Living In Myths With Weyes Blood

Eso se vuelve más claro con la noticia de su próximo álbum, Titanic Rising, que saldrá en abril a través del célebre sello de Pacific Northwest, Sub Pop. Este será su primer lanzamiento con Sub Pop, y la música contiene un sentido de confianza y agilidad incrementados que vienen con el crecimiento del lado del sello. Titanic Rising se basa en los hermosos sonidos de Front Row Seat To Earth, profundizando en el poder mítico de las películas y explorando cómo las fuerzas de estas historias inalcanzables de amor retuercen nuestras dolientes y solitarias psiques.

Aún así, Titanic no es un álbum triste en absoluto, sino uno reflexivo, y ciertamente un cuerpo de trabajo ambicioso. Permite a Mering, de una vez por todas, ocupar su lugar junto a los grandes compositores de nuestra era, ella es, si me permite la comparación, la Joni Mitchell milenial, combinando obras del corazón con pensamientos políticos y temas universales asombrosos. Antes del lanzamiento del álbum — saldrá el 12 de abril, pero puedes preordernar una versión de vinilo de edición limitada de Vinyl Me, Please ahora — hablé con Mering sobre el lugar del disco en su trayectoria profesional, la nueva canción introductoria 'Andromeda' y por qué Titanic es uno de nuestros pocos mitos modernos inmortales.

Has estado haciendo música durante años, pero Front Row Seat To Earth de 2016 se sintió como un álbum en el que todo encajó para ti, como si estuvieras en el máximo apogeo de tus poderes. Pero ahora, al escuchar Titanic Rising, parece que está en un nivel aún superior a eso. ¿Cuál es la relación entre estos últimos dos discos para ti, y cómo se siente diferente de cara al lanzamiento de Titanic?

En Front Row Seat to Earth definitivamente tomé más las riendas en términos de producción. Tuve algunas grandes oportunidades con mi primer disco con Mexican Summer, The Innocents, para hacer una gran cantidad de giras y realmente afilar mis habilidades de canto y composición, teniendo la oportunidad de actuar durante meses a la vez, lo cual es definitivamente un privilegio para la gente indie, porque creo que la escena DIY en los últimos años ha tomado un ligero golpe. Realmente conseguir esos shows y tocar de manera consistente ante una audiencia que está escuchando es cada vez más difícil.

Front Row Seat fue la culminación de mí tocando estos shows, tomando las riendas y trabajando con alguien como [productor] Chris Cohen, en quien confío profundamente. Con este próximo, fue aún más de eso. Tuve la oportunidad de hacer giras incluso más, tuve la oportunidad de tocar con quien yo quisiera. Y Jonathan Rado, que me ayudó a producir el disco, incluso me dejó tener más libertad en términos de su opinión siempre de acuerdo con la mía, mientras que Chris y yo solíamos chocar en algunas cosas. Así que fue interesante de repente tener aún más libertad para explorar diferentes ámbitos. Creo que para mí ha sido un largo proceso llegar a este punto porque simplemente no había tenido esas oportunidades hasta ahora.

Este es tu primer álbum con Sub Pop, que es personalmente uno de mis sellos favoritos. Crecí en el Noroeste, así que estaban en todas partes allá. ¿Qué te atrajo a trabajar con ellos y cómo ha sido esa experiencia?

Para mí, ellos son un gran tema también. Cuando se interesaron en mí, me quedé bastante impresionada. Hubo algunos otros sellos que eran un poco más, cómo decirlo, algo así como sellos mayores, o simplemente un poco más de un nombre atractivo que podrías mencionar. Y la forma en que esos sellos me trataron fue simplemente tan aleatoria— como, hay mucho de vino y cenas, y luego pidiendo demos y es solo como... mis discos hablan por sí mismos. Estoy en un punto de mi vida donde no necesito hacer demos para conseguir un contrato discográfico. No es realmente mi estilo.

Así que Sub Pop apareció de la nada, y no quisieron demos. Solo querían firmarme basándose en quién era, y tenían un ethos de DIY/indie realmente maravilloso y no estaban tratando de comprar mi vida entera. Sentí este espíritu afín con ellos y solo una abrumadora cantidad de amabilidad y apoyo y un interés legítimo. La gente en el sello realmente ha escuchado mi música a nivel personal y se sintió realmente como una familia, fue genial.

Esa es mi experiencia trabajando con ellos también. Dado el tradicionalismo subyacente de tu música — cómo evoca algunos de estos elementos antiguos de folk y vocales, pero también incorpora la composición pop del siglo XXI — creo que definitivamente tiene sentido lanzarlo en vinilo. Es una de las formas en que podemos preservar la música físicamente, pero ¿qué fue para ti lo que te llevó a trabajar con Vinyl Me, Please en este proyecto?

Soy una gran fan de las personas que abogan por copias físicas de música. Es tan diferente a la transmisión. Todas esas compañías de streaming ponen compresores y diferentes cosas en la melodía para cambiar su sonido, y tener solo una copia analógica cruda del disco es prácticamente lo que el artista desearía que todos escucharan. Y es una experiencia tan diferente cuando pones un disco en el tocadiscos para escucharlo en comparación con el streaming, especialmente con estos malditos algoritmos. Estoy tan decepcionada de que tan pronto como terminas con un disco en Spotify, te llevará a alguna tontería que ni siquiera quieres escuchar, ¿sabes a qué me refiero? Es realmente triste. Pero el vinilo, especialmente, te conecta con la música y te hace pausar. Creo que esa es una gran manera de escuchar álbumes.

Hablemos de la canción que usaste para introducir la nueva era, “Andromeda”. Obviamente tiene alusiones al pasado y al universo en general, así como conexiones con la modernidad y la tecnología. ¿Por qué quisiste comenzar este nuevo disco con esa canción?

Creo que había muchas canciones en el disco que todos esperábamos con ansias, y seguía sintiendo que “Andromeda” era este realmente genial punto de encuentro entre los arreglos más electrónicos y escasos, y espaciales, junto con la composición nostálgica. Parecía tener todo enrollado en uno, y simplemente creo que es una canción realmente hermosa. Cuando escribí esa canción, podía sentir mucha emoción en ella. Soy una gran fan de la música country, especialmente la country de los 80 y ese tipo de country de lo-fi en los 80 que utilizaba el LinnDrum, que es la máquina de ritmos que usamos en la pista. También es la primera canción que Rado y yo hicimos juntos, así que tuvo una sensación especial porque yo no tenía un LinnDrum y él sí, y yo estaba como, 'Bueno, perfecto, escribí esta canción básicamente esperando que hubiera un LinnDrum' y lo juntamos todo y fue bastante mágico, así que es solo una buena introducción.

Una de mis favoritas en el álbum es la canción “Movies”, especialmente como alguien que vive en L.A. y pensando en la manera en que estas historias dan forma a nuestras vidas y contribuyen tanto. Esta canción parece ver el lado bueno de esa industria en lugar de su lado oscuro, pero el título del álbum me hace pensar que hubo una película específica y una experiencia que inspiraron la escritura de esa canción.

Para mí, de niño fui tan impactado emocionalmente por las películas y realmente fui impactado emocionalmente por Titanic porque estaba un poco orientado hacia chicas blancas pequeñas a finales de los 90. Fue diseñado para nosotros de esta manera rara, y tuve esta intensa epifanía a la edad de 12 años de que estas películas estaban lavando el cerebro a la gente porque eran la única fuente de mitos universales que nuestra cultura estaba proporcionando. (Además de la religión, que estaba un poco en proceso de extinción, y molestando a la mayoría de la gente de todos modos).

Sentí que había algo increíblemente injusto sobre Hollywood y la manera en que es una industria tan capitalista. No pueden evitar estar en el lado chabacano, así que en muchos sentidos es solo una cosa extraña, porque no puedes realmente odiar las películas, hay algo tan mágico en ellas, porque, psicológicamente, así es como operamos. Operamos a través de mitos y esa es nuestra manera de entender la realidad, así que en muchos sentidos siento que esa canción es sobre observar estos mitos, tomar lo que son, aceptar el lado negativo — que es este muy específico estrechamiento de experiencias y la exclusión de personas de color y personas con diferentes experiencias.

¡Observar ese cambio, solo en los últimos dos años más o menos, realmente puedes sentir el impacto que ha tenido en las personas! La letra completa de “Quiero estar en mi propia película” representa nuestra realidad donde, en muchos sentidos, la gente no está viviendo en su propia realidad. Ya sea mirando las redes sociales de otras personas, ya sea el capitalismo diciéndole a la gente que necesita esto o que necesita ser así o una película representando la realidad de una manera realmente invertida o representando el amor romántico de una manera exagerada. Creo que en muchos sentidos las personas quieren vivir sus mitos y quieren que sean suyos. Es como si las películas fueran estas versiones inferiores de nuestras necesidades psicológicas más profundas.

Cierto, y estás escribiendo como una interpretación redentora — al menos en el título — de esa historia, que es una de las grandes tragedias en nuestra cultura moderna. Me gustó cómo la pista principal fue mayormente instrumental y casi como la obertura de una película a su modo.

Bueno, la razón por la que Titanic tiene un simbolismo tan grande para mí, no solo fue diseñada para las niñas pequeñas, sino que mostró la arrogancia del hombre a finales de los 90, la arrogancia del hombre está volviéndose bastante intensa y creo que todos podríamos sentir que algo iba a suceder y que iba a ser realmente malo. Incluso cuando era una niña pequeña, era un poco como, 'Oh Dios mío, no tenemos dominio sobre la naturaleza y realmente necesitamos poner eso en su lugar.' Simplemente se siente tan apropiado para los tiempos, porque el barco chocó contra un iceberg y porque para nosotros ahora los glaciares y el hielo se están derritiendo, y en lugar de que el barco se hunda, los países en vías de desarrollo se están hundiendo. Siento que es una paralela ridícula y el concepto de Titanic Rising es más como esta arrogancia de movimiento lento del hombre, inundando a la humanidad a un ritmo que no podemos comprender del todo, un poco como una rana hirviendo en agua. No importa cuán grande fuera la película que pudieras hacer sobre todo el concepto, no importa cuán gran impacto esa película tuvo en mi vida, todavía estamos luchando contra estos hombres que eligen asumir continuamente que tenemos control.

Esa pista principal instrumental llega a la mitad del disco, y luego el cierre hace referencia a un himno muy conocido. Has hablado sobre cómo crecer en la iglesia tuvo un impacto en tu infancia y tu trabajo, así que me pregunto, ¿era importante tener una referencia de vuelta a eso incluida en este disco?

Sí, y en cuanto a ese himno, también fue supuestamente el último que la banda tocó en el Titanic. Así que todo está relacionado. El título completo es en realidad “Nearer, My God, To Thee”, omití el “my God” porque siento que hoy en día Dios se ha convertido en un término obsoleto y para la gente “thee” es más una gran idea relacionable del superpoder que está supervisando todo lo que está sucediendo. Así que “Nearer To Thee” es un poco más como un estilo de gran singularidad y el arreglo de cuerdas es el mismo de “A Lot’s Gonna Change”, que es la primera canción del disco y un poco el tema del disco entero; que todos estamos pasando por cambios enormes, especialmente las personas de mi edad que recuerdan los días antes de internet y tienen estos recuerdos de cuando el medio ambiente era ligeramente diferente. Siento que la vida en L.A. — y especialmente en Pennsylvania — era muy diferente antes de que comenzara el cambio climático del siglo XXI. He visto algunas cosas locas cambiar, así que creo que terminar con esa nota es apropiado: Sí, muchas cosas van a cambiar, hagamos lo mejor de ello. Un poco como la banda del Titanic, tocando hasta el último minuto.