Boogaloo Joe Jones’ unterschätztes ‘No Way!’

Während viele Kritiker und Intellektuelle das, was sie „Free Jazz“ und „The New Thing“ nannten, befürworteten, fand die Musik nicht bei jedem Jazzfan Anklang — und für diejenigen, die avantgardistischen Jazz für zu extravagant hielten, war ein neuer, bodenständiger Stil namens „Soul Jazz“ angenehmer. Zu seinen Architekten gehörten der Organist Jimmy Smith und die Saxophonisten Stanley Turrentine und Lou Donaldson, die bewusst mit ihren Gemeinschaften und kulturellen Wurzeln interagierten, indem sie zugängliche Platten produzierten, die in Jukeboxen gespielt werden konnten und mit denen normale Menschen sich identifizieren konnten. Und obwohl das Publikum für Jazz in den 60er Jahren exponentiell schrumpfte, belebten Soul Jazz-Aufnahmen, mit ihren Einflüssen aus Blues und Gospel, das Genre und gaben ihm sogar gelegentlich Präsenz in den US-Popcharts.

Obwohl er nicht so bekannt war wie Smith und Turrentine, machte ein Brillenträger namens Boogaloo Joe Jones ebenfalls seinen markante als Vertreter des Soul Jazz. Zu den neun Alben, die er zwischen 1968 und 1976 aufnahm, gehörte No Way! — ein LP, das von Plattensammlern sehr begehrt ist.

Boogaloo Joe Jones wurde am 1. November 1940 in West Virginia als Ivan Joseph Jones geboren, doch zwei Monate nach seiner Geburt suchte seine Familie ein besseres Leben und reiste 464 Meilen nordwärts nach Vineland, New Jersey. Musik zu spielen war ein wichtiges Zeitvertreib für mehrere Mitglieder seiner erweiterten Familie, wie er in einem Interviewsegment aus Chris Albertsons Liner Notes zum Prestige-Album von 1968, Introducing the Psychedelic Soul Jazz Guitar of Joe Jones: „Ich habe fünf Onkel, die Gitarre spielen, und einer von ihnen war tatsächlich ziemlich gut darin.“ 

Das Hören und Sehen seiner nahen Verwandten, die Gitarre spielten, weckte das Interesse des jungen Jones für das Instrument. „So lange ich mich erinnern kann, wollte ich immer ein Gitarrist sein“, erinnerte er sich, „aber es war ein bisschen schwierig, weil ich aus einer großen Familie komme, es gibt etwa zehn oder elf von uns, und Geld war knapp.“

Doch als er 16 Jahre alt war, lächelte das Glück den jungen Ivan an, den die meisten Leute bei seinem zweiten Vornamen Joe nannten. „Ich gewann einen Fußballwettbewerb und bekam einen Gutschein über fünf Dollar“, sagte er und erinnerte sich an den denkwürdigen Wendepunkt, der sein Leben veränderte. „Ich nahm es in die Innenstadt und kaufte eine Ukulele. Ein paar Tage später hatte mein Vater die Gelegenheit, eine Gitarre von einem Mann zu kaufen, der wohl ein paar Dollar für Wein benötigte. Das war etwa 1956, die Gitarre hatte drei Saiten, aber es war ein Anfang.“

Obwohl er ein Spätzünder in der Musik war und keine formale Gitarrenausbildung erhielt, verliebte sich Joe Jones sofort in sein dreisaitiges Instrument und bereitete sich unermüdlich vor, unbeeindruckt von seinem nicht perfekten Zustand. Nachdem er drei weitere Saiten beschafft hatte, konnte ihn nichts mehr aufhalten — oder so dachte er. Mit 20 wurde er von Onkel Sam einberufen und verbrachte zwei Jahre in der US-Armee.

Nach seiner Rückkehr nach New Jersey im Jahr 1962 konzentrierte er sich darauf, Musik zu spielen. In Bezug auf seine Einflüsse waren seine frühen Gitarrenhelden Dick Garcia und Tal Farlow; letzterer ein Meister des Griffbretts aus North Carolina, der Bebop spielte und „Der Oktopus“ genannt wurde. Aber es war Wes Montgomery, ein virtuoser Gitarrist aus Indianapolis, der Jones am meisten beeindruckte. „Wes hat tatsächlich etwas Eigenes — er bringt Dinge mit, die ich von sonst niemandem gehört habe.“

Montgomery verwendete berühmtermaßen parallele Oktaven, um melodische Linien zu betonen, die Jones in seinen eigenen Stil integrierte. Sein erster professioneller Auftritt war in der Band seines gitarrespielenden Onkels, die seinen Cousin, Alexander „Fats“ Witherspoon, am Bass beinhaltete. Als er sich an diesen Anlass erinnerte, sagte Jones: „Mein Onkel hat seine Musik nie sehr ernst genommen, und folglich hat er manchmal vergessen zu erscheinen. An einem dieser Nächte bat mich mein Cousin, ihn zu ersetzen.“

Hungrig darauf, zu beeindrucken, zögerte Jones nicht, die Gelegenheit zu ergreifen, live in einer professionellen Band zu spielen, und nahm sogar die Herausforderung an, einen Solo zu nehmen, als er darum gebeten wurde. „Das war das erste Mal, dass ich ein Solo nahm“, erinnerte er sich ein paar Jahre später. „Der Tenorsaxophonist, der ziemlich gut war, drehte sich plötzlich zu mir um und sagte mir, ich solle es übernehmen. Ich denke, er wollte sehen, wo ich stand, und ich machte einfach etwas.“

Von Selbstbewusstsein erfüllt, begann Joe Jones von da an, andere Auftritte zu bekommen und Erfahrung im Live-Bereich im nahegelegenen Atlantic City zu sammeln, nur 50 Minuten Autofahrt von seinem Zuhause in Vineland, New Jersey.

Als „Der Spielplatz der Welt“ und „Monopoly-Stadt“ bezeichnet, weil die US-Version des Monopoly-Brettspiels von seinen Straßennamen inspiriert wurde, war Atlantic City eine Kurstadt, deren Unterhaltungsstätten zusammen mit ihren langen Holzpromenaden und einladenden Sandstränden sie zwischen den späten 1940er und späten 1960er Jahren zu einem begehrenswerten Sommerziel für viele Afroamerikaner machten. Obwohl dies von Musikhistorikern selten anerkannt wurde, prahlte Atlantic City mit einer florierenden Jazzszene. Diese Szene war hauptsächlich auf der Kentucky Avenue zentriert, wo es Bars und Nachtclubs wie Wonder Gardens, Club Harlem und Grace’s Little Belmont gab. Dort, in diesen schweißüberströmten, alkoholgetränkten Kesseln spontaner musikalischer Kreativität, absolvierte Joe Jones seine musikalische Lehre als Sideman in Bands, die von dem beliebten Saxophonisten Willis „Gator“ Jackson, dem ehemaligen Duke Ellington-Schlagzeuger Chris Columbus und dem Pionier des Soul Jazz, Bill Doggett, geleitet wurden.

Jones erwarb sich den Ruf, ein zuverlässiger Sideman zu sein, der seine Gitarre in einem geschmackvollen Soul Jazz-Stil spielte, der die bluesige Intensität von Kenny Burrell mit der melodischen Eleganz von Wes Montgomery kombinierte. (Im Gegensatz zu Montgomery, der seinen verhärteten Daumen zum Spielen von Noten benutze, verwendete Jones einen Plektrum, was seinem Klang mehr Angriff und Biss verlieh).

Mit seinem Ruf, der allmählich in der Jazzszene von Atlantic City blühte, gab Jones am 15. November 1966 für Prestige Records sein Aufnahme-Debüt als Sideman für den Sänger, Organisten und Mundharmonikaspieler Billy Hawks. Die Session fand im legendären Van Gelder Studio in Englewood, New Jersey — geleitet vom Pionier-Toningenieur Rudy Van Gelder — statt, wurde von Cal Lampley produziert und resultierte in dem Album The New Genius Of The Blues.

Zwei Wochen später, beeindruckt von Jones, engagierte Lampley den Gitarristen für einen Studioauftritt mit einem bekannteren Vertreter des Soul Jazz: dem Organisten Richard „Groove“ Holmes, der arg den größten Star von Prestige war. Nach dem fertiggestellten Album, Spicy!, gab Lampley dem Gitarristen die Chance, seine eigene Platte für Prestige aufzunehmen, die 1968 unter dem Titel Introducing The Psychedelic Soul Jazz Guitar Of Joe Jones veröffentlicht wurde. Indem er flinke Griffwechsel mit emotionalem Phrasieren kombinierte, vereinte die Platte Jazz, R&B, Gospel und Blues-Aromen mit lateinischen und rockigen Zutaten und hob Jones' eklektische Einflüsse hervor.

Der Gitarrist servierte mehr vom Gleichen auf seinem zweiten Album, das später im selben Jahr veröffentlicht wurde: My Fire!, untertitelt More Of The Psychedelic Soul Jazz Guitar Of Joe Jones. Obwohl er zwei Alben veröffentlicht hatte, hatte Jones noch nicht seine eigene Live-Band geleitet. Doch außerhalb des Tonstudios — wo er auch als Sideman an Sessions für Prestige mit den Saxophonisten Houston Person und Rusty Bryant im Jahr 1968 mitwirkte — konnte man ihn regelmäßig in Atlantic City mit Willis Jacksons Band und gelegentlich mit dem Philly-Tenoristen Charlie Ventura spielen hören.

Prestige glaubte an Jones als Leader und schickte ihn 1969 zurück ins Studio für ein drittes Album mit einem neuen Produzenten, Bob Porter. Es resultierte in Boogaloo Joe, das Rusty Bryant am Tenorsaxophon und Bernard „Pretty“ Purdie am Schlagzeug beinhaltete. Porter und Purdie blieben beim vierten Prestige-Longplayer des Gitarristen, 1970’s Right On Brother. Zu diesem Zeitpunkt hatte Prestige beschlossen, den Gitarristen als „Boogaloo Joe Jones“ zu präsentieren, um ihn von zwei anderen Musikern namens Jo Jones, beide Schlagzeugern in der Jazzwelt, zu unterscheiden: „Papa“ Jo Jones, der ein fester Bestandteil von Count Basies Band war, und „Philly“ Joe Jones, einem Hard Bop-Schlagzeuger, der mit Miles Davis gespielt hatte. Right On Brother war das kommerziell erfolgreichste Album des Gitarristen und katapultierte Jones kurzzeitig in die Top 50 der US-R&B-Alben-Charts im Jahr 1971.

Der Gitarrist folgte seinem Überraschungshit-Album mit 1971’s No Way! Aufnahmen im Van Gelder Studio am Montag, den 23. November 1970, es war Jones’ fünftes Album für Prestige und sein drittes unter der Leitung von Bob Porter. Stilistisch stammte es aus dem gleichen Soul Jazz-Muster wie seine vorherigen beiden Longplayer und kombinierte bluesige Eigenkompositionen mit geschmackvollen Pop- und R&B-Covern.

Der Schlagzeuger Bernard Purdie aus Maryland, dessen zahlreiche Session-Credits zu diesem Zeitpunkt von „Queen of Soul“ Aretha Franklin bis zu Produzent Quincy Jones reichten, brachte eine polyrhythmische Energie in Jones’ vorherige zwei LPs und wurde nicht überraschend für No Way!beibehalten. Mit ihm waren zwei Tastenkünstler dabei: Sonny Phillips, ein Sideman für die Saxophonisten Eddie Harris und Gene Ammons, der auf vier Tracks Orgel und Elektrische Klavier spielte, und Butch Cornell, der auf zwei erschien. Am Bass war Jimmy Lewis, und am Tenorsaxophon blies ein 27-jähriger junger Mann aus Buffalo, New York, namens Grover Washington Jr. Obwohl es eine der frühesten Aufnahmen des Saxophonisten war, war sein Stern bereits deutlich zu erkennen. (Kurz nach der No Way! -Session unterschrieb er bei Creed Taylors Kudu-Label und nahm sein Debütalbum auf, Inner City Blues, das ein Hit wurde und den Saxophonisten in einen Jazz-Superstar verwandelte).

No Way!’s Eröffnungstitel ist ein Originalstück von Jones, das durch einen dampfenden Groove definiert ist, dessen Tempo und funky Riffing Echoes des Tracks „The Windjammer“ von dem Mitgitarristen Grant Green aus dem Jahr 1970 hat. Jones und Washington spielen das Hauptthema der Melodie im Einklang über Purdies treibenden Backbeat. Der Gitarrist übernimmt das erste Solo, baut langsam Spannung auf, bevor er ein schnelles Massaker von staccato Noten abfeuert, die mit pikanten Blues-Akzenten geschärft sind. Washington Jr. nimmt dann den Stab auf und spielt einen Sturm von scharfen Licks, bevor Phillips ein wildes Hammond-Orgel-Solo spielt, das bluesige Rhythmen mit einer heiligen Leidenschaft verbindet.

Die Hochoktanzexcitation von „No Way“ weicht einem sprudelnden Cover von Ray Charles’ „If You Were Mine“, das auf dem Soul-Genie’s 1970 Album Love Country Style erschien. Obwohl Jones’ Gitarre einen ausgeprägten Country-Twang ausstrahlt, verwandelt er die Ballade, indem er sie in einen brodelnden Soul Jazz-Groove umwandelt, angetrieben von Purdies metronomischen Rimshots. Washington Jr. erhöht die Temperatur fast bis zum Siedepunkt mit seinem feurigen Solo.

„No Way!“ ein vollendeter und sehr unterhaltsamer Fundus von Soul Jazz-Grooves, der es verdient, seinem Schöpfer breitere Anerkennung zu bringen.

Das Album beginnt mit den üppigen, wirbelnden Organakkorden von Sonny Phillips; „Georgia On My Mind“ — ein Evergreen-Song, der 1930 von dem großen amerikanischen Komponisten Hoagy Carmichael mitgeschrieben wurde — schließt die erste Seite von No Way! Viele argumentieren, dass die definitive Aufnahme des Songs von dem großartigen Ray Charles 30 Jahre später war, der ihn zu einem seiner Markennummern machte. Boogaloo Joe Jones und seine Sidemen bieten eine tief berührende Lesung des Liedes, indem sie es in sinnlichen späten Nachtblues umwandeln. Washington Jr. sitzt bei diesem Stück aus und lässt Jones’ schillerndes Griffwerk in den Mittelpunkt treten.

Jazzfans werden die ansteckende „Sunshine Alley“ als eines der herausragenden Stücke auf dem CTI-Album von Saxophonist Stanley Turrentine von 1971, Sugar, erkennen. Es wurde im selben Studio und im selben Monat wie Jones’ Version aufgenommen und beinhaltete auch seinen Komponisten, Butch Cornell, an der Orgel. Jones’ Interpretation, angetrieben von Purdies kinetischen Drums, ist viel schneller als Turrentines, wobei Gitarre und Tenorsaxophon das ansteckende Thema der Melodie betonen. Jones’ Solo, das flinke Fingerläufe mit bluesigen Figuren kombiniert, zeigt, wie er in einem Groove den Sweet Spot finden konnte. Washington und Cornell folgen mit improvisierten Solopassagen, die das perfekte Gleichgewicht zwischen geschliffener Technik und erdiger, emotionaler Ausdruck finden.

Das energiegeladene „I’ll Be There“ ist Jones’ Interpretation des vierten US-Nr. 1-Singles der Jackson 5 von 1970. Es bleibt den melodischen und harmonischen Konturen des Originals treu und leitet uns in den abschließenden Song, das von Jones geschriebene „Holdin’ Back“, einen Mid-Tempo-Track mit einem mitreißenden Beat, dessen ländliches Feeling das wesentliche Erdige des Soul Jazz-Stils verkörpert.

Obwohl No Way! nicht in der Lage war, den kommerziellen Erfolg von Right On Brother zu emulieren, zeichnete Prestige weiterhin den Gitarristen auf, der zwischen 1971 und 1973 drei weitere Alben für sie aufnahm (What It Is, Snake Rhythm Rock und Black Whip), bevor er ein letztes Studioangebot brachte, Sweetback, das 1976 für das unabhängige Joka-Label aufgenommen wurde.

Im selben Jahr versuchte Atlantic City, seine kriselnde Wirtschaft durch die Legalisierung von Glücksspiel zu revitalisieren. Infolgedessen eröffneten eine Reihe von Casinos, was Jones Gelegenheiten zur Arbeit in Lounges wie Resorts International und Sands bot. Doch der kommerzielle Rückgang des Jazz, verbunden mit dem Aufstieg der Disco am Ende der 70er Jahre, bedeutete, dass der Gitarrist Schwierigkeiten hatte, mit seiner Musik einen Lebensunterhalt zu verdienen. Schließlich legte er sein Instrument nieder und ließ sich als Spielautomaten-Techniker ausbilden, was ihm ermöglichte, bis zu seiner Pensionierung in vielen der Casinos von Atlantic City zu arbeiten.

Ironischerweise erlebte Jones in den frühen 1990er Jahren, während er Spielautomaten reparierte, eine Art Wiederbelebung seiner Musik, an einem Ort, an dem er nie gewesen war: im Vereinigten Königreich. Dies war der Acid Jazz-Szene dort zu verdanken, die US-amerikanische Funk-, Jazz- und Soulplatten der 60er und 70er Jahre unterstützte und die Wiederveröffentlichung des Backkatalogs des Gitarristen auf CD bewirkte.

Zum Zeitpunkt dieser Wiederveröffentlichung lebt Boogaloo Joe Jones noch; er ist jetzt 81 Jahre alt und genießt ein Leben in ruhiger Obskurität irgendwo in Vineland, New Jersey. Obwohl sein Name wahrscheinlich nur unter Hardcore-Jazz-Gitarren-Enthusiasten bekannt ist, No Way!  ist ein vollendeter und sehr unterhaltsamer Fundus von Soul Jazz-Grooves, der es verdient, seinem Schöpfer breitere Anerkennung zu bringen.