadero éxito. “We’re Going To Be Friends” ofrece una balada acústica pintoresca e infantil justo momentos antes del venenoso gruñido de “I Think I Smell a Rat”; “Aluminum” es un grito instrumental al estilo de Sabbath en mayúsculas, mientras que “This Protector” cierra el álbum solo con piano. Si quedaban dudas sobre la habilidad y versatilidad de The White Stripes, Jack y Meg pasan la mayor parte de la duración de White Blood Cells destruyéndolas.

The White Stripes: Elephant (2003)

Hay todo tipo de grandes momentos en Elephant, el brillante cuarto álbum de The White Stripes. El más obvio viene primero—“Seven Nation Army”, el abridor del disco, es un masivo e improbable himno futbolístico. Pero la escala se siente diferente en otros lugares también. Las estructuras de las canciones son más sueltas, los clímax más intensos, el alcance más ambicioso. La paleta sonora más amplia utilizada en White Blood Cells se enriquece y expande. “There’s No Home For You Here” entrega su mensaje poco acogedor a través de lo que podría ser todo un pasillo lleno de Jack Whites. “Black Math” se derrite casualmente en un tempo más lento justo cuando parece haber perfeccionado su groove. “The Hardest Button To Button,” acompañado por uno de los vídeos más icónicos de los Stripes, es un clásico instantáneo—ansioso, palpitante, irresistible. La canción central del álbum, “Ball and Biscuit,” es toda una pose de dios del sexo y solos de guitarra deslumbrantes. Es la canción más larga de The White Stripes y probablemente la mejor.

Elephant también parece estar deseoso de arrojar luz sobre las contradicciones de White de maneras intrigantes, avivando intencionadamente las llamas de su enigmática personalidad. ¿Es él contundente y dominante (ver “Black Math”), o es el tímido pretendiente de “I Want To Be the Boy To Warm Your Mother’s Heart?” ¿Se pone “nervioso cuando ella aparece”, o es él el irrefutable playboy excitado de “Biscuit?” Apenas importa; en Elephant, él es un verdadero dios del rock.

Loretta Lynn: Van Lear Rose (2004)

Los regresos en la parte final de la carrera pueden ser inmensamente difíciles de orquestar—especialmente cuando has sido una fuerza en el mundo de la música durante la mayor parte de cuatro décadas. Con Van Lear Rose, sin embargo, White logró jugar el Quentin Tarantino al John Travolta de Loretta Lynn, revitalizando una carrera que había coqueteado con la estancación durante mucho tiempo. White, que produjo el álbum, logra un equilibrio hábil; sus huellas están por toda la grabación, pero evita robarle el protagonismo a Lynn, cuya composición aquí eclipsó cualquier cosa que hubiera hecho en años. Sorprendentemente, la pareja White y Lynn no es un gran cambio dramático respecto al sonido bien conocido de Lynn—su narrativa es tan rica, convincente y aguda como siempre, y las texturas sonoras del álbum, aunque vibrantes y modernizadas, permanecen fieles a sus raíces. White llega a hacer un dúo en el excelente “Portland, Oregon,” pero en su mayoría (con razón) se mantiene al margen de Lynn. Su escritura y entrega aquí son alternativamente divertidas (“Story of My Life”) y genuinamente conmovedoras (la canción titular y “Miss Being Mrs.”).

The Raconteurs: Broken Boy Soldiers (2006)

La formación de The Raconteurs (un supergrupo que consiste en White, Brendan Benson, y Jack Lawrence y Patrick Keeler de The Greenhornes) le ofreció a White un nuevo escaparate y con ello, una nueva gama de posibilidades musicales al asentarse en un papel de co-encabezado junto a Benson. Por divertido que sea el cambio de escenario, muchas de las modificaciones son solo ajustes mínimos; el White de The Raconteurs no es radicalmente diferente de sus otras encarnaciones. Como en sus mejores proyectos, Broken Boy Soldiers encuentra a White espolvoreando golosinas familiares (varios híbridos de blues, punk, garaje, rock clásico) con sus excentricidades características. Y aunque hay algunos momentos verdaderamente raros, Broken Boy Soldiers también contiene parte de la música pop más pura de la carrera de White—probablemente como resultado directo de la influencia moderadora de Benson. “Steady, As She Goes” cuenta con un gancho de un éxito innegable, y otras canciones del álbum son igualmente accesibles (“Together” y “Call It a Day” vienen a la mente). Otros momentos destacados incluyen el vívidamente psicodélico “Intimate Secretary” y el standard pero conmovedor cierre de blues “Blue Veins.”

The White Stripes: Icky Thump (2007)

Si bien no era inicialmente evidente que Icky Thump sería el último álbum de The White Stripes, tiene mucho sentido en retrospectiva. Más inquieto y raro de lo que se le dio crédito al momento de su lanzamiento, Thump representa la evolución lógica de las ideas más peculiares de los Stripes llevadas a un punto de ebullición frenética. “Rag and Bone,” un instrumental de blues sencillo imbuido de un concepto jocoso, retrata a Jack y Meg como algo parecido a un dúo cómico. “Conquest” reelabora una canción convencional de los años 50 en una orgía bombástica de trompetas de mariachi. “Prickly Thorn, But Sweetly Worn” es un canto de gaita que se derrumba en un interludio de spoken-word alocado.

Sin embargo, White no se pierde del todo en estos giros impredecibles, dejando mucho espacio para algunas de sus obsesiones favoritas: explosiones de guitarra (“300 M.P.H. Torrential Outpour Blues”), acústicas simplificadas y con ironía (“Effect & Cause”), y blues de la vieja escuela (“Catch Hell Blues”). La batería de Meg es tan uniformemente buena como siempre, y el trabajo de guitarra y las voces de Jack en canciones como “Bone Broke” y “I’m Slowly Turning Into You” se sienten igualmente sin esfuerzo. Audaz y delirantemente divertida, Icky Thump lleva sus influencias divergentes con una sonrisa, cerrando la era de The White Stripes con carácter y estilo.

The Raconteurs: Consolers of the Lonely (2008)

Los proyectos de White, grandes y pequeños, han sido a menudo una lucha entre su lado extraño y vanguardista y sus tendencias más comercialmente aceptables. Consolers of the Lonely, entonces, ofrece una victoria decisiva para lo último. El segundo (¿y tal vez último?) álbum de The Raconteurs, Consolers juega como un genuino complacedor de multitudes. El blues rock impulsado por guitarras al estilo de Zeppelin (“Top Yourself”) está presente como siempre, al igual que el garage rock basado en riffs (“Salute Your Solution,” el primer sencillo enormemente divertido del álbum), baladas serenas (“You Don’t Understand Me”) y coqueteos con el country (“Old Enough” y el excelente cierre “Carolina Drama”). La banda incluso intenta su mano en pop al estilo de Billy Joel (“Many Shades of Black”), que suena como si debería caer flatamente (no lo hace). Consolers carece de la concisión de su predecesor, pero su deliberada aproximación de “cocina de todo” (y la mejor química entre White y Benson) justifica con creces su longitud más bulbosa.

The Dead Weather: Horehound (2009)

A pesar de la estatus de White como uno de los frontmen más magnéticos del rock, muchos de los mejores momentos de The Dead Weather pertenecen a Alison Mosshart de The Kills. La presencia de White siempre está presente, pero gran parte del trabajo de la banda—incluyendo y quizás especialmente Horehound, el debut de la banda en 2009—es en gran medida el espectáculo de Mosshart. En ocasiones, White—quien toca la batería ferozmente a lo largo de los tres álbumes de Dead Weather—toma el protagonismo (ver el extraño y chirriante “I Cut Like a Buffalo”), pero Horehound abraza la dinámica colaborativa que anclaba los discos de The Raconteurs. Es un mejor álbum por las contribuciones de White, pero también es mejor por negarse a apoyarse en su estrellato. Horehound a menudo es intencionadamente feo; su producción a veces chirría y sisea ruidosamente. El resultado es quizás la publicación más atmosférica en la discografía de White. Puntos extra por el doloroso blues lento de “Will There Be Enough Water?” el cierre inquietante del álbum.

Jack White: Blunderbuss (2012)

Más que cualquier otro álbum de White, Blunderbuss está decidido a exorcizar demonios. El primer esfuerzo en solitario de White, Blunderbuss fue grabado en la secuela de la ruptura de The White Stripes y en medio de un divorcio supuestamente desordenado. El resultado es un estilo lírico más directo y ácido que el que White suele abrazar. La apertura "Missing Pieces" reflexiona oscuramente sobre un ser querido que “se aleja y se lleva una parte de ti.” “Love Interruption” va un paso más allá: “Quiero que el amor me vuelva a rodar lentamente, que me clave un cuchillo por dentro y lo retuerza todo.”

La rendición de cuentas de White con su vida personal se siente incómoda y complicada. Pero no impide un conjunto de canciones uniformemente fuertes. “Sixteen Saltines” podría haber residido cómodamente en un hipotético séptimo álbum de The White Stripes. “Blunderbuss” es una canción pop esencial de White, impregnada del más suave de los toques de alt-country. Para aquellos que extrañan el piano que White mayormente abandonó desde Get Behind Me Satan, hace un regreso aquí—más notablemente en el melodramático pero impactante “Weep Themselves To Sleep.” Blunderbuss se escabulle de las expectativas, pintando en trazos familiares pero abrazando la nueva libertad de Jack como artista en solitario. El álbum es generalmente más suave pero más ecléctico musicalmente que la mayoría de los esfuerzos anteriores. Imperfecto aunque sea, está lleno de ambición e invención, la obra de un artista que no necesita probarse a sí mismo pero que aún así está ansioso por hacerlo.