Roberta Flack erstrahlte auf 'Quiet Fire'

Dieser ungewöhnliche Verlauf wurde durch eine ungewöhnliche Wendung der Ereignisse ausgelöst. Trotz seiner Veröffentlichung im Jahr 1969 eroberte First Take erst drei Jahre später, im Jahr 1972, die Spitzenpositionen der Pop- und R&B-Charts. Die Aufnahme der Single „The First Time Ever I Saw Your Face“ in den Film Play Misty For Me führte zum plötzlichen Aufstieg des Albums. Schauspieler Clint Eastwood hörte das Lied im Radio, als er fuhr, und war so bewegt von dem weitgehend unentdeckten Juwel, dass er Flack sofort anrief und fragte, ob er es in seinem Regiedebüt verwenden dürfe. Dieses Lied katapultierte Flack in den Superstar-Status und wurde nicht nur in den USA, sondern international ein Hit. Dies war gut für Flacks Karriere und ihr erstes Album, überschattete jedoch den monatelangen Verkaufserfolg und die kritische Anerkennung von Quiet Fire. Daher war Quiet Fire das einzige Album von ihr, das keinen Top 40-Hit hatte. So schreibt sich die Geschichte. Dennoch gilt bei nicht wenigen Fans das unterschätzte Quiet Fire als eines ihrer besten Werke.

Das Album hat, wie Flack selbst, eine komplexe Position in den Annalen der Musikgeschichte. Flacks Biografie stimmt in vielerlei Hinsicht mit dem Narrativ von Quiet Fire überein. Bald nach dieser Veröffentlichung zählte sie zu den bestbezahlten weiblichen Künstlerinnen der Mitte der 1970er Jahre. Doch es gab Stimmen, die ihre Musik als zu mittelmäßig, zu AM-Radio, zu zurückhaltend und als die Kennzeichen der Soul-Musik, die man von schwarzen Sängerinnen erwartete, nicht erfüllend betrachteten. Als ein strenger Londoner Kritiker sie zum ersten Mal auf der Bühne sah, meinte er: „Es liegt nicht am Mangel an Talent, noch am Mangel an einfallsreichen Arrangements ... sondern eher an ihrer Vorliebe für ultra-langsame Nummern, die wie ein alter Kurbelgrammophon klingen, wenn ihm die Kraft ausgeht.“ Da Flack in einer Ära mit so vielen starken und markanten weiblichen Stimmen eingebettet war, wurde sie früh in ihrer Karriere oft mit Aretha Franklin oder Nina Simone verglichen.

Viele dieser Rezensionen waren von geschlechter- und rassebezogenen Erwartungen geprägt und nahmen ihre Bedeutung falsch wahr. Ihre volle Kunstfertigkeit wird gleichzeitig hervorgehoben und verschleiert. Wenn man über ihre Radio-Hits hinausgeht und ihr umfassenderes Repertoire und ihre legendären Live-Auftritte hört, sind die Tiefe und Bandbreite ihrer Musik in all ihren vielen Farben leicht erkennbar. Auch ihr professioneller und weitreichender musikalischer Hintergrund wird offensichtlich. Sie erklärte einem Interviewer: „Ich möchte meinem Publikum zeigen, dass Musik ein kontinuierlicher Strom des Bewusstseins ist.“ Quiet Fire erfüllt dieses Ziel mit Sicherheit.

Flacks Musikalität begann in jungen Jahren als Tochter von Laron und Irene Flack, einem Bauzeichner und einer Schulköchin, die beide nebenbei ernsthafte Pianisten waren. Ihre Mutter spielte Orgel in der Kirche und ihr Vater war ein Jazz-Interpret. Sie begann zu spielen, während sie auf deren Schößen saß. Im Alter von fünf Jahren zog sie mit ihrer Familie nach Arlington, Virginia, einer Stadt, die nur eine 20-minütige Fahrt von Washington, D.C. entfernt ist und all ihren musikalischen Einflüssen und Genialität. Es ist kaum vorstellbar, dass diese Nähe zur Hauptstadt keinen Einfluss auf ihr musikalisches Wesen hatte, selbst wenn sie nur diejenigen beeinflusste, die in ihrem Umfeld lagen. Sie beschrieb ihre Existenz als Jugendliche als Routine von Schule-Kirche-Übung. Mit neun Jahren war sie bereits gut in Gospel- und populärer Musik bewandert. Bald würde sie ernsthaft klassische Musik studieren und sogar 1952 den zweiten Platz in einem staatlichen Wettbewerb mit ihrer Interpretation einer Scarlatti-Sonate gewinnen.

Nachdem sie mehrere Klassen übersprungen hatte, erhielt sie im Alter von 15 Jahren ein Klavierstipendium an der Howard University. Bald wechselte sie vom Klavierstudium zu einem Hauptfach Musikpädagogik. Wie vielen schwarzen weiblichen Klaviervirtuosen, wie Hazel Scott und Nina Simone, wurde ihr nahegelegt, dass Erfolg als klassische Konzertpianistin angesichts der Rassenbarrieren in Amerika unwahrscheinlich sei. Der Wechsel des Hauptfachs zielte auf eine nachhaltige Karriere ab, bot ihr aber auch Gesangstraining, etwas das zunächst hinter ihrer Musikalität zurücktrat. Nach dem Abschluss ihres Studiums im Alter von 19 Jahren unterrichtete Flack von 1959 bis 1966 Musik. Während dieser Zeit entwickelte sie ihre eigene Karriere weiter, leitete Gospelchöre, gab Gesangsunterricht und nahm Opernunterricht.

Sie begann, nachts Auftritte anzunehmen und bekam schließlich eine dauerhafte Residenz bei Mr. Henry’s auf dem Capitol Hill in D.C. Aufgrund ihrer überwältigenden Popularität ließ der Besitzer, Henry Jaffe, einen Raum im Obergeschoss speziell für ihre Auftritte errichten. Der Raum war mit Kirchenbänken und Akkustik ausgestattet, die nach Flacks spezifischen Klangvorlieben und bevorzugtem Layout gestaltet waren. Der Raum wurde jede Nacht von Audiophilen, der lokalen Hip-Szene, Musikern und Prominenten wie Bill Cosby, Carmen McRae, Woody Allen, Johnny Mathis und Ramsey Lewis besucht. Sie spielte Jazz, Folk, Gospel, Rock, Klassik und Soul. Der Jazzpianist Les McCann, der sie zu Atlantic Records bringen sollte, hatte von der damals 29-jährigen Künstlerin gehört. Er beschrieb den ersten Eindruck von ihr folgendermaßen: „Es war gut, dass ich einen Platz fand, bevor sie ihren Platz am Klavier einnahm und ihren ersten Ton sang, denn meine Knie hätten es nicht stehend geschafft ... ihre Stimme berührte, tippte, fesselte und ergriff jede Emotion.“

Als sie für Atlantic Records' Superproduzenten Joel Dorn vorspielte, spielte Flack 42 ihrer 200 Lieder umfassenden Repertoire. Sie wurde sofort unter Vertrag genommen und spielte 39 Demos in den RCA-Studios in Manhattan ein. Das Repertoire der Lieder war unglaublich: Sam Cookes „A Change Is Gonna Come“, Leonard Cohens „Suzanne“, Tammi Terrells und Marvin Gayes „Ain’t No Mountain High Enough“ und Oscar Brown Jr.s „Afro Blue“ wurden alle meisterhaft und innovativ interpretiert. Sechs dieser Lieder und zwei weitere wurden die Tracks für ihr erstes Album und so erhielt es den Titel First Take. Ihr rigoroses Training in vielen Genres, einschließlich Klassik und Gospel, sowie ihre Erfahrung in verschiedenen musikalischen Berufen, von der Lehrerin bis zur Nachtclubsängerin und Chordirektorin bis zur Gesangslehrerin, führten zu diesem Album. Mehr noch, es führte zu ihrem unkategorisierbaren Stil und ihren Beiträgen zur Musik.

Es ist wichtig zu beachten, dass die Art ihrer Entdeckung, ihrer ersten Demo-Aufnahmen sowie ihrer ersten und nachfolgenden Alben auf ihre unvergleichliche Kunstfertigkeit hinweisen. Die Vielfalt der Musiker, die von ihren Sets angezogen wurden, selbst als Nachtclubsängerin, und die unglaubliche Bandbreite ihres Materials sprechen für sie als Musikerin aus – jenseits ihrer Ausbildung – deren Stimme nur eines ihrer Instrumente ist. Sie sagte über ihren Ansatz zu ihrer Kunst: „Ich würde sagen, mein musikalischer Hintergrund war gründlich studiert. Ich glaube, dass nichts an Kunst instinktiv ist. Es gibt eine ganze Menge Instinkt in Bezug auf Kreativität, aber Kunst ist eine Wissenschaft.“ Während all ihre Arbeiten diesen Ansatz widerspiegeln, zeigt sich dies besonders lebhaft in dem, was als ihre „klassische Periode“ gilt, die ihre ersten sechs Alben umfasst, beginnend mit First Take (1969), endend mit Feel Like Making Love (1975) und einschließlich Quiet Fire. Natürlich ist dies auch besonders deutlich auf ihrem viel gefeierten Duettalbum mit ihrem Howard-Universitäts-Alumnus Donny Hathaway im Jahr 1972. Ihre exquisite Vermischung ist präzise, magisch und scheinbar wissenschaftlich. Dieses Album erreichte Platz 3 der Billboard-Charts und produzierte zwei Nr. 1 R&B-Hits, „The Closer I Get to You“ und „Where Is The Love“. Während dieser Zeit schrieb Flack Musikgeschichte, indem sie als erste Künstlerin überhaupt den Grammy für Record of the Year in zwei aufeinanderfolgenden Jahren (1973 und 1974) gewann.

Flacks Bedeutung reicht über ihre Aufnahmen hinaus. Ihre Live-Auftritte waren kraftvoller und komplexer als das, was auf Schallplatte festgehalten werden konnte, was natürlich das Zeichen eines großartigen Performers ist. Sie muss auch als weibliche Produzentin – eine Seltenheit sogar heute – die schon Mitte der 70er Jahre damit begann, Anerkennung finden. Als sie schließlich die Kontrolle über die Studioproduktion ihrer Alben übernahm, produzierte sie den Hauptanteil ihres Materials selbst. Letztendlich hat sie über 20 Alben veröffentlicht und veröffentlicht weiterhin. Flack wurde 2020 mit dem Lifetime Achievement Award der Recording Academy ausgezeichnet, der ihre enormen Auswirkungen anerkennt. In diesem Zusammenhang muss Quiet Fire tiefer in ihren Kernkanon und diesen wesentlichen Teil ihres Werks aufgenommen werden.

Das einfache Cover von Quiet Fire täuscht darüber hinweg, was sich darin befindet. Das Bild zeigt Flack mit einem lachenden Lächeln, das sich über ihr Gesicht ausbreitet. Es ist freudig. Der Titel des Albums, gefolgt von ihrem Namen, umringt den perfekt gepflegten Afro, der ihr Gesicht einrahmt. „Quiet fire“ bezieht sich nicht auf den Titeltrack des Albums; vielmehr signalisiert es die Stimmung, die Musik und Flacks Kunstfertigkeit. Der soul- und gospelgetränkte „Go Up Moses“ bringt mehr als nur ein wenig Kirche in die Eröffnung des achtspurigen Albums. Das Lied, eine Zusammenarbeit zwischen Flack, Joel Dorn – der ihre ersten fünf Alben produzieren sollte – und Reverend Jesse Jackson, fühlt sich wie eine dringende Ankündigung, ein Aufruf zum Handeln an. Der Titel ist ein Wortspiel mit dem biblischen Ausdruck und Spiritual „Go Down Moses“, das sich auf die Geschichte von Mose bezieht, der vom Pharao die Freiheit für die Israeliten fordert. Der Track ist ein besonders deutlicher politischer Song und widerspiegelt die stürmischen Zeiten, in denen er aufgenommen wurde. Er geht weiter als die Forderung nach Befreiung und besteht darauf, dem Zuhörer zu sagen: „Mein Volk / lasst den Pharao gehen ... Der Pharao will nicht, aber er braucht euch ... Ohne euch gibt es keinen Pharao.“ Das Lied demonstriert Flacks Geschicklichkeit und musikalische Vielseitigkeit. Tatsächlich könnten die Zuhörer überrascht sein, dass die Eröffnungstracks ihrer ersten drei Alben – „Compared To What“ auf First Take, „Reverend Lee“ auf Chapter Two und „Go Up Moses“ – alle langsame Balladen sind.

„Go Up Moses“ hat einen Cousin in „Sunday And Sister Jones“, dem dritten Track. Die Verwandtschaft liegt nicht in politischen oder religiösen Botschaften, sondern in ihrer Abhängigkeit von einer soliden Basis aus entspanntem Funk. Das Lied wurde von Eugene McDaniels geschrieben, der auch „Compared To What“ und Flacks charakteristisches „Feel Like Making Love“ verfasste. Es ist das einzige andere vergleichsweise schnelle Lied auf der Platte. Es erzählt die emotionale Geschichte einer Frau des Reverends, die ihren Mann verloren hat und für ihren eigenen Tod betet. Sie überlebt den Tag nicht. Die Spieler auf dieser Aufnahme agieren wahrhaftig als zweite Stimme zu Flacks Intonationen, insbesondere die bahnbrechenden Perkussionisten Bernard Purdie und Ralph MacDonald. Weitere Musiker, die die üppige Begleitung zu Flacks reichen Vocals im gesamten Werk schaffen, sind Jazz-Größen wie der Saxophonist Seldon Powell, der Schlagzeuger Grady Tate und der Flötist Hubert Laws.

Flacks Fähigkeit, das amerikanische Liederbuch zu interpretieren, zeigt sich hier ebenfalls deutlich. Ein Rezensent von Quiet Fire sagte, dass Flacks Version von Simon & Garfunkels „Bridge Over Troubled Water“ ein „Hymne, ein totales Erlebnis“ sei. Seine Beschreibung könnte nicht treffender sein. Flack bringt das Tempo auf ein Kriechen und wird engelsgleich von der kraftvollen Cissy Houston und dem Newark Boys Chorus unterstützt. Für ein Lied, das hunderte Male neu interpretiert wurde, sticht Flacks Version hervor. „Will You Still Love Me Tomorrow“, geschrieben von Carole King und Gerry Goffin und ursprünglich mit großem Erfolg von The Shirelles aufgenommen, ist das erste Stück auf der zweiten Seite und das erste Single vom Album. Flacks verlangsamte Version macht das Lied herzlicher und weniger jugendlich. Ebenso wird die Bee Gees‘ „To Love Somebody“ auf Quiet Fire in einen introspektiven und bluesigen Torch-Song verwandelt, während Flack und ihre Musiker dieses Lied zu einem bebenden Höhepunkt aufbauen. Die zusätzlichen Lieder auf dem Album sind ein trauriger Abschied in „See You Then“, das freche „Let Them Talk“ und das Leid von „Sweet Bitter Love“. Insgesamt ist das Album eine Soul-Serenade. Der Wissenschaftler und Kulturkritiker Jason King beschrieb Flacks Magie als in ihrer Fähigkeit verwurzelt, ihre Stimme und komplementären musikalischen Fertigkeiten zu nutzen, um „Vibe“ zu erzeugen, den er als „kollektive Intimität“ definiert. Die Architektur von Flacks ergreifendem, klanglichem Vibe ist auf dieser Sammlung deutlich hörbar. Wiederum, nur einer ihrer vielen Beiträge zur amerikanischen Musik.

Wie viele Ikonen – und ich benutze diesen Begriff hier nicht leichtfertig – liefen Roberta Flack und ihre klassisch fundierte, opernhafte, gospel- und soul-durchdrungene Musik auf Quiet Fire uns voraus in eine Zukunft, die viele nicht – und nicht – ganz erahnen konnten. Musikalische Giganten wie Stevie Wonder, Marvin Gaye, Alice Coltrane, David Bowie und Sly and the Family Stone waren gleichzeitig mit Flack in der Luft. Selbst innerhalb der radikalen, lieblichen und transgressiven Fusion und des Experimentierens der frühen 70er-Jahre-Musik konnten wir uns eine Musik weniger markiert durch Rasse, Geschlecht, Klasse und starre Kategorisierungen und Genres nicht vorstellen. Ihre Musik mag andere Noten treffen, aber sie steht nicht abseits in ihrem Ziel. Sie muss zu diesem kollektiven Drängen des musikalischen Moments hinzugefügt werden, um uns allen einen Einblick in eine ungehemmte Zukunft irgendwo zu geben.