Arlo McKinley umarmt ‚Dieses Chaos, in dem wir uns befinden‘

Produziert von Matt Ross-Spang (Margo Price, Jason Isbell) und aufgenommen in den legendären Sam Phillips Recording Studios in Memphis,This Mess We’re In findet McKinley seinen Sound weiterentwickeln, den er inDie Midwesternkreiert hat, indem er Lieder mit Streichern, Tasteninstrumenten und orchestralen Ausschmückungen erweitert. Thematisch befasst sich das Album mit Trauer, Depressionen und der Unordnung menschlicher Beziehungen, Themen, die nach den Turbulenzen der letzten zweieinhalb Jahre bei den Zuhörern besonders Anklang finden sollten.

Im Folgenden,VMPspricht mit McKinley darüber, wie ihm Melodien einfallen, seine Zeit bei Sam Phillips und was es bedeutet, Teil von John Prines musikalischem Erbe zu sein.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Klarheit gekürzt und bearbeitet.

VMP: Sie mussten eine Weile warten, um dieses Album zu veröffentlichen. Wie fühlen Sie sich jetzt, da Sie nur noch eine Woche davon entfernt sind, dass die Zuhörer das vollständige Projekt hören können?

Arlo McKinley: Ich habe es fast genau ein Jahr lang festgehalten. [Der 15. Juli] liegt ungefähr zu der Zeit, als wir die Aufnahmen abgeschlossen haben. Ich habe eine Weile damit gelebt und musste tatsächlich aufhören, es für eine Weile zu hören, weil ich dachte: „Ich werde das noch oft genug hören.“ Ich bin aufgeregt. Ich freue mich, dass es endlich, endlich seinen Weg in die Welt findet. Ich bin super stolz auf diese Platte.

Wann haben Sie mit dem Schreiben von Songs für das Album begonnen? Es gibt eine starke thematische Verbindung zwischen vielen von ihnen – gab es einen Song oder eine Idee, die dazu beitrug, diese Verbindungen herzustellen?

Kurz nach dem Erscheinen von,Die Midwestern[im Jahr 2020], saß ich herum und schrieb Sachen, spielte einfach mit Ideen herum. „Stealing Dark from the Night Sky“ kam zuerst. Dann „Rushintherug“, als ich das geschrieben hatte, glaube ich, erkannte ich, dass ich an einem Album schrieb. Das war der Moment, obwohl ich einige der anderen dazwischen geschrieben hatte. Ich dachte, alle Songs seien irgendwie miteinander verbunden. Ich wusste ziemlich schnell, weil ich immer schreibe. Einige Ideen bleiben haften; einige nicht. Aber es hat noch nie so funktioniert, dass alle Songs, die ich schrieb, irgendwie eine Geschichte erzählten. Sie sind alle irgendwie miteinander verbunden, was wohl daraus resultiert, dass man auf die gesamte COVID-Erfahrung und den strengen Lockdown zurückblickt.

Haben Sie bewusst daran gearbeitet, diese Verbindungen auszubauen? Oder war es eher ein natürlicher Nebeneffekt dessen, was Ihnen beim Schreiben durch den Kopf ging?

Ich denke, es geschah wirklich organisch. Einige der darauf enthaltenen Songs – wie „Bag of Pills“ auf,Die Midwesternwaren über 15 Jahre alt – bin ich erneut durchgegangen, weil ich eine Liste von wahrscheinlich etwas mehr als 40 Liedern habe, die ich bewusst erneut betrachten wollte. Mehr beim Zurückgreifen auf die alten Songs fand ich solche, die zum Klang und der Erzählung des gesamten Albums passen würden. Aber beim Schreiben denke ich, dass diese sich irgendwie organisch miteinander verbanden. Die Songs „Stealing Dark [from the Night Sky]“, „Rushintherug“ und „To Die For“ und solche Sachen sind alle neu, und dann bin ich zurückgegangen und habe „Back Home“ und „Dancing Days“ überarbeitet, was ältere Songs sind, die irgendwie mit dem Album zusammenzupassen schienen.

„Rushintherug“ ist einer meiner Lieblingstracks. Ich war wirklich von seiner Melodie beeindruckt. Das ist etwas, das mir auf der gesamten Platte auffiel – Sie verwenden Melodie auf so emotionale Weise. Wie beeinflusst das Schreiben von Melodien Ihren Songwriting-Prozess?

Das ist ein sehr großer Faktor. So schreibe ich normalerweise. Ich konnte nie einfach da sitzen und sagen: „Ich werde heute einen Song schreiben.“ Dieser Prozess hat nie wirklich funktioniert. Ich versuche, nichts zu erzwingen, und das meiste, was ich schreibe, entsteht aus einer Melodie oder etwas, das mir im Kopf vorging, während ich fuhr oder einfach rumsass. Das ist mit dem Refrain dieses Songs passiert, also begann dieser Song dort. Ich hörte die Melodie dieses Refrains in meinem Kopf und dachte dann: „Oh, das ist eigentlich ziemlich eingängig. Also schreibe ich ein Lied darum herum.“ Es ist mir wichtig, eingängige Sachen zu schreiben. Und die Melodie, das ist, was ich am meisten aus der Musik bekomme, schöne Melodien und solche Sachen. Insgesamt denke ich, dass dieser Song den Ton für das Album setzte: streicherlastig, mit vielen Tasteninstrumenten und Orgeln. Ich wollte einfach ein schönes Album machen.

Ihre Texte sind auch so bildreich. Wie in „Back Home“ die Zeile „Diese Stadt ist eine Sinfonie, die nie im Einklang zu sein scheint“, ist so spezifisch und evokativ. Wie haben Sie solch eine lebendige Songwriter-Stimme entwickelt?

Das ist für mich immer noch ein Rätsel. Ich weiß nicht, woher es kommt. Ich fing erst in meinen späten 20ern, frühen 30ern mit dem Songwriting an. Ich werde dieses Jahr 43. Ich war immer Sänger, sang einfach Harmonien in Bands und solche Sachen. Und ich weiß wirklich nicht, woher das Schreiben kam. Ich schreibe einfach über mich und mein Leben und Situationen, die ich durchmache. Diese Zeile ist einfach so etwas wie: „Ich weiß nicht, alles um mich herum bewegt sich, aber nichts scheint am richtigen Platz zu sein.“ Wenn ich jetzt darüber nachdenke, finde ich es seltsam, dass ich sitze und dies tue. Es war nicht immer da. Und es war etwas, wofür ich lange brauchte, um Vertrauen zu gewinnen.

Der Titelsong fiel mir auch durch Ihre Vocals und seine Botschaft auf, die den Menschen nach den letzten zwei Jahren besonders widerhallen dürfte. Was machte diesen Song besonders repräsentativ für das gesamte Album?

In den letzten Jahren habe ich erkannt, wie wichtig Beziehungen und Freundschaften wirklich sind. Ich war mir nicht immer bewusst, wie sehr ich bestimmte Menschen in meinem Leben brauchte, bis ich gezwungen war – bis wir alle gezwungen waren – ohne diese Menschen in unserem täglichen Leben auszukommen und eine Zeit lang allein zu sein. Und ich dachte, dass der Titel „This Mess We’re In“ einfach passend für die Zeit war. Jetzt ist es passender als es damals war, als ich ihn erfand. Die Welt ist an einem merkwürdigen Punkt.

Ja, es scheint leider von Tag zu Tag passender zu werden.

Das ist das Ding, ja. Es ist bedauerlich, dass es scheinbar „Seiten“ gibt und solche Sachen. Ich weiß nicht, es ist einfach verrückt, wie Menschen sich voneinander fernhalten wegen politischer Überzeugungen oder religiöser Überzeugungen. Und das ist eine Sache, die Musik für mich zumindest immer getan hat, wie Shows spielen oder Musik hören – es ist eine Pause von all dem für eine Weile, das hoffe ich zumindest. Das ist, was ich zu bieten hoffe.

Ich habe ein Zitat von Ihnen gelesen, in dem Sie sagten, dass das Erstellen dieses Albums Ihnen „einen inneren Kompass“ bot, um schwierige Verluste zu bewältigen, die Sie erlebt haben. Können Sie ein wenig mehr darüber sagen, was das für Sie bedeutet?

Es war kurz vor dem Erscheinen von,Die Midwestern. Einer meiner besten Freunde starb an einer Überdosis und kurz danach starb meine Mutter. Ich denke, diese Songs waren einfach das, was ich wählte, um zu versuchen, durch eine Zeit hindurchzukommen, die ohnehin schwer war, mit der ersten Covid-Zeit und all dem Wahnsinn. Dann kamen diese beiden großen Verluste, für mich war es schwer, anders damit umzugehen. Es war fast wie der Film,Groundhog Day. Jeden Tag wachte ich auf und es war immer das gleiche, weil wir nicht touren konnten, keine Shows spielen konnten, nicht nach Neuengland reisen konnten, um Freunde zu sehen, nichts dergleichen. Also denke ich, daher kommen viele der Lieder. Das ist wirklich, wie ich damals dadurch kam und wie ich immer noch durch Dinge komme, die eine wichtige Rolle in meinem Leben spielen.

Sie durften das Album mit Matt Ross-Spang im Sam Phillips Recording Studio in Memphis aufnehmen. Wie war diese Erfahrung?

Es war erstaunlich. Mit Matt zu arbeiten, ich sehe mich in absehbarer Zeit nicht wirklich mit einem anderen Produzenten arbeiten. Er scheint einfach zu verstehen, was ich versuche zu tun, ohne dass ich viel sagen muss. Es war lustig. Es fühlte sich für mich fast entspannter an als,Die Midwesternzu machen. Es war für uns alle eher so, dass wir es einfach herausfanden, während wir gingen, weil Matt nur einige akustische Demos von Songs hatte, die ich ihm geschickt hatte, und die Band hatte sie noch nicht gehört. Es war lustig zu sehen, wie die Songs zum Leben erwachten, zu sehen, wie diese Jungs und Mädels in der Band sie zum ersten Mal hörten. Nur ich, der Gitarre spielte, und dann zu sehen, was wir daraus schufen, war eine lustige Erfahrung. Und das Studio ist wie eine Zeitkapsel. Sie haben kaum etwas verändert. Der dritte Stock dieses Ortes wurde immer noch nicht verändert. Es ist immer noch Sam Phillips‘ Büro. Sie haben den Teppich nicht geändert. Es ist ein seltsames Gefühl, dort zu sein und zu wissen, dass man dort steht, wo so viele andere großartige Künstler gewesen sind. Man will Sam Phillips nicht mit einem schlechten Album verlassen.

Sie sind einer von scheinbar immer mehr Country-Künstlern, die Inspiration in Genres wie Punk und Metal finden. Wie sehen Sie die Überschneidungen von Country mit diesen Genres?

Ich habe zwei ältere Brüder. So hörte ich als Kind immer ihre Platten, wenn sie zu Hause waren. Und dann, wenn sie nach Hause kamen und mich aus ihren Zimmern schmissen, ging ich in das Zimmer meines Vaters und hörte seine Country-Sachen. Ich denke, ich bemerkte früh, dass es keinen großen Unterschied gibt [zwischen den Genres], zumindest mit der Formel des Songwritings auf punkige Weise, die meistens drei Akkorde, ein bisschen Vers, Refrain, Vers, Refrain enthält. So schreibe ich immer noch Lieder. Kaum eines meiner Lieder hat eine Bridge oder etwas dergleichen. Und sie sind einfach auf den Punkt und direkt. Ich habe mir selbst das Gitarrespielen beigebracht, indem ich alte Social-Distortion-, Black-Flag-Sachen und solche hörte. Diese Bands machen eigentlich das Gleiche [wie Country-Musik], nur viel schneller und lauter. Ich könnte die Songs auf diesem Album leicht in schnelle, laute Songs verwandeln. Sie sind auf die gleiche Weise geschrieben.

Ihre Fangemeinde wirkt besonders engagiert. Was denken Sie, ist es, das Ihre Verbindung zu den Menschen so stark macht?

Das ist ein weiteres Rätsel für mich. Mein Tipp wäre, dass ich einfach ehrlich und direkt bin und vielleicht über Dinge singe, die viele andere vielleicht nicht berühren, wie Sucht, psychische Gesundheit und Depressionen. Ich habe darüber mit anderen Leuten gesprochen, aber ich denke, ich zeige möglicherweise den Menschen, dass, wissen Sie, Sie nicht so verrückt sind, wie Sie vielleicht denken. Es ist eine normale Sache, dass das ungesagt bleibt. Einige der E-Mails und Nachrichten, die wir bekommen, sind einfach sehr schwer. Ich bekam eine Nachricht von einem Afghanistan-Veteranen, der mir sagte, dass er dort zwei Einsätze hatte. Er sagte, dass das Einzige, was alle beruhigte und alle am Ende der Nacht entspannte, darin bestand, meine Platte zu hören. Ich weiß nicht, ob ich ein größeres Kompliment bekommen kann.

Sie waren der letzte Künstler, den John Prine vor seinem Tod im Jahr 2020 bei seinem Label Oh Boy Records unter Vertrag nahm. Auf eine Weise wird Ihre Karriere immer mit seinem Vermächtnis verbunden sein. Was bedeutet das für Sie?

Ich möchte immer sicherstellen, dass ich das Oh Boy-Label so gut repräsentiere, wie es verdient. Einfach zu wissen, dass ich für immer die letzte Person sein werde, die unterzeichnet wurde, ist etwas, das schwer auf mir lastet, auf eine gute Weise. Zu wissen, dass ich zu irgendeinem Zeitpunkt auf seinem Radar landen konnte, ist erstaunlich für mich. Ich habe oft gesagt, dass, wenn dies morgen alles endete und alles weg wäre - und ich hoffe sicherlich, dass es nicht so ist - aber wenn es so wäre, das ist mehr Erfolg, als ich je erwartet hätte, den ich sehen oder von Songwriting erhalten würde.