Die 10 besten Nu-Metal-Alben, die Sie auf Vinyl besitzen sollten

Keine Ausnahme von dieser Regel, Heavy Metal hat seit den Tagen von Black Sabbath und Blue Cheer einen langen Weg zurückgelegt. Die nachfolgende britische New-Wave der 1970er Jahre gebar den amerikanischen Thrash-Übergriff der 1980er Jahre, einem Jahrzehnt, das die Bühne für die Fragmentierung metallischer Subgenres bereitete, darunter so aufregende Präfixe wie Black, Death, Power und Stoner, unter anderem. Jede dieser Entwicklungen hatte ihre Anhänger und Gegner, die jeweils notwendig waren, um die Schwere und das Ausmaß darzustellen, die stattfand.

Wenige Bewegungen in der Musik waren so erfolgreich wie sie polarisierten. Ein etwas nebeln definiertes Sammelbegriff, Nu Metal schaffte es, ein enormes Publikum zu gewinnen und gleichzeitig einen riesigen Querschnitt von Metalheads zu verärgern. Direkt gefolgt von und offensichtlich beeinflusst durch Alternative und Groove Metal der Mitte der 1990er Jahre, entstand es durch die Fusion von schwerer Gitarmusik mit Hip-Hop, Elektronik und Grunge, um nur einige zu nennen. Besonders bemerkenswert ist, dass diese Bands und Platten, die um die Jahrtausendwende auftauchten, auf breiter Basis ansprachen und Wege fanden, die weniger organisierten und vorgefertigten Metal-Formen nicht boten. Obwohl es erheblichen klanglichen und stilistischen Unterschiede zwischen Coal Chamber, Godsmack und Linkin Park gibt, weißt du, was Nu Metal ist, wenn du es hörst, ganz ähnlich der Definition des Obersten Gerichtshofs von Pornografie.

Übrigens hatte Nu Metal, wie fast jede andere Metal-Form, das Potenzial, eine Einstiegsmöglichkeit zu anderen Stilen von schwerer und extremer Musik zu sein. In den späten 1990er und frühen 2000er Jahren, in den Salattagen von Nu Metal, war das Internet überschwemmt von Piraterie, was es sowohl einfach als auch kostenlos machte, auf Bands zu stoßen, die auch nur tangential mit denen zu tun hatten, die man damals hörte. (Heutzutage braucht es nur ein paar neugierige Klicks, um von Metallica zu Converge oder von Deafheaven zu Pig Destroyer zu gelangen.) Plattenladenketten wie Sam Goody und Tower unterteilten ihre Angebote nicht unbedingt nach Subgenres, noch taten dies die Publikationen, die tatsächlich über Metal berichteten, was bedeutete, dass viele Zuhörer nur einen empfohlen, wenn du magst-Tag von einem abenteuerlichen Eintauchen entfernt waren. Frag nach einem Limp Bizkit-Fan ein Jahr später und sie könnten sehr wohl tief in Carcass oder Immortal eingetaucht sein.

Egal, ob du mit Zuneigung oder Verachtung auf die Nu-Jahre zurückblickst, die Einbringung neugieriger junger Ohren, die es in das jahrzehntealte Genre brachte, war entscheidend für das Überleben des Metals. Spule vor in die 2010er Jahre und du wirst sogar eine Reihe neuerer Gruppen wie Cane Hill und Islander entdecken, die dieses Erbe fortsetzen. Mit diesem Gedanken erscheint jetzt ein guter Zeitpunkt zu sein, um einige der Touchpoints dieses oft absichtlich missverstandenen Kapitels in der Musikgeschichte zu überdenken.

Die 10 Alben, die für diese besondere Liste ausgewählt wurden, sind nicht unbedingt die, die man erwarten würde. Um die Breite des Talents im Nu Metal auszudrücken, erhielt kein Künstler mehr als einen Platz, obwohl das Argument für eine Ausnahme sicherlich für einige gemacht werden könnte. Statt also darüber zu schimpfen, warum deine Lieblingsplatte von Korn den Schnitt nicht geschafft hat, oder über die Einbeziehung eines bestimmten Rap-Metal-Acts zu klagen, erkenne an, dass einige dieser Entscheidungen sprichwörtliche Sophies Entscheidungen waren, dass dies nicht Wikipedia ist und dass du am besten damit fährst, einfach die Fahrt zu genießen.

Sepultura: Roots (1996)

In den Zwischenjahren zwischen Hair Metal und Nu Metal genoss die schwere Musik weitgehend eine Phase der Experimentierung und Extremen im Underground. Doch Mitte der 1990er Jahre begann ein vergleichsweise kommerzieller Klang emporzuwachsen. Nach ihrem gleichnamigen Multi-Platin-Hit von 1991 gaben Metallica ihren Zuhörern mit der Hardrock-Offenbarung Load einen Einblick in die Zukunft, ein unmissverständlicher Abgang von ihren Jahren als Thrash-Purveyors. In ähnlicher Weise wagte die brasilianische Band Sepultura ebenfalls einen Schritt weg von ihren Ursprüngen hin zu einem Groove-Metal-Stil, der Pantera ähnlich war. Während 1993's Chaos A.D. experimentierte, verpflichtete sich 1996's Roots voll und ganz. In Zusammenarbeit mit Produzent Ross Robinson, der zuvor das Debüt von Korn geleitet hatte und später dasselbe für Slipknot tat, brachte die Band gewaltige Riffs und schlingende Basslinien hervor, alles verziert mit indigenen Instrumenten und Rhythmen für ein sui generis-Ergebnis. Nichts zur damaligen Zeit klang ganz so wie die fieberhafte Fusion von "Attitude" oder das creepy crawling "Lookaway." Frontmann Max Cavalera verließ die Band nicht lange danach und gründete die wegweisende Nu-Metal-Band Soulfly.

Korn: Follow The Leader (1998)

Prototypische Pioniere des Nu Metal, dieses Quintett aus Bakersfield, Kalifornien hatte bereits ein paar Major-Label-Alben herausgebracht, als ihr drittes Studioalbum erschien. Frühe Anhänger des düsteren, insularen Selbstbetitelten Albums von 1994 und des Genreplankens Life Is Peachy erkannten ihre ungenierte Fusion von Hip-Hop und Metal als deutlich unterschiedlich sowohl von Vorgängern wie Anthrax und Biohazard als auch von Zeitgenossen wie Rage Against The Machine. Korns Unterschied war spürbar, von der absichtlichen Tieferstimmung bis zur amerikanischen Trostlosigkeit von Sänger Jonathan Davis‘ Texten. All dies vereinte sich in einem perfekten Spiegelbild des Zeitgeistes auf Follow The Leader, das eine Generation ansprach, die kein Interesse daran hatte, künstlichen Grenzen zwischen Genres zu folgen. (Im selben Jahr starteten sie die Family Values Tour, eine reisende Konzertreihe, die absichtlich Rap- und Hardrock-Acts für ihr Line-up mischte.) Riesige Hits wie „Freak On A Leash“ und „Got The Life“ erlangten internationale Allgegenwärtigkeit, während tiefere Cuts wie „Dead Bodies Everywhere“ und „Justin“ den etablierten Fans die Authentizität boten. In Verbindung mit Korns Westküstenwurzeln gehörten zu den Gesangsgästen Ice Cube und Cheech Marin.

Staind: Dysfunction (1999)

Durchzogen von einer gewissen herzlichen Schrecken, brach diese Gruppe aus Massachusetts dank einer Neuinterpretation eines ihrer älteren Stücke durch. „Mudshovel“ zeigte den geballten Angst und den Gitarren-Trick von Korns früheren Arbeiten, aber verstärkt durch einen empathischen Refrain. Trotz der Co-Produktion von Limp-Bizkit-Frontmann Fred Durst war Dysfunction nicht weiter von der Rap-Welt entfernt, sondern eher mehr in Einklang mit den grungigen Klängen von Alice In Chains. Klangvoll, aber von Natur aus zerbrechlich, setzte Aaron Lewis’ Gesang Stimme Staind wirklich apart und trieb die wabernden Wendungen von „Just Go“ und die stampfenden Grooves von „Spleen.“ Während sie nicht ohne schwere Inhalte waren, verfeinerte und verdünnte ihr Nachfolger von 2001, Break The Cycle, die Elemente des dunklen Höhepunkts „Home“ von Dysfunction in radiofreundliche Power-Balladen wie „Fade“, „It’s Been Awhile“ und „Outside“, was schließlich Lewis’ zweite Karriere als Country-Sänger während Stainds Downtime nach sich zog.

Static-X: Wisconsin Death Trip (1999)

Kein Punk-Kid, Wayne Static war Ende 30, als das Debütalbum dieser Band in den Geschäften ankam. Ein ehemaliger Bandkollege von Billy Corgan, seine Zusammenführung von Elektronik und Gitarren klang viel aggressiver als das von den Smashing Pumpkins’ Adore aus dem Jahr zuvor. Der Opener und die Leadsingle „Push It“ tendierten näher zu Rob Zombies industriell gefärbten Stomp-Nummern, was Wisconsin Death Trip‘s Timing ideal machte im Nachklang von Hellbilly Deluxe. Über eine gemeinsame Neigung zu B-Movie-Samples fühlte sich Static-X’s Platte nie so an, als würde sie kopieren, was zuvor kam, sondern eher darauf hinarbeiten, neue Extreme zu erreichen. „Bled For Days“ und „Sweat Off The Bud“ waren nicht das NIN-lite von Gravity Kills oder das Emo-Ministry von Stabbing Westward, sondern hart aufgeladene Stücke, die es schafften, liebenswert hymnisch zu sein, ohne an Intensität einzubüßen. Während es kein Übernacht-Erfolg noch ein fester Bestandteil der Billboard-Charts war, schaffte es 2001 den RIAA-Platin-Status.

Crazy Town: The Gift Of Game (1999)

Mit ihrem ansteckenden Sample von Red Hot Chili Peppers und dem Kopf-nickenden Beat hatte „Butterfly“ einen langen Weg bis zur Nr. 1 der Billboard Hot 100. Die späte Blüte dieser Single von 2001 markierte leider Los Angeles’ Crazy Town als Limp Bizkit-Klone statt als Zeitgenossen. Nur wenige Monate nach der Veröffentlichung von Limp Bizkits Significant Other, bietet The Gift Of Game eine Fülle von Rap-Metal-Wahnsinn, erfüllt mit DJ AMs geschicktem Turntablism und den sich duelierenden Bars von Bret Mazur und Shifty Shellshock. Kaum die entspannte Angelegenheit, die „Butterfly“ andeutete, legt ein beträchtlicher Teil des Albums den Verzerrungseffekt dick auf, wie etwa bei den crunchy Stücke „Hollywood Babylon“ und „Toxic.“ Eine echte Liebe zum Hip-Hop strahlt durch bei „Black Cloud“ und „Players.“ Die Grobheit von „Lollipop Porn“ und „Revolving Door“ könnte einige Leute abschrecken, aber für besser oder schlechter passt diese Art von sophomorischem Hedonismus zum Ethos von Crazy Town.

Kittie: Spit (2000)

Die Schönheit des Booms der alternativen Musik in den 1990er Jahren übersetzte sich in eine Unvorhersehbarkeit in den verbraucherorientierten Marketingmaschinen von MTV und Rockradio. Eine Minute hörte man Tool — in der nächsten Minute Silverchair. Diese Vielfalt, kombiniert mit den zuvor erwähnten Einstiegsmöglichkeiten für schwere Musik durch Plattenläden, machte eine genreüberschreitende Band wie Kittie möglich. Direkt aus London, Ontario, konnte das kanadische Quartett Deftones’ Schwermut ebenso gut wie Cannibal Corpse’ Brutalität verkörpern. In minderwertigen Händen hätte die Vielzahl von Stilen, die in Spit eingeflossen sind, sicherlich versagt, aber dieses Album passt superb zur Stimmung seiner Zeit. Nach dem Gift der Eröffnungstitelnummer, wechselt die Single „Charlotte“ zu sauberem Gesang, ohne den Dreck ihres Gitarrentons zu opfern. Dreiste Songtitel wie „Do You Think I’m A Whore?“ und „Get Off (You Can Eat A Dick)“ widersprechen der männlichen Kurzsichtigkeit, die Nu Metal und, ganz ehrlich, Metal im Allgemeinen plagte.

Mudvayne: L.D. 50 (2000)

Glücklicherweise entfesselt während Slipknots beeindruckendem Aufstieg von maskierten Midwest-Goons zu den metallischen Göttern des Jahrtausends, hatte Gründungsmitglied Shawn „Clown“ Crahan eine Hand in der Produktion des Durchbruchalbums dieser Peoria, Illinois, Band. Mudvaynes mathematische Mischung aus kantigen Grooves und Schockrock-Quirks versetzte sie in eine sprichwörtliche Liga für sich. Obwohl die audio-dna der Band sie untrennbar mit ihren direkten Vorgängern verband, stachen die technischen Komplexitäten und Funk-Neigungen von L.D. 50-Tracks wie „Internal Primates Forever“ und „Nothing To Gein“ im Vergleich zu den oft unmissverständlichen Songstrukturen, die für Nu Metal typisch waren, hervor. Ihr eklektischer Ansatz lieferte sowohl das hektische Futter für die Moshpit mit „Dig“, den epischen Prog von „Severed“ als auch die melodischen Grooves von „Death Blooms.“ Mehrere Jahre später würden Sänger Chad Gray und Gitarrist Greg Tribbett mit Pantera-Drummer Vinnie Paul für ein sehr anderes Projekt, das cowboy-themen HEAVYEAH, zusammenarbeiten.

Slipknot: Iowa (2001)

Etwas mehr als zwei Jahre nach der Veröffentlichung ihres überraschend erfolgreichen ersten Albums kamen die Ungeheuer aus Des Moines noch profaner und raubtierhafter mit ihrem nächsten Werk zurück. Benannt nach ihrem Heimatstaat, wurde Iowa tatsächlich weit entfernt von ihrem spirituellen Zuhause und stattdessen in Los Angeles aufgenommen. Mit dem Grapple von neu gefundener Berühmtheit und dem damit verbundenen Druck, den sie ausgesetzt waren, lieferte Slipknot ein grausames Full-Length, das schwere Tropen in etwas Frisches und Kultwürdiges remixte. Nihilismus und Blast-Beats regieren über „People=Shit“ und „The Heretic Anthem“, und überbrücken wahrhaftig und endlich den Nu Metal mit seinen extremen Cousins. Schneller als der poppige „Wait And Bleed“ vom letzten Album, verbesserte „Left Behind“ die Formel, indem es sie sprengte. Ähnlich läuft „My Plague“ hastig durch Silben und perkussive Schläge, bis sie unerwartet bei einem Fear Factory-esken Refrain ankommt. Folgende Alben Vol. 3: The Subliminal Verses und All Hope Is Gone setzten diesen strömenden Ton fort, sehr zur teuflischen Freude ihrer Fanbasis, die sich selbst Maggots nennt.

Disturbed: Believe (2002)

Unter den Reimern, Rheinhälsen und Schurken, die die Nu-Metal-Szene bevölkerten, war eine formidable Gruppe von Künstlern, die gleichzeitig das zugegebenermaßen fließende Genre auf einen konventionelleren und, dare-I-say, konservativen Weg brachten. Zahlreiche dieser Gruppen, wie Creed, Godsmack und Papa Roach, erzielten große Erfolge mit altmetallischer Zugänglichkeit, die sie zu Beobachtungen im Hardrock machten. Die besten der Gruppe, Chicagos Disturbed, stürmten die genre-spezifischen Charts von Billboard mit energiegeladenen Singles wie „Down With The Sickness“ und „Stupify.“ Für ihr 2002 veröffentlichtes Folgealbum Believe kam die Gruppe mit dem Produzenten von The Sickness, Johnny K, wieder zusammen. Doch das Ergebnis dieser Sitzungen war im Vergleich auffallend poliert und verstärkte das Arena-Potenzial der Gruppe mit eingängigen Singles wie „Liberate“ und „Prayer.“ Mächtige Refrains und zufriedenstellende Riffs prägen das Album, ebenso wie die oft übertriebenen Gesangstheatern von David Draiman. Das Album debütierte an der Spitze der Billboard 200 und erhielt schließlich die Doppelt-Platin-Zertifizierung der RIAA.

Evanescence: Fallen (2003)

Wie die Trends, die ihm vorangingen, musste auch Nu Metal letztlich eine neue Welle nachgeben, die ihm dicht auf den Fersen war, nämlich Metalcore. Dennoch, selbst als es begann, aus der Gunst zu fallen, blieben nur eine Handvoll Gruppen übrig, die überdauerten, statt zu verwelken, einige großartige Platten traten aus diesem letzten Atemzug hervor. Nach mehreren Jahren des Bestehens trat die letztendlich fragile Partnerschaft von Amy Lee und Ben Moody schließlich mit Fallen hervor, einer gothy Neuinterpretation des zombifizierenden Genres. „Going Under“ und „My Last Breath“ hielten die Platte im Einklang mit den Erwartungen an schwere Musik, während ruhigere Momente wie „Hello“ und „My Immortal“ emotionale Tiefe hinzufügten. Obwohl sie zunächst von der Unterstützung christlicher Musikvertriebsunternehmen und Radiosender profitierten, sorgte Evanescence offenbar dafür, dass ihr Label eine Erklärung abgab, die die säkulare Natur ihrer Lieder bestätigte. Dies geschah trotz der Einbeziehung des Sängers von 12 Stones, Paul McCoy, bei ihrer bekanntesten Single „Bring Me To Life.“ Dennoch war Fallen ein kolossaler Erfolg und verkaufte letztendlich genug RIAA-zertifizierte Einheiten, um den siebten Platin-Status zu erreichen.