Dollys Partons anmutiger Durchbruch

Der Song wurde 1969 auf der Rückseite eines Reinigungsbelegs geschrieben, während sie mit ihrem frühen Duettpartner, dem Countrysänger und Varieté-Show-Moderator Porter Wagoner, auf Tour war. Er erzählt die Geschichte eines Mantels, den Partons Mutter, Avie Lee Owens, für sie gemacht hat, als sie ein kleines Mädchen war. Dolly Rebecca Parton wurde 1946 als viertes von 12 Kindern geboren und wuchs in einer Einzimmerhütte in den Smoky Mountains von Tennessee auf. Weil ihr Vater, ein Pachtbauer namens Robert Lee Parton Sr., sich den Arzt nicht leisten konnte, tauschte er einen Sack Maismehl gegen ihre Entbindung ein. Jahre später, wie der Song geht, kam der späte Herbst, und Dolly hatte keinen Mantel, um sich auf dem Weg zur Schule und zurück warm zu halten. Ihre Familie hatte kein Geld, um einen zu kaufen, also nähte ihre Mutter einen Mantel aus einer Kiste mit bunten Lumpen, die jemand der Familie geschenkt hatte.

Als geschickte Schneiderin und Quilterin versuchte Dolleys Mutter oft, die Stoffreste farblich anzupassen, um ihr Patchwork unauffällig zu machen, wusste jedoch, dass ihre Tochter einen weniger subtilen Ansatz benötigte. „Das wird ein bunter Mantel ohne Entschuldigungen“, schrieb Parton in ihrer 1994 veröffentlichten Autobiografie. Während sie das Kleidungsstück nähte, erzählte Dolleys Mutter ihr die biblische Geschichte von Joseph und seinem ähnlich farbenprächtigen Gewand und schlug vor, dass ihr neuestes Kleidungsstück ihr „Glück und Freude bringen“ könnte. Begeistert von ihrem besonderen, handgemachten Mantel mit biblischen Verbindungen und dem Drang, ihn zu präsentieren, trug sie ihn zur Schule, nur um von den anderen Kindern gehänselt und ausgelacht zu werden. Während Dolly und ihre Familie in einer Gegend mit vielen anderen armen Leuten aufwuchsen, hatten sie und ihre Geschwister kürzlich angefangen, eine größere Schule zu besuchen — und das bedeutete, unter wirtschaftlich besser gestellten Schülern zu sein.

„Ich konnte es nicht verstehen / Denn ich fühlte mich reich / Und ich erzählte ihnen von der Liebe / Die meine Mama in jeden Stich nähte“, singt Parton mit einem rückblickenden Staunen und einem Hauch von züchtigem Zorn.

Ein so authentisches Country-Lied wie möglich, „Coat of Many Colors“ umrahmt sanftes Fingerpicking und Dolleys lebendige, beständige Sopranstimme, gestützt von einer unerschütterlichen Basslinie und unterstrichen von den reichhaltigen Appalachen-Folk-Harmonien, die wie ein Herzschlag durch die 10 Tracks des Albums pulsieren. Der Song ist vor allem eine schmerzliche, hart erlernte Parabel über das Erkennen von Wert, wo es darauf ankommt, authentisch in Ihren Werten zu leben und unbeirrt an ihnen festzuhalten, selbst angesichts der Grausamkeit von Menschen, die sich nicht die Zeit nehmen, zu verstehen. In zahlreichen Gelegenheiten bezeichnete sie „Coat of Many Colors“ als ihren Favoriten aus ihrer Karriere mit 956 Songs — „nicht nur, weil es ein Lied ist, sondern weil es sehr persönlich für mich ist; es ist wirklich eine Art Lebensphilosophie“, erklärte sie einmal auf der Bühne, nachdem sie den Song aufgeführt hatte.

Angesichts alldem ist es besonders ärgerlich, dass nur wenige Minuten, nachdem Parton den letzten Akkord von „Coat of Many Colors“ in den Nachrichten an diesem Abend angeschlagen hatte, Walters sofort begann, Dolleys Erscheinung zu hinterfragen. Nachdem sie das Wort „Hillbilly“ verwendet hatte, invasiv die „Echtheit“ von Dolleys Körper in Frage stellte („Ist es alles Sie?“) und sogar forderte, dass sie während des Interviews aufsteht, um einen besseren Blick auf ihren Körper zu bekommen, sagte Walters: „Sie müssen nicht so aussehen; Sie sind sehr schön. Sie müssen die blonden Perücken nicht tragen. Sie müssen nicht die extremen Kleider tragen. Richtig?“

Im Nachhinein ist es einfach, 40 Jahre später, während dieses Moments und dem abfälligen Blick zu beobachten, den begegnet man dem Missmut – dem verinnerlichten Feminismus, dem impliziten Klassismus – der von der weltgewandten, sorgfältig gekleideten, college-educated Interviewerin ausging, die gegenüber der talentierten, aus den Bergen stammenden Frau mit viel Talent und etwas Glück saß. Aber es ist unfair, Walters die ganze Schuld zu geben. Schließlich vertrat sie eine ziemlich verbreitete Haltung innerhalb des Publikums ihres Programms. Für einen Großteil von Dolleys Karriere war sie für einen bestimmten Teil der Mainstream-amerikanischen Öffentlichkeit nicht viel anders als die Schulhof-Schikanierer, die vor vielen Jahren über ihren Mantel gelacht hatten; für sie war Dolly nichts weiter als eine Karikatur, ein Witz, eine auffällige Hillbilly mit einer wechselnden Auswahl von Perücken, einem geschnittenen Lidstrich und einer großen Oberweite.

„Es ist sicherlich eine Wahl. Ich möchte nicht wie alle anderen sein. Ich habe oft die Aussage gemacht, dass ich niemals so tief sinken würde, um modisch zu sein; das ist das einfachste auf der Welt, was man tun kann“, erwiderte Dolly, damals 31. „Ich bin sehr real, wo es darauf ankommt, und das ist drinnen, und was meine Lebensanschauung betrifft, und die Art, wie ich mich um Menschen kümmere, und die Art, wie ich mich um mich selbst kümmere, und die Dinge, die mir wichtig sind. Aber ich habe mich entschieden, dies zu tun — das Showgeschäft ist ein geldbringender Witz, und ich mochte es schon immer, Witze zu erzählen.“ Man kann fast hören, wie sie zwinkert.

„Fühlen Sie sich jemals wie ein Witz? Dass die Leute über Sie lachen?“ hakte Walters nach.

„Oh, ich weiß, dass sie über mich lachen. Aber tatsächlich haben all diese Jahre die Leute gedacht, der Witz wäre auf mir, aber es war tatsächlich auf der Öffentlichkeit“, lächelte Dolly herzlich. „Ich weiß genau, was ich tue, und ich kann es jederzeit ändern. Ich mache mehr Witze über mich selbst als jeder andere, weil ich mir meiner selbst als Person sicher bin; ich bin mir meines Talents sicher; ich bin mir meiner Liebe zum Leben und derartiger Dinge sicher. Ich bin sehr zufrieden. Ich mag die Art von Person, die ich bin. Also kann ich mir erlauben, mit Make-up und Kleidung und solchen Sachen herumzuspielen, weil ich mit mir selbst zufrieden bin.“

Angesichts von dünn maskierter Bosheit zuckte Dolly nicht einmal mit der Wimper. Tatsächlich verstärkte sie ihre Selbstsicherheit, Anstand und sogar streitbare Freundlichkeit. Ihre Anmut ist erstaunlich, fast baffend, aber schließlich hatte sie eine dicke Haut gegenüber scharfen, halb durchdachten Urteilen entwickelt, seit sie diesen geliebten Mantel zur Schule getragen hatte. Und während die Ignoranz zwar wuchs, als sie ein Leben in der Country-Musik anstrebte, wuchs auch die Tiefe ihres Talents, die Unterstützung ihrer Fans, der Katalog ihrer Songs und ihre unerklärliche Eleganz im Umgang mit allem.

Dolly Parton schrieb ihren ersten Song, „Little Tiny Tasseltop“, über ihre Maiskolbenpuppe im Alter von sechs Jahren und hörte nie auf. Die alten Balladen und Volkslieder sowie das Folklore ihrer Mutter, die sie im Haus erzählte, weckten eine Liebe zu Song und Geschichten tief in ihrem Inneren. Während sie all den Schmerz, die Freude, die Trauer, die Liebe und die Farben einer ländlichen Bergkindheit aufnahm, die sich eines Tages in ihrem Liederschatz wiederfinden würde, begann sie in der Kirche zu singen, in der ihr Großvater Prediger war, und machte sich eine improvisierte Gitarre aus einer alten Mandoline und zwei Saiten von einem E-Bass. Im Alter von acht Jahren schenkte ihr Onkel Lewis, selbst ein talentierter Gitarrenspieler, ihr endlich eine echte Gitarre, eine kleine Martin. 1956, als sie 10 war, fuhr ihr Onkel Bill Owens mit ihr nach Knoxville, um in einer lokalen Varieté-Show namens „The Cas Walker Farm and Home Hour“ aufzutreten, bei der er sie mit seiner großen Gretsch-Hohlkörpergitarre begleiteten. Das Publikum liebte sie, und nicht lange danach buchte Walker sie als regelmäßigen Act in seiner Show und bezahlte ihr aus eigener Tasche 5 Dollar pro Show.

Mit ihrem Onkel Bill an ihrer Seite — der Branchenkontakte in Knoxville und Nashville knüpfte, Songs mit Dolly co-schreibe und sie auf der Gitarre begleitete — trat sie weiterhin auf und schrieb, und mit 13 nahm sie ihre erste Single, „Puppy Love“, eine süße Rockabilly-Nummer, die im lokalen Radio gespielt wurde, auf. Im gleichen Jahr landete sie einen Gastauftritt beim Grand Ole Opry. Bill überredete Opry-Star Jimmy C. Newman, Dolly einen seiner regelmäßigen Samstag-Abend-Plätze zu geben, und das nächste, was sie wusste, wurde sie von einem gutaussehenden, jungen Johnny Cash präsentiert. („Ich dachte, er wäre das sexyste, was es je gab“, schrieb sie und beschrieb den Abend in ihrem Buch von 2020 Dolly Parton, Songteller: My Life in Lyrics.)

Während ihrer Teenagerjahre reisten sie und Onkel Bill in verschiedenen Autos in verschiedenen Zuständen der Dysfunktion hin und her nach Music City, hatten Kassetten dabei und versuchten, so ziemlich jeden dazu zu bringen, zuzuhören. In der Zwischenzeit beendete Dolly widerwillig ihre Schulausbildung und wurde das erste Mitglied ihrer Familie, das im Juni 1964 die High School abschloss. Am Tag nach ihrer Abschlussfeier sprang sie in einen Bus nach Music City und versprach sich, nicht nach Hause zu kommen, bis sie etwas vorzuweisen hatte. Sie verbrachte ihre Tage damit, nach Auftritten zu suchen, Songs zu schreiben, Teilzeitarbeiten zu machen und die Music Row auf und ab zu gehen, wobei sie fast von jedem großen Plattenlabel in Nashville abgelehnt wurde. Ihre junge, funkelnde Sopranstimme ließ sie als „weiblichen“ Pop-Vokalisten oder Teenie-Performerin abtun, anstatt als die Countrysängerin und Songwriterin, die sie tief im Inneren wusste, dass sie war. Selbst nachdem sie 1967 beim unabhängigen Label Monument Records unterschrieb, sahen der Labelinhaber Fred Foster Potenzial für ihre Zukunft als sprudelnde Pop-Nummer und ließ sie daher fröhliche Singles, die für sie von anderen Songwritern geschrieben wurden, aufnehmen. Ihr Debüt-Album Hello, I’m Dolly enthält witzige, charmante Titel wie „Dumb Blonde“ von Curly Putman und ihr erstes kommerzielles Lied „Something Fishy“. Während sie sich für die Möglichkeit und Entwicklung, die sie bei Foster und bei Monument gefunden hatte, dankbar zeigte, wurde bald offensichtlich, dass sie mehr zu sagen hatte.

Ihre Berühmtheit wuchs weiter, als der 40-jährige Star Porter Wagoner, der über 25 Hits zu seinem Namen zählte, im Sommer eine 21-jährige Dolly als „Mädelsängerin“ in seiner Band engagierte. 1969 waren sie auf dem Weg, eines der erfolgreichsten Country-Duos im Geschäft zu werden. Geleitet von seiner Mentorship und Tag für Tag an ihrer eigenen Branchenkenntnis gewinnend, wurde sie Mitglied der Grand Ole Opry-Crew, trat Wagoners Tourneegruppe bei, unterschrieb bei dem Riesenlabel RCA und begann im rasanten Tempo sowohl Solo- als auch Duettplatten zu veröffentlichen. Obwohl ihre frühe Partnerschaft mit Wagoner entscheidend für ihr musikalisches, künstlerisches und karrieretechnisches Wachstum zu der Zeit war, führte dies oft zu dem Missverständnis, dass sie einfach nur eine hübsche Stimme, ein hübsches Gesicht und eine hübsche Ergänzung zu Porter war, was ihre unvorstellbare Lyrik und Songwriting-Fähigkeiten unterstrich. Sie würde schließlich müde werden, die „Mädelsängerin“ zu sein, und sehnte sich danach, ihre Schmetterlingsflügel auf eigene Faust auszubreiten, hatte jedoch eine schwierige Zeit, dies zu erreichen, tat jedoch nichts, um sich nicht die Zeit zu nehmen, ihre Stimme zu perfektionieren, und etablierte sich leise als eine der aufstrebenden Kraftzentren des Songwritens in Nashville über einen wachsenden Stapel ihrer Arbeit. Zwischen ihrem Debüt im Februar 1967 und Oktober 1971 sammelte sie Songwriting-Credits schneller, als jemand zählen konnte, und veröffentlichte sechs Soloalben. Dann kam Coat of Many Colors und katapultierte Dolleys Karriere in die Stratosphäre, wo sie bis heute bleibt.

Coat of Many Colors wurde hauptsächlich zwischen März und April 1971 aufgenommen, als Parton 25 Jahre alt war, im RCA Studio B in Nashville und produziert von dem entscheidenden Country-Produzenten Bob Ferguson. Parton schrieb alle bis auf drei der 10 Songs auf dem Album; „If I Lose My Mind“, „The Mystery of the Mystery“ und „The Way I See You“ wurden von Wagoner geschrieben.

Obwohl es einen scharfen Kontrast zum ernsthaften und unschuldigen Opening-Track des Albums darstellt, ist der soulige, funky zweite Track, „Travelin’ Man“, ebenfalls ein Zeugnis eines bestimmten Aspekts des Berglebens, diesmal jedoch mit etwas mehr Fantasie. Als Parton aufwuchs, schickten Firmen wie Fuller Brush und Watkins Verkäufer, um Küchengeräte und andere Waren an Bergfrauen zu verkaufen. Der Erzähler des Songs ist eine gelangweilte Tochter, die zwischen den aufregenden Gitarrenlicks davon träumt, mit einem dieser Männer davon zu laufen, gegen den Willen ihrer missbilligenden Mutter. Erst im letzten Vers, verrät Dolly, immer für einen Scherz gut, dass der Grund für die Missbilligung der Mutter war, weil ihre Mutter selbst in den reisenden Mann verliebt war. „Oh, dieser reisende Mann war ein doppelt betrügerischer Liebhaber / Er nahm meine Liebe, dann nahm er meine Mutter“, rief Parton.

Der Großteil des Albums jedoch entspricht dem herzlichen Ton, den „Coat of Many Colors“ setzt. „My Blue Tears“, ein langjähriger Favorit aus Dolleys Katalog, der von jedem von Goldie Hawn bis zur Bluegrass-Ikone Rhonda Vincent bis zu Dolleys eigenem Bruder Randy Parton neu aufgenommen wurde, zeigt eine gebrochene Seele, die einen Bluebird bittet, einen anderen Platz als ihr Fensterbrett zu finden, um ihr fröhliches Lied zu singen und sie in ihrer Traurigkeit schmoren zu lassen. „If I Lose My Mind“ beschreibt das immer nachvollziehbare Gefühl, nichts anderes zu wollen, als nach einem Beziehungsende in den Armen seiner Mutter zu zerbrechen: „Mama, kann ich wieder dein kleines Mädchen sein? / Ich brauche dich jetzt mehr als damals.“ Mit ihrer weinenden Pedal-Steel-Gitarre bittet „She Never Met A Man (She Didn’t Like)“ eine verfallene Liebhaberin, nicht für jemanden zu gehen, der ohne discernment und bedeutungslos in ihrer Liebe ist.

Am deutlichsten zeigt sich jedoch in Coat of Many Colors — durch den Schmerz, die Arbeit, die Herzen und sogar die Grausamkeit — Dolleys vollständige, ewige Anbetung des Lebens und der Menschen darin. „Early Morning Breeze“, ein Track, der subtil in psychedelischen Folk abgleitet, ist eine spirituelle Meditation, die die Einfachheit eines frühen Morgenspaziergangs durch eine Wiese und einen Moment des Gebets beobachtet und schätzt. Der Albumabschluss „A Better Place To Live“ nimmt sich Zeit, um sich vorzustellen, wie eine aktiv freundlichere Welt aussehen würde. Kühn und brillant dient „Here I Am“ in der Rückschau als eine viel definitivere und passendere Einführung in ihren selbstgesteuerten Aufstieg als ein einfaches „Hello, I’m Dolly“. Fast ausschließlich in Dolleys unrestrained all-out belt gesungen, ist das Lied ein Potpourri der einfachen Kraft des Erscheinens: helfende Hände, ein Verständnis für andere anbieten, wissen, wie viel Liebe man zu geben hat und sie unentgeltlich austeilen.

Nachdem sie „Coat of Many Colors“ live aufgeführt hatte, erinnerte sich Dolly viele Jahre nach dem Erscheinen des Songs an die Heilung, die sie bei dessen Veröffentlichung verspürt hatte. „Als dieser Song zuerst ein Hit wurde, nahm er mir viel Schmerz“, sagte sie und erinnerte sich daran, wie bewegend es war, von den vielen Menschen zu hören, die mit seiner Botschaft in Resonanz gingen und ähnlichen Schmerz mit sich trugen aus ihrer eigenen Kindheit. Wenn es bis zum Ende von „Coat of Many Colors“ nicht klar war, beweist der Rest des Albums — und der Rest von Dolleys gesamter Karriere — dass ein fester Trost in Ihrer eigenen Haut, ein starker Kompass für Liebe in ihren vielen Arten und das Finden von guten Leuten, mit denen man sie teilen kann, die Kräfte sind, die Sie nahezu unempfindlich gegen Gefühllosigkeit oder Urteil machen. Und es ist etwas, das Dolly auch durch ihre Musik gefunden hat, direkt zusammen mit dem Rest von uns.