The Endearing Silliness And Sincerity Of Goon Sax

Louis Forster estaba viendo la película de terror japonesa de 1977 House cuando se le ocurrió una idea. Inspirado por los personajes principales de la película, que eran nombrados según sus rasgos de personalidad principales — una mujer que constantemente retoca su maquillaje se llama Gorgeous, otra que ama la música se llama Melody — Forster hizo lo mismo para sus compañeros de banda James Harrison y Riley Jones, quienes tocan con él en The Goon Sax. Forster bautizó a Harrison como Lazy, a Jones como Busy y a sí mismo como Bendy.

“Creo que James es el tipo más relajado,” dice Forster. “James no está recostado, es James Horizontal Harrison.”

“Supongo que soy un poco perezoso,” responde Harrison, su voz una manifestación sónica de un encogimiento de hombros. “Pero creo que hay otras personas en la banda que hacen cosas igual de tontas.”

Desde su debut en 2016, Up To Anything, el trío de indie-pop-meets-post-punk de Brisbane ha navegado por muchos descriptores — “tan inteligentes como tristes,” “autocríticos pero nunca melancólicos,” “entrañablemente simples” — aunque “tonto” nunca pareció liderar la carga. The Goon Sax, que se formaron en 2013 como un dúo de Harrison y Forster, quien es hijo de Robert Forster de la famosa banda The Go-Betweens (Jones se unió en 2014 después de solo unos meses de clases de batería), tienen la habilidad de enmarcar pequeños momentos como aún más pequeños. Up To Anything, lanzado cuando los miembros de la banda tenían 16 y 17 años, detalla lánguidamente las intimidades de la vida adolescente cargada de un anhelo depresivo — “Quiero que la gente piense en mí,” canta Forster en la canción título del álbum.

Aunque solo unos años mayores, The Goon Sax exploran nuevos territorios en su segundo esfuerzo, We’re Not Talking, ya disponible: la ansiedad. El LP se inclina, a veces, frenético, romántico, nostálgico, inquieto. En “Love Lost,” una canción liderada por Harrison que presenta cuerdas y castañuelas, él lamenta, “Tengo problemas con los que no sé cómo lidiar / y tengo problemas con los que no quiero que me vean.” En otro lugar, Jones murmura, “Echaré de menos la tristeza / eso es lo único que he conocido” en “Strange Light,” un homenaje a Brisbane y a los errores cometidos allí.

En We’re Not Talking, los tres miembros de The Goon Sax contribuyeron a la composición vocal e instrumental, una desviación de la principal composición de canciones de Harrison y Forster en Up To Anything. En vivo, intercambiarán instrumentos, con Jones ocupándose ocasionalmente de la guitarra y Forster saltando a la batería, cada miembro siendo una pieza en una máquina que rueda constantemente, siempre preparándose para el impacto.

“Esperamos lo peor en todo momento,” bromea Forster.

“Tal vez el avión aún no se está estrellando,” responde Jones, “pero hay esta sensación de que podría estrellarse.”

VMP: ¿Cómo cambió la dinámica de composición de canciones en We’re Not Talking?

Louis Forster: No creo que fuera una decisión consciente de que íbamos a trabajar en cosas de manera diferente. Simplemente sucedió así que Riley se sintió más cómodo cantando. En el primer disco, escribí algunas más canciones que James y esta vez James está escribiendo muchas canciones muy rápido. Todos tenemos más aporte en las canciones de los demás.

¿Cómo funciona el proceso de crítica cuando están editando el trabajo de los demás?

Riley Jones: Realmente no nos criticamos entre nosotros. No creo que alguna vez sintiera la necesidad de hacerlo. Eramos un poco como, “Sí, muy bien. Tenemos otra canción. Genial,” lo cual es afortunado.

LF: No creo que fuera, “Me gusta esta canción, pero cambia esas letras y quita esta parte, y entonces será buena.” No creo que ese tipo de cosas jamás sucedieran. Teníamos más input en la estructura de las canciones de los demás o practicando, las cosas no eran tan concretas inmediatamente cuando empezábamos a tocar una canción y cambiaban mucho. Algunas de [las canciones] las estuvimos tocando durante dos años antes de grabarlas. Durante ese tiempo, probablemente eran bastante irreconocibles desde el estado original.

Siempre es divertido trazar la trayectoria de ciertas canciones: Tuve este sentimiento una vez, ahora es esta cosa totalmente diferente y viviente.

RJ: Es raro cómo se convierte en su propia cosa tan rápidamente.

LF: Luego, una vez que la grabas, te sientes como si estuviera en un estado permanente, lo cual odio. A veces no pienso que la música debería ser grabada porque sigue cambiando después de eso. Todas las canciones siguen cambiando para mí porque las tocamos de manera diferente, tocándolas más rápido o más lento o con diferentes personas cantando. Grabar algo le da casi un estado permanente falso.

RJ: Pero solo es un disco. Solo un registro de cómo sonaba.

Pero alguien podría abrir Spotify y ese es el único contexto que tienen para las canciones en comparación con alguien que te ve tocar en vivo mucho.

LF: Creo que es si lo tocas de manera diferente a como está grabado, parece que lo has cambiado.

NPR mencionó algo interesante cuando escribieron que a muchas canciones les falta sinceridad cuando se trata de amor. ¿Crees que tienes esa sinceridad? ¿Qué se necesita para ser verdaderamente sincero en la música?

LF: Creo que es sincero. Es gracioso mirar hacia atrás en esas canciones ahora que las hemos grabado y escrito hace bastante tiempo. Estoy completamente seguro de que cada cosa que dijimos es sincera y verdadera. Eso es definitivamente algo en lo que no puedo [encontrar] fallo.

¿Cuáles son esos momentos que te inspiran a escribir?

LF: A menudo siento que no necesariamente escribo sobre cosas a medida que suceden. Siempre escribo sobre cosas que han sucedido algún tiempo después. Son solo eventos y sentimientos que se editan en letras. Observaciones sobre cosas. Había una canción que escribí para tratar de recordar donde crecí antes de mudarme porque quería recordar eso específicamente. Fue casi una nota mental.

¿Qué canción fue esa?

LF: Algunas partes de “Strange Light.” Riley escribió muchas de esas letras, también. Originalmente tenía un montón de otras letras, pero ese fue el propósito original de esas canciones.

¿Cuánto influye el tiempo y el lugar en la forma en que escribes las letras?

James Harrison: Tal vez el tiempo y el lugar influyen mucho porque cuando escribo, algo ha sucedido y vuelvo a casa y tal vez bebo un poco. Me gustan muchas bandas de Brisbane y algunas hacen que mi música suene como otras bandas de Brisbane.

LF: Creo que este disco es muy de tiempo y lugar para mí. Brisbane en 2015, 2016, principios de 2017. Pienso mucho en términos de años.

¿Qué estaba pasando en vuestras vidas en Brisbane en 2015?

LF: Estaba en el grado 11, Riley y James habrían estado en el grado 12. Fue un tiempo bastante emocionalmente confuso. Para mí, se trataba de estar enamorado por primera vez y estar tan abrumado por eso.

JH: Estaba en el grado 12 y fue confuso y un poco enamoradizo.

LF: Para mí, este disco trata mucho sobre ansiedad. El último disco, el primero, recuerdo haber pensado que sonaba realmente deprimido y este suena más ansioso que deprimido.

Estás recorriendo todas las emociones.

JH: Creo que la ansiedad es una gran parte de ello.

LF: Tienes que enfocarte en una cosa en particular. En este momento, estoy escribiendo principalmente sobre el miedo y [cuando] cambias esos temas o esas motivaciones, ¿a qué sentimientos se convierten en escritura? Aún sientes todas las demás cosas, pero ¿en qué punto de tu pensar se convierte en una canción?

Incluso la forma en que resultó el disco, sonicamente, es un poco más optimista. Se traduce en un sonido más ansioso.

RJ: Es rápido y estaba pensando en ritmos y tratando de hacer los ritmos más interesantes en este. Estoy esperando que nuestro próximo disco no suene como ansiedad.

¿Cómo esperas que suene?

RJ: Solo un poco más cósmico.

JH: Ser cósmico sería mucho mejor.

RJ: Quién sabe si es posible no hacer algo como producto de la negatividad o la angustia. Puede que no sea posible. Tal vez sea posible pero no nos gustará.

Porque hay esta noción de que del dolor surge un gran arte.

RJ: Puede que venga de los primeros músicos de blues que escriben la música más dolorosa, desgarradora y hermosa. Tal vez debemos volvernos más dolorosos o algo así. Tal vez no es suficiente.

JH: No creo que sea suficiente.

LF: Creo que las canciones también pueden venir de sentirse realmente bien. Mucha buena música viene de sentirse genial. Tal vez es más una idea que surge del dolor porque muchas veces cuando la gente se siente realmente bien, están demasiado atrapados en ello como para querer escribir sobre eso.

¿Escribir te acerca más a la claridad sobre las cosas sobre las que escribes?

LF: Hasta cierto punto. A veces no en absoluto. Casi lo hace más confuso y más frustrante porque la música y lo que haces con ella es limitado. Es difícil convertir algo en un par de sonidos y palabras.

RJ: Creo que con este disco pensamos que podíamos hacerlo. Para mí, parecía que podíamos hacerlo siendo lo más honestos posible. Escuchábamos tanta música que no parecía honesta y realmente valorábamos cuando lo era. No sé si tendría el mismo enfoque ahora. Definitivamente me gustaría seguir siendo honesto siempre, pero también me gustaría ser más juguetón con ello.

LF: Creo que empiezas a darte cuenta, solo por deletrear las cosas exactamente como sucedieron no le va a dar a la gente el sentimiento que tú tuviste. Eso fue algo raro para mí darme cuenta. No puedes comunicar esas cosas.