Cody Jinks ist unerwartet ein Country-Star

Wer zum Teufel ist Cody Jinks?

Für die Fans des Country-Künstlers – die sich „Flockers“ nennen und dementsprechend in Scharen zu Jinks Konzerten erscheinen – ist er einer der jüngeren Retter des Genres und erinnert an die Zeiten, als Country Merle mehr wertschätzte als „Hey Girl“. Für andere ist er ein relativ neuer Name, obwohl er mit 38 Jahren bereits mehrere Alben veröffentlicht hat, viel getourt ist und eine Art Kultfigur unter Genre-Puristen ist.

I’m Not the Devil aus dem Jahr 2016 war ein längst überfälliger Durchbruch für Jinks und erreichte trotz der Veröffentlichung ohne Unterstützung eines Plattenlabels die Top 5 der Billboard-Charts für Country-Alben. Der Erfolg dieses Albums brachte Jinks viele neue Orte, darunter die Late-Night-Fernsehlandschaft und mehrere ausverkaufte Shows im ikonischen Ryman Auditorium in Nashville.

Auf seinem neuen Album Lifers, seinem ersten mit einem Plattenlabel, verdoppelt Jinks das, was I’m Not the Devil zu einem kritischen und Kult-Erfolg machte: ehrliches Songwriting, meisterhafte Musikalität und eine Sichtweise auf Country, die die Lücke zwischen der Outlaw-Bewegung der 1970er Jahre und der Musik zeitgenössischer, linksgerichteter Country-Künstler wie Sturgill Simpson und Margo Price schließt. Er hat auch einige Freunde mitgebracht und Songwriter wie Paul Cauthen, White Morgan, Tennessee Jet und Austin Allsup als Co-Autoren eingeladen.

Wir haben Jinks ein paar Wochen nach der Veröffentlichung von Lifers getroffen, um über Songwriting, die Veröffentlichung von Musik mit einem Plattenlabel und die Aufmerksamkeit der Leute von Music Row zu sprechen.

VMP: Sie haben das Album jetzt seit ein paar Wochen draußen. Wie war die Resonanz und die Erfahrung bisher für Sie?

Cody Jinks: Eine Erleichterung. Mir war nicht bewusst, aber neulich sagte mir einer der Jungs in der Band, dass letzte Woche das Einjährige ist, seit wir mit der Platte angefangen haben. Es hat buchstäblich fast ein Jahr gedauert. Wir hatten es bis Januar im Kasten und die restliche Zeit haben wir versucht, es fertigzustellen. Das übliche Ding, es dauert lange, bis jemand eine Platte rausbringt. Also Erleichterung ist wohl das größte Wort, das mir einfällt. Ich bin dankbar. Ich bin erleichtert.

Dies ist das erste Album, das Sie mit einem Plattenlabel veröffentlicht haben. Wie war diese Erfahrung im Vergleich zu dem, was Sie bisher gewohnt waren?

Es war wirklich nicht anders. Ich habe mit Rounder unterschrieben, nachdem das Album fertig war, aber bevor es tatsächlich veröffentlicht wurde. Sie wollten buchstäblich nur das, was wir gemacht haben. Es gab keine äußeren Einflüsse auf das Album. Rounder hatte wirklich nichts mit dieser Platte zu tun, was der Hauptgrund war, warum ich mich für sie entschieden habe, weil sie uns wegen uns wollten. Wir haben mit unserer Band aufgenommen, und das ist nicht oft der Fall, wenn man große Plattenverträge und Plattenfirmen abschließt und so. Aber sie wollten mich. Sie wollten uns.

Ja, das klingt nach dem Besten aus beiden Welten. Sie haben die kreative Kontrolle und können tun, was Sie wollen, aber trotzdem die Unterstützung und Arbeitskraft eines Labels.

Das war definitiv eine frische Brise. Ich bin fast 38 Jahre alt, und das ist mein erster Plattenvertrag. Es war definitiv schön, das schneiden zu können, was wir schneiden wollten, und dass Rounder sagte: „Das ist großartig. Wir lieben es. Wir wollen es.“

Eine Sache, die mir beim Anhören des Albums auffiel, war, dass Sie eine so großartige Riege von Songwritern zusammengestellt haben. Es ist cool, so viele talentierte Autoren mit unterschiedlichen Perspektiven zu hören, aber auf einem Album, das kohärent ist und wirklich nach Ihnen klingt. Wie haben Sie entschieden, wen Sie an Bord holen wollten?

Das ist wirklich organisch passiert. Ich hatte das Konzept, ein Album mit einer ganzen Reihe verschiedener Autoren zu machen, schon vor Jahren, aber es nahm erst bei diesem Album Gestalt an. Wie das geschah, war, dass ich mit diesen Jungs auf Tour war; die meisten der Autoren auf diesem Album habe ich viel getourt oder zumindest so oft gespielt, dass sich ein Rapport und ein Respektgefühl entwickelt haben. Ich muss jemanden wirklich kennenlernen, bevor ich mich hinsetze und mit ihm schreibe. So operiere ich. Aber im Laufe der Jahre habe ich so viele gute Freunde gefunden und so viele Tourkollegen gehabt, dass es einfach passiert ist. Ich habe nicht wirklich dafür gekämpft. Es war einfach so, dass ich Tennessee Jet angerufen habe und etwas Organisches passierte. Es ist mir einfach in den Schoß gefallen. Ich liebe jeden auf dem Album, auch die Jungs, mit denen ich nicht geschrieben habe und deren Songs ich einfach gecovert habe. Ich habe einen weiteren Billy Don Burns-Song und einen weiteren Scott Copeland-Song gemacht. Ich hatte nur einen Song auf dem Album, der nur von mir allein war, was ich noch nie gemacht habe. Fast alle anderen Songs auf meinen Alben waren immer nur von mir.

Über den Song, den Sie allein geschrieben haben [„Head Case“], das war der Song, zu dem ich immer wieder zurückkam und an den ich dachte. Können Sie uns ein wenig darüber erzählen, wie Sie diesen Song geschrieben haben und was er für Sie bedeutet?

Das war ein harter Song zu schreiben, um ehrlich zu sein. Künstler sind auf ihre eigene Weise alle ein bisschen seltsam, und wir leben die meiste Zeit in unseren eigenen Köpfen. Ich habe diesen Song geschrieben, kurz nachdem Chris Cornell gestorben war; er war ein großer Einfluss für mich. Zur gleichen Zeit war Scott Copeland im Gefängnis, daher stammt die Zeile „All meine Helden, sie sterben alle oder sitzen in einer Zelle“. Seine eigene geistige Gesundheit zu hinterfragen, ist eine schwierige Sache. Es ist noch schwieriger, wenn man vor einem Publikum steht. Aber das ist wirklich ein Song gewesen, zu dem wir großartige Reaktionen erhalten haben. Es ist eine Art Schlaflied, zu dem alle irgendwie hingezogen sind, was ich überhaupt nicht erwartet hatte.

Ja, man hört nicht allzu viele Songs wie diesen. Er ist ehrlich und verletzlich auf eine Weise, die viele Leute wahrscheinlich hören wollen, aber nicht immer finden können.

Ja, verletzlich zu sein, ist irgendwie – metaphorisch gesprochen – als würde man auf die Bühne gehen und die Hosen runterziehen.

Sie erwähnten, dass Sie einen der Songs von Billy Don Burns auf dem Album haben. Er ist sicherlich ein Held unter seinen Fans, aber es gibt wahrscheinlich auch einige Leute da draußen, die noch nie von ihm gehört haben oder nicht wissen, welchen Einfluss er hatte. Wann wurden Sie zum Fan und was bedeutet seine Musik für Sie?

Dieser Typ ist etwas ganz Besonderes. Er nährt sich den 70 Jahren. Er ist ein Schatz, von dem nicht viele Leute wissen. Er ist schon ewig dabei. Er hat mit vielen verschiedenen Leuten zusammengearbeitet. Er hat mit Merle gearbeitet. Er hat für Willie geschrieben. Und jetzt, später in seinem Leben, beginnt er endlich Anerkennung zu bekommen, die ihm meiner Meinung nach gebührt. Ich habe vor fünf oder sechs Jahren zum ersten Mal von ihm gehört. Ich habe eine Show in Illinois gemacht und da war ein Veranstalter, mit dem ich immer noch befreundet bin, und wir haben eine Show mit ihm gemacht und er sagte: „Haben Sie schon mal von Billy Don Burns gehört?“ Er hat ein bisschen gespielt und ich habe am Ende zwei seiner Billy Don Burns-CDs gestohlen und bin nach Hause gegangen und habe sie eingehend gehört. Ich war wie: „Wo war dieser Typ?“ Er war oben; er war unten; er war im Gefängnis. Jetzt hat er ein Comeback. Whitey Morgan hat seine Sachen gecovert. Josh Morningstar, der „Must Be the Whiskey“ geschrieben hat, hat seine Sachen gecovert. Es ist lustig, weil Sie mit Billy sprechen werden – und wir sind alle in unseren späten 30ern und 40ern – und er wird sagen: „Es ist wirklich schön, dass ihr jungen Leute meine Songs covert.“ Wir machen das alle selbst schon seit 20 Jahren. Er ist ein Schatz.

Auf den Punkt, dass Sie das schon so lange machen, haben Sie mehrere Alben auf Ihrem Buckel, Sie haben viel getourt, aber es scheint, als hätte sich mit der Veröffentlichung von I’m Not the Devil für Sie etwas verändert. Sie verkaufen das Ryman aus und spielen in Late-Night-Sendungen, solche Sachen. Konnte man das absehen, als Sie und Ihre Band auf die Veröffentlichung dieses Albums hinarbeiteten?

Nein. Gar nicht. Es gibt viele Faktoren, die dazu beitragen, wo wir jetzt sind, und Timing ist genauso ein Faktor wie alles andere. Das richtige Material zu haben, die richtige Band und Crew sowie Management-Personen um sich herum ist offensichtlich sehr wichtig, aber ich schreibe viel davon dem Timing zu. Ich bin dankbar, an der Spitze dieses Wandels zu stehen, den wir in unserer Musikrichtung sehen. Devil war definitiv ein Wendepunkt für uns. Das Album davor, Adobe Sessions, da begannen wir einen Aufschwung zu sehen. Dann, als wir Devil herausbrachten, verkaufen wir das Ryman aus. Nichts davon war erwartet. Ich mache das schon lange und es ist für mich genauso überraschend wie für jeden anderen. Ich habe neulich etwas gelesen, das jemand über die Plattenverkäufe dieses neuen Albums geschrieben hat, und der Kommentar war etwas wie: „Wenn die Leute auf Music Row sich immer noch fragen, wer zum Teufel Cody Jinks ist, müssen sie sich nicht mehr wundern.“