Die 10 besten SST-Schallplatten Alben, die man auf Vinyl besitzen sollte

Black Flag: Damaged

Damaged ist die erste Vollveröffentlichung von Black Flag und ein Meilenstein in der Geschichte der Band. Henry Rollins trat der Band bei und Dez Cadena—der dritte in der Reihe von Leadsängern—wechselte zur Rhythmusgitarre. Greg Ginn, der Leadgitarrist der Band, schrieb den Großteil des Materials und sein Songwriting—ähnlich wie bei anderen LA-Bands wie Fear und den Circle Jerks—ist ein kraftvoller Mix aus Testosteron und Sarkasmus. Die Band ist tight und gut geprobt. Die Songs klingen, als wären sie live aufgenommen worden—obwohl die meisten Vocals später überdubbt wurden—und die Produktionswerte sind rau. Diese Zutaten, plus ein Cover, das (fast wortwörtlich) Attitude ausstrahlt, machen Damaged zu einem genrea-definierenden Statement des frühen 80er Hardcore.

Außerdem spielt Ginn mit voller Leidenschaft. Sein Ton ist nasal, bissig und an der Schwelle zur Rückkopplung—er verwendet wahrscheinlich einen Transistorverstärker, was in der Ära des radiotauglichen Corporate Rock ein großes Tabu war—und seine Soli in Songs wie “Police Story,” “Rise Above,” und “Padded Cell” sind ein Wirbelwind schnell gespielter Noten, die mit Dissonanz flirten und Melodik auslöschen.

Minutemen: Double Nickels on the Dime

“‘Double nickels on the dime’ bedeutet, die Geschwindigkeitsbegrenzung einzuhalten,” sagte Mike Watt zu mir, als ich ihn letztes Jahr für ein Feature über D Boon in Premier Guitar interviewte. “Wir haben uns über Sammy Hagar lustig gemacht. Er sagte, dass er nicht 55 fahren könnte, aber er machte all diese sichere Musik. Wir sagten: ‘Wir werden sicher fahren, aber wir werden verrückte Musik machen.’ Niemand verstand es.”

Vielleicht hat niemand den Witz verstanden, aber sie verstanden die Musik. Double Nickels enthält Punk-Hymnen wie “This Ain’t No Picnic,” “Jesus and Tequila,” “Little Man With A Gun In His Hand,” und “Corona.” Es zeigt die Virtuosität der Band, wie Boons aufgeladenes Funk-Comping in “West Germany” und “The Roar of the Masses Could Be Farts.” Es ist roh, unverschämt und integriert die unterschiedlichen Einflüsse, die die Band inspirierten. Außerdem, was für Punk unüblich ist, ist es voll von Covers von Bands wie Creedence Clearwater Revival, Van Halen, und Steely Dan.

Double Nickels ist ein Album, das Sie auf Vinyl hören müssen, da die verschiedenen digitalen Versionen großartige Tracks wie “Little Man With A Gun In His Hand” und ihr Cover von Van Halens “Ain’t Talkin’ ‘bout Love” auslassen. Außerdem ist es der einzige Weg, um Raymond Pettibons provokante Gatefold-Kunst zu schätzen.

Dinosaur Jr: You’re Living All Over Me

You’re Living All Over Me ist die zweite Veröffentlichung von Dinosaur Jr und—nach einer juristischen Drohung von den Dinosaurs, einer Supergroup, die aus ehemaligen Mitgliedern der Jefferson Airplane und Country Joe and the Fish besteht—die erste, die “Jr” als Teil ihres Namens enthält. Es ist auch ein Schaufenster für die besonderen Merkmale, die Dinosaur Jr einzigartig machten: J Mascis’ Gesangswinkel—ein Stil, der irgendwie durch eine Kombination aus Mick Jaggers falschem Südstaatenakzent (aus Songs wie “Dead Flowers” und anderen) und John Fogerty inspiriert ist, Lou Barlows ungewöhnlicher Herangehensweise ans Bassspielen, indie-freundlichem Songwriting kombiniert mit wütenden Gitarren und kontrolliertem/geordnetem Chaos.

Der klangliche Überfall beginnt mit den ersten Noten von “Little Fury Things” und zieht sich durch das gesamte Album—und bietet herausragende Gitarrensoli in Songs wie “Kracked,” “Sludgefeast,” und “Raisans”—ist aber ausgewogen mit subtiler Ruhe, dynamischen Kontrasten und Experimenten (wie der ambienten Klanglandschaft, die in “Poledo” eingefügt ist).

Meat Puppets: Meat Puppets II

In vielerlei Hinsicht ist das zweite Album der Meat Puppets, Meat Puppets II, eine typisch SST-Veröffentlichung. Wie viele SST-Bands war das erste Album der Meat Puppets ein gerechter Schlamassel (ich meine das auf die bestmögliche Weise), aber während sie sich weiterentwickelten—und ihr Spiel besser wurde—blitzten die Eigenheiten, die in ihren früheren Veröffentlichungen angedeutet wurden, auf.

Meat Puppets II schöpft aus den tiefen Quellen der Countrymusik. “Split Myself in Two,” der Eröffnungstrack des Albums, beginnt schwer genug, aber beim zweiten Song, “Magic Toy Missing,” werden die rauen Gitarren durch gezupfte E-Gitarren und ein authentisches Hoedown-Feeling ersetzt. Diese Dichotomie—ein ruckeliger Country-Groove kombiniert mit lauten Gitarren—durchdringt das gesamte Album. Meat Puppets II enthält auch ein oder zwei Anspielungen auf klassischen Rock, einschließlich eines schlampigen Zitats von Led Zeppelins “Over the Hills and Far Away” zu Beginn von “Lost” und einem subtilen Hauch von Neil Youngs “The Needle and the Damage Done” in der Melodie von “The Whistling Song.”

Bad Brains: I Against I

I Against I ist die dritte Veröffentlichung von Bad Brains und die erste bei SST. Bad Brains waren Pioniere des Hardcore, obwohl—abgesehen von der Energie und Geschwindigkeit des Hardcore—ihr Klang viel mehr dem Reggae, Metal und ihrem ausgeklügelten harmonischen Gefühl verdankte. Und mit I Against I waren sie bereit, einige dieser Tiefe zu erkunden.

I Against I enthält seinen Anteil an „face-melting“ Hardcore wie den Titeltrack und “House of Suffering”, aber es hat auch eine überraschende Anzahl von Mid-Tempo-Songs wie “Secret 77” und “Sacred Love”—die, der Legende nach, eine Gesangsaufführung enthält, die aus dem Gefängnis eingeführt wurde. I Against I ist rau, die Band ist tight und HRs Gesang ist in seltener Form, aber, mein Gott, Dr. Knows Gitarrenspiel ist das Highlight des Albums. In Solo um Solo entfesselt er einen Strom von Noten, quietschenden Harmonien, Whammy-Manipulationen und atonalen Exkursionen, die perfekt die rohe Energie des Hardcore mit der Reife eines erfahrenen Veterans synthetisieren.

Soundgarden: Ultramega OK

Die Zutaten, die Soundgarden ausmachten—muskulöse Vocals, schwere Riffs und Angst—sind auf Ultramega OK, ihrer ersten Vollveröffentlichung, in Hülle und Fülle vorhanden. Aber mehr noch, mit der Einbeziehung von skurrilen Cuts wie “665,” “667,” und “One Minute of Silence,” zeigte Soundgarden ihre künstlerische Tiefe. Sie griffen auf diese Tiefe zu—etwas, das sie einen Schritt voraus brachte vor den meisten der Major Label me-too ‘90er Grunge-Crowd—auf späteren Veröffentlichungen, wie Badmotorfinger, in Form von ungewöhnlichen Takten, alternativen Stimmungen, Saxophonen und anderen Anspielungen auf das Avantgarde.

In Interviews haben die Bandmitglieder angedeutet, dass sie mit der Produktion von Ultramega OK unzufrieden waren, was den Titel erklärt: als in ultra-mega, aber nur ok. Obwohl es im Nachhinein offensichtlich ist, dass Soundgarden eine Band war, die für Großes bestimmt war, trotz SSTs spiritueller Distanz von ihren flanellartigen, seattle-basierten Wurzeln. Ultramega OK ist ein Dokument darüber, wie ein großer Act es auf die Reihe bekam, sich mit den Kopfschmerzen kleiner Budgets auseinanderzusetzen, sich in einem verzerrten Humor zu erfreuen und sogar seinem Bassisten die Möglichkeit zu geben, Lead zu singen (in “Circle of Power”), obwohl Chris Cornell als Frontmann fungierte.

Sonic Youth: Evol

Wenn nichts anderes, dann ist Evol von Sonic Youth, ihr erstes von zwei Alben bei SST, das Album, das Mike Watt zurückbrachte. Watt war noch angeschlagen von dem jüngsten Tod von D Boon—seinem ältesten Freund und Komplizen in den Minutemen—und wurde ermutigt, Bass in “In the Kingdom #19” zu spielen, plus ein Non-Album-Cover von Kim Fowleys “Bubblegum.” Evol ist auch die erste Veröffentlichung von Sonic Youth, die den Schlagzeuger Steve Shelley präsentiert.

Wenn Sie Sonic Youth mögen, liefert Evol in Hülle und Fülle. Es ist voll von dem, wofür sie bekannt sind—unkonventionelle Gitarrenstimmungen, kontrollierte Rückkopplung und unkonventionelle Gitarrentöne—ist aber auch der Ausgangspunkt für ihr späteres, “kommerzielleres” Songwriting. Die Beziehung von Sonic Youth zu SST endete nicht gut—sie ergriffen sogar rechtliche Schritte, um ihre Masters zurückzubekommen—aber in den Anfangstagen war die Unterzeichnung bei SST ein großer Fortschritt und brachte ihnen ihre erste Mainstream-Presse.

Hüsker Dü: Flip Your Wig

Zen Arcade mag das Meisterwerk von Hüsker Dü gewesen sein, aber das Album von 1985,Flip Your Wig, war der Höhepunkt der Band. Das Album ist ein eingängiger, zugänglicher und optimistischer Versuch und legte die Grundlagen für das, was zur Power-Pop werden sollte. Flip Your Wig war auch das erste Album, das Hüsker Dü selbst produzierten. Es ist immer noch Hüsker Dü—und die Gitarren sind immer noch voll von Fuzz—aber es ist auch radio-freundlich und mitsingbar. Das Album enthält die Single “Makes No Sense At All” (unterstützt von einem Cover von “Love Is All Around,” dem campy Thema aus der Mary Tyler Moore Show), die sogar moderate Einsätze bei MTV erhielt.

Aber Flip Your Wig ist nicht nur eine Sammlung mitsingbarer Hits, die Experimente, die auf Zen Arcade begonnen wurden, sind auch weiterhin zu hören—wie Rückwärtsbandeffekte, kratzender Gitarrenlärm und Klavier—und sind in den Instrumentals “Don’t Know Yet” und “The Wit and the Wisdom” zu hören. Das Album hat sogar alberne Rutschpfeifen und Xylophone, wie in “The Baby Song.” Flip Your Wig war die letzte Veröffentlichung der Band bei SST—aus Loyalität wurde es nicht an Warner Brothers gegeben, bei denen sie gerade einen Deal unterzeichnet hatten—und wahrscheinlich ihre letzte großartige Platte.

Gone: Gone II – But Never Too Gone!

Im Jahr 1986 war das Gerücht, dass Sie Gone, Greg Ginns andere Band auschecken mussten. Nicht, weil es großartig war—obwohl es das war—sondern weil es Andrew Weiss’ aufbrausendes Slap-Bass-Spiel (unter dem Namen BassoSaurus) präsentierte, das zu dieser Zeit—insbesondere für Punk—radikal war.

Aber abgesehen von dem großartigen Bassspiel war Gone alles andere als ein musikalisches Freakshow und ihre zweite Veröffentlichung, Gone II – But Never Too Gone!, ist ein instrumentales Tour-de-Force. Das Songwriting weicht dramatisch von Ginns Black Flag-Ausgaben ab und umfasst durchkomponierte Bewegungen, freie Improvisationen und wiederkehrende Themen. Es ist zuweilen melodiös, wie in “New Vengeance,” aber manchmal löscht es Melodie und Metrum aus. Das Album zeigt einen reifen Ginn, der immer sicherer mit seinen Fähigkeiten als Gitarrist wird, sich weiterentwickelt und sein Publikum mit neuer, abenteuerlicher Musik herausfordert. Außerdem gibt es auch großartige basslastige Riffs wie das Intro zu “Jungle Law,” “Turned Over Stone,” und das völlig freie “Utility Hole.”

fIREHOSE: Ragin’, Full On

Ragin’, Full On ist das erste Album von Firehose. Die Band—Mike Watt, George Hurley und Ed Crawford—besteht zu zwei Dritteln aus Minutemen, sodass Vergleiche unvermeidlich sind, aber Firehose ist definitiv etwas Eigenes. Zum Einstieg sind Firehose-Songs länger, viele liegen um die Drei-Minuten-Marke. Was mehr ist, die Band begann, einige ihrer post-punk Einflüsse abzulegen. Einige Songs, wie “Brave Captain,” markieren eine Rückkehr zu traditionellen Vers/Chorus-Songstrukturen, während andere, wie “On Your Knees,” sie dazu bringen, einen harmonischeren Ansatz zur Dissonanz zu wählen und auf Rückkopplung und Lärm zu verzichten. Eine weitere Innovation für sie ist Crawfords akustisches Gitarrenspiel, das in Songs wie “This…,” “Locked In,” und anderen zu hören ist. Ragin’, Full On ist ein erstklassiger Versuch von Anfang bis Ende.